Curse of the Ninth Symphony

Noel Gallagher's High Flying Birds @ Casino de Paris

2011-12-25T23:59:00.000+01:00

Quand Oasis s'est séparé en 2009 à Rock en Seine, nombre de fans ont juré de boycotter les projets personnels des frères Gallagher. Beaucoup l'ont fait sans mal avec le groupe de Liam, Beady Eye, mais quand Noel a gracieusement sorti ses nouvelles compositions, on est (re)tombé sous le charme. Il était donc inenvisageable de ne pas assister au concert de Noel Gallagher's High Flying Birds au Casino de Paris le 6 décembre 2012.

The Electric Soft Parade

Pendant la première partie plutôt banale pour ne pas dire chiante, le public s'installe progressivement, boit et s'impatiente. Trente-cinq minutes de pop aux mauvaises harmonies vocales et au synthé crispant, c'est long. Le seul élément intéressant, c'était le final instrumental tout en lâcher prise, mais même ça, The Electric Soft Parade n'a pas su le maîtriser, le faisant traîner.
Le son est fort, trop fort. Même quand c'est la musique d'attente qui résonne dans le Casino de Paris. Heureusement que la setlist est bonne (préparée par Noel ?) : Ticket to Ride des Beatles, Deep Blue d'Arcade Fire, Between the Lines de Bonobo feat. Bajka, etc. La musique s'évanouit enfin, en même temps que la lumière s'éteint. Et la foule scande le prénom du demi-dieu tant attendu...

Noel Gallagher
Noel entre sur scène sous de chaleureux applaudissements. L'homme dégage tellement de classe et de grandeur qu'en lançant un simple "Bonsoir !" au public, ce dernier s'enthousiasme déjà. Les High Flying Birds et Noel entament (It's Good) To Be Free, comme un clin d'œil à la nouvelle liberté de Noel sans Oasis, sans son frère si charismatique. Un triomphe d'entrée de set. Après une autre cover d'Oasis, Mucky Fingers, le groupe joue l'une des plus belles compositions de Noel, Everybody's on the Run. La voix est claire, puissante et fait remonter les plus beaux souvenirs qu'on a avec Oasis. On frissonne, on chante ces nouvelles paroles par cœur et on se surprend à avoir les larmes aux yeux, de bonheur.
Après Dream on, les acclamations de la foule survoltée, un petit "It's nice to be back in Paris !", l'oasienne If I Had a Gun..., The Good Rebel, une version très sincère de The Death of You and Me et Freaky Teeth, on se dit que le talentueux Noel s'est entouré d'excellents musiciens. Mais c'est lui que tout le monde est venu voir. Et lui, il sait ce qu'on veut entendre : Wonderwall. Une telle surprise que les larmes coulent discrètement sur certains visages. Il n'y avait que Noel pour offrir une version épurée, sublimée, différente mais toujours aussi magique de ce chef-d'œuvre. L'ovation amène le leader à montrer qu'il n'a pas perdu son humour : "Have u finish ? Can I carry on ?" Et il continue avec Supersonic. Une bombe.
Quand les musiciens le rejoignent, ils enchaînent (I Wanna Live in a Dream in my) Record Machine, AKA... What a Life !, Talk Tonight (Oasis cover), Soldier Boys and Jesus Freaks, AKA... Broken Arrow, Half the World Away (Oasis cover) et (Stranded on) The Wrong Beach. Et pour terminer cet excellent concert, Noel Gallagher's High Flying Birds joue trois morceaux d'Oasis en rappel : Little by Little, The Importance of Being Idle, et la mythique Don't Look Back in Anger. Car, même si Liam pense que son frère est con, il est très loin de l'être : Noel sait que son public, c'est celui d'Oasis. Le split de 2009 est resté en travers de la gorge des fans. Alors on a tous essayé de le faire sortir en hurlant les paroles des chansons du groupe que Noel joue parfaitement.

C'est bien Noel l'âme d'Oasis, le cinquième Beatles, le génie. Ses compositions sont superbes, et quand on entend Wonderwall et Don't Look Back in Anger, alors qu'on croyait les avoir entendues en live pour la dernière fois en 2008, à Montréal, c'est intense.

Cendrillon - Rudolf Noureev @ Opéra Bastille

2011-12-24T23:59:00.002+01:00

Il était une fois, Cendrillon au pays d'Hollywood. Parce que c'est ainsi que Rudolf Noureev conte l'histoire de Perrault. Sur pointes, évidemment.

Noureev transpose donc son Cendrillon dans le Hollywood des années 1930-1940 ; une version criant son amour pour le septième art. La fée/marraine devient producteur de cinéma (Karl Paquette), Cendrillon déroule un poster du Kid de Chaplin, avant de se lancer dans le célèbre numéro de claquettes de celui-ci, et les décors hollywoodiens sont manifestement inspirés du Metropolis de Fritz Lang. Et au lieu de dire que ce ballet datant de 1986 a mal vieilli, on dira que la touche kitsch qu'il propose impose un retour en enfance pour pouvoir s'en amuser et, le temps de trois actes, oublier que les contes de fée n'existent pas (ce qui est sans doute possible quand une petite fille de quatre ans ne gâche pas le plaisir de dizaines de personnes, avec l'accord de son grand-père peut-être atteint de surdité).
Le jeudi 1er décembre 2011 à l'Opéra Bastille, dans le rôle de l’acteur-vedette, Florian Magnenet a remplacé Nicolas Leriche, ce dernier s'étant blessé durant sa première variation au début du deuxième acte. Florian Magnenet a rejoint sur scène Dorothée Gilbert, légère et douce, qui dansait le rôle de Cendrillon avec une technique irréprochable. Mais si la performance de celle-ci a flirté avec l'excellence, c'est la perfection dans l'imperfection qui a suscité le plus de réactions : Alice Renavand (la sœur en bleu) et Nolwenn Daniel (la sœur en rose), diaboliquement hilarantes, ont donné l'illusion de ne pas savoir danser, notamment durant une amusante leçon de danse à la barre donnée par Alessio Carbone.
Et quand les yeux se portent à 75 % sur les pieds et les jambes de ces danseurs (un régal), les oreilles se délectent à 99 % (le pourcentage restant représentant le bruit des pointes sur la scène) d'une jolie partition de Sergueï Prokofiev humblement interprétée par l'Orchestre de l'Opéra national de Paris dirigé par Fayçal Karoui. C'est de là que sont nés les variations, les pas de deux et les adagios... La musique donne ainsi le ton, sans jamais s'exhiber, parce qu'elle développe quelque chose d'onirique et d'évident quand on connaît l'histoire de Cendrillon.

Un ballet drôle et romantique.

M83 @ Gaîté lyrique

2011-12-23T23:59:00.001+01:00

Alors c'est ça l'ivresse musicale. Cet état second que l'on atteint en plein live et qui transporte ailleurs. La transe avait déjà frappé à ma porte, elle l'a fait d'une manière différente cette fois ; plus subtile, plus saine. La musique par laquelle elle est venue, c'est celle d'Anthony Gonzalez, un musicien français plus connu sous le nom de M83. Ça s'est passé le 30 novembre 2011 à la Gaîté lyrique.

En guise d'amuse-bouches, Hannah a joué pendant quarante minutes avec le sourire. Hannah, c'est Emmanuel au chant et à la guitare (acoustique et électrique), Laurent à la batterie et aux chœurs. Leur folk nerveuse est minimaliste mais sophistiquée. Et entre les ballades charmantes et les compositions plus énergiques, ils ont interprété une étonnante reprise de Kiss. Néanmoins, aussi complices soient-ils, ces Niçois ont encore du chemin à faire pour trouver leur identité.

Après des années à écouter la magistrale électro rêveuse de M83 dans mon iPod (et puisque j'avais déjà vu la légende Paul McCartney à Bercy en 2009), je me suis décidée à découvrir l'artiste sur scène. L'angoisse. Savoir qu'une fois l'heure et demie de concert passée, je serai en manque. Et ça s'est déroulé exactement comme je l'avais prévu : de l'intensité, un peu de génie, beaucoup de modestie, des souvenirs merveilleux et l'envie d'aller à La Cigale le 15 mars 2012.
Malgré les problèmes techniques, Anthony Gonzalez et ses musiciens étaient heureux d'être à Paris et ont partagé leur bonheur avec un public conquis. La chanteuse américaine Morgan Kibby a charmé la salle de sa voix époustouflante, le jeune bassiste a impressionné de son aisance, et le batteur, discret, a honoré les compositions incroyablement pures et profondes d'Anthony.
Du parfait dernier double album, Hurry up, We're Dreaming, ils ont joué Intro, les entraînantes Reunion et Claudia Lewis, les survoltées Year One, One UFO et This Bright Flash, l'indescriptible Steve McQueen et la vaporeuse Wait. De son précédent album, Saturday = Youth (2008), on a eu droit à la jolie Kim & Jessie et à une version ambitieuse et transcendante de We Own the Sky. Enfin, de Before The Dawn Heals Us (2005), ce sont l'enchanteresse Teen Angst et la post-rock A Guitar and a Heart qui ont fini de ravir les mélomanes.
Quant au rappel... Difficile de faire plus stupéfiant. Skin of the Night et Couleurs de Saturday = Youth ont provoqué ce sentiment d'invulnérabilité et de bien-être qu'ont aurait voulu éternel. Pourquoi le concert ne s'est-il pas prolongé sur la nuit entière ? Après avoir sérieusement abîmé une enceinte et la grosse caisse avec sa guitare, Anthony est parti rejoindre la réalité.

Au milieu de tout ça, il y a eu Midnight City. Une composition aussi douloureuse qu'apaisante, qui parle au corps et à l'esprit, qui fait tantôt sourire tantôt pleurer, mais qui va à chaque fois chercher les émotions les plus enfouies. J'ai cette impression étrange qu'on aurait arraché un morceau caché de moi pour créer cette merveille de sensations, et que je ne pourrai jamais m'en lasser car c'est un peu de mon existence qui se joue entre les notes de musique.

Anthony Gonzalez aime écrire des musiques de film ; il a écrit la bande originale de ma vie.

Les Adoptés - Mélanie Laurent

2011-12-22T23:59:00.003+01:00

Même les plus fervents détracteurs de Mélanie Laurent ne pourront le nier : elle est une jeune réalisatrice très prometteuse. Son premier film, Les Adoptés, est une jolie réussite. Ses choix cinématographiques sont ceux d'une femme mature, inspirée et appliquée, qui sait à quel moment écouter la petite fille en elle.

Généreuse, Mélanie Laurent offre beaucoup d'émotions, de manière très saine. Le montage est audacieux, l'ambiance lumineuse et grave, les cadrages décalés, l'histoire intime, les acteurs très bons, la partition de Jonathan Morali (Syd Matters) idéale, et l'issue agréablement surprenante de la part de la comédienne/chanteuse, maintenant réalisatrice à la main élégante.
Comme Mélanie Laurent ne fait rien comme tout le monde, son premier film n'a pas l'air d'en être un et souffre de défauts que l'on pourrait reprocher à un(e) cinéaste averti(e) qui a déjà son propre style. Mais c'est peut-être seulement parce que Mélanie sait ce qu'elle veut, prend le temps de travailler sur chaque détail de son projet, et qu'elle sait s'entourer.
Et puis, elle prend des risques, notamment celui de se mettre en scène. Réussir à sublimer Marie Denarnaud, à montrer la sensibilité de Denis Mélochet, à donner à Clémentine Célarié l'opportunité d'exprimer son talent, et à trouver la bouille de Théodore Maquet-Foucher dans la masse des enfants-acteurs, c'est déjà bien ; faire parfaitement son travail d'actrice alors que l'on joue dans son propre film (un premier long métrage, qui plus est), c'est admirable.

Avec Les Adoptés, Mélanie Laurent confirme qu'elle appartient au monde du cinéma, et pas à celui de la musique.

Mélanie Laurent :

Beginners

La Rafle

Denis Mélochet :
La Rafle

Audrey Lamy :

Polisse

50/50 - Jonathan Levine

2011-12-21T23:59:00.002+01:00

On ne gardera pas beaucoup de souvenirs de 50/50 de Jonathan Levine. Ce qui devait être un film optimiste et décalé sur le cancer et la façon de vivre son évolution se révèle prévisible et plutôt mou. Le réalisateur s'est inspiré de sa propre histoire, mais n'a étrangement pas réussi à donner à son long métrage la vie qu'il méritait.

Tout au long du film, on sent que l'on passe à côté de quelque chose qui aurait pu être bien. Il y a quelques belles scènes, dont celle du coup de téléphone passé dans la voiture, mais 50/50 est assez creux, à cause notamment d'un scénario linéaire, d'une mise en scène assez pauvre et de clichés tenaces (la mère hystérique, la petite amie infidèle et l'ami lourdaud).

Devant 50/50, on sourit, mais on ne rit pas ; on assiste à une situation grave, mais on ne ressent pas grand-chose. Ce n'est pas la première fois cette année qu'un réalisateur passe à côté de la force de son film en diluant ce qui pourrait émouvoir. On avait en effet déjà eu droit à Restless de Gus Van Sant. À croire que ressentir la souffrance est fondamentalement mauvais et que ce n'est pas ça la vie. Foutaise !

Bilan en demi-teinte, donc. L'absence de conviction dans 50/50 est telle qu'à la place du "poignant, hilarant et sincère" de l'affiche, on aurait davantage vu "faible, facile et poli", mais ce n'était pas vendeur...

Une comédie indé qui ne doit son nom qu'à la présence de Joseph Gordon-Levitt.

Joseph Gordon-Levitt :

Inception

Anna Kendrick :

Scott Pilgrim

In the Air

Bryce Dallas Howard :

La Couleur des sentiments

Restless (productrice)

Au-delà

Battles @ La Machine du Moulin Rouge

2011-12-20T23:59:00.001+01:00

Longtemps, je n'ai plus mis les pieds dans une salle de concert, hormis Pleyel. À La Machine du Moulin Rouge le 15 novembre 2011, le trio new-yorkais Battles était programmé. Mais ce à quoi on ne pense plus quand on fréquente des endroits pour les vieux qui veulent être au lit à 22 h 30, c'est que, dans les lieux branchés, le concert commence à cette heure-là ; deux heures après l'ouverture des portes.

Battles, composé du guitariste et claviériste Ian Williams, du bassiste Dave Konopka et de l’incroyable batteur John Stanier, a un avantage de taille, qui fait oublier l'heure relativement tardive : son inventivité. Les morceaux recherchés et peu accessibles rassemblent un public de connaisseurs, avide de sensations musicales complexes. Par conséquent, aucun élément perturbateur (groupies ou hipsters) n'est venu gâcher la performance du groupe. Bien sûr, il y a ceux qui ont connu Battles avec le nouvel album, Gloss Drop, et/ou par l'excellent clip de My Machines. Ceux-là ont dû être ravis par la setlist. Mais il y a aussi ceux qui ont connu le groupe quand Tyondai Braxton était encore là. Force est de constater que le musicien apportait quelque chose de plus au travail de composition. Ce n'est pas un hasard si le moment le plus intense de la soirée a été l'interprétation de Atlas, issu du premier véritable album de Battles, Mirrored.
En live, Battles, c'est encore plus bordélique que la version studio. Et si on ne connaît pas le groupe, on peut aisément décrocher, ou même ne jamais entrer dans ce délire expérimental. D'autant qu'au début, le son était trop fort, et les basses trop présentes masquaient les subtilités des phrases musicales. Le bûcheron cogneur aux baguettes souvent tenues à l'envers qui s'excite derrière les fûts, le charleston et la haute cymbale, c'est John Stanier, un grand malade qui allie technique et groove, qui fait s'exprimer son instrument comme personne et qui sublime la puissance des morceaux du groupe. Heureusement qu'il est là, car c'est lui qui donne un sens à l'ensemble. Les deux autres musiciens sont talentueux, mais c'est Stanier qui attire tous les regards et fait bouger les corps.
Les membres de Battles ont trouvé un autre moyen de faire parler les notes de musique avec leur math rock ; l'ensemble peut sembler cacophonique, mais il se cache derrière cet apparent désordre une véritable logique. Quant à leur attitude sur scène, c'est l'inverse : elle est très simple. Même s'ils ne sont pas à l'aise dans l'échange verbal, ils mettent du cœur à l'ouvrage et sont heureux d'être à Paris. Après une heure de concert et une révérence de Konopka, le groupe ne s'est pas fait désirer pour le rappel uniquement constitué de Sundome, en version épique de vingt minutes ! En conclusion, mis à part l'inutilité des vidéos (souvent mal synchronisées) qui passaient pendant certaines chansons, le son un peu fort et quelques moments d'impatience à attendre l'intervention de John, on a passé une bonne soirée en compagnie de Battles.

Une performance cependant pas inoubliable.

Intouchables - Éric Toledano & Olivier Nakache

2011-12-19T23:59:00.003+01:00

Peut-on toucher à Intouchables, la dernière réalisation d'Éric Toledano et Olivier Nakache ? Peut-on faire état de ses défauts sans se faire lyncher sur la place publique ? On l'espère, parce qu'on peut aimer Intouchables et constater que ce n'est presque pas un film, mais une suite de sketches hilarants interprétés par un duo d'acteurs irremplaçable.

Le détail qui fâche : "Ceci est tiré d'une histoire vraie." Un film est-il moins touchant s'il n'est pas inspiré d'un fait réel ? Cette mention supposée rendre Intouchables plus émouvant qu'il ne l'est résonne comme une début de lavage de cerveau. On met le spectateur en condition alors que le film devrait le faire de lui-même.
Il l'aurait très bien fait d'ailleurs. La scène d'ouverture, cette course poursuite tendue puis drôle, était un choix judicieux d'entrée en matière. L'une des meilleures idées de ce qui est devenu un phénomène de société.
Enfin, si l'on se réjouit d'entendre du classique et des répliques déjà cultes, il ne faut pas oublier pourquoi Intouchables est empreint de tant d'impertinence et de justesse : Omar Sy et François Cluzet sont complémentaires. Et c'est pour ça que l'ensemble fonctionne, que ça comble les manques. Ils sont les bras qui donnent le chocolat aux millions de spectateurs.

"Pas d'bras, pas d'chocolat !"

François Cluzet :
Les Petits Mouchoirs

Anne Le Ny :
Les Invités de mon père

Audrey Fleurot :
Minuit à Paris
Les Femmes du sixième étage

Les Marches du pouvoir - George Clooney

2011-12-18T23:59:00.000+01:00

Pour son quatrième film, George Clooney se penche sur les coulisses de primaires américaines et dénonce les manigances du système politique. Manipulation, compromission, trahison, sexe... tout y est, mais rien ne déborde. Les Marches du pouvoir se révèle presque lisse, simple constat sur le pouvoir et la nature humaine qui ne surprend plus que les grands naïfs.

Ce long métrage est à l'image de son réalisateur, élégant ; et ça ne suffit pas. On passe un bon moment dans le noir (en compagnie de Ryan Gosling, surtout), mais rien ne reste. De l'histoire à la morale en passant par l'interprétation et la réalisation, tout est convenu.
Trop carré, le film ne fascine pas. Il est court et efficace, sans rien proposer d'original. Les seconds rôles font leur travail, mais pas plus ; Clooney s'est donné le rôle le plus intéressant et l'incarne très bien, mais ne lui a laissé que peu de place. Il a cependant eu la bonne idée de confier la musique à Alexandre Desplat.
Néanmoins, sans surprise, c'est Ryan Gosling qui attire l'attention. Au-delà de sa performance d'acteur, c'est un régal de le voir s'imposer à l'écran à quatre-vingt-quinze pour cent du temps. Et ce plaisir-là, on ne s'en lasse pas.

Dans l'ensemble, Les Marches du pouvoir manque de saveur.

Ryan Gosling :

Crazy, Stupid, Love
Drive
Blue Valentine

George Clooney :
Les Chèvres du Pentagone
Fantastic Mr. Fox
In the Air

Marisa Tomei :
Crazy, Stupid, Love

Max Minghella :
The Social Network
Agora

Alexandre Desplat :
The Tree of Life
Le Discours d'un roi
Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 2)
Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 1)
The Ghost Writer
Fantastic Mr. Fox
L'Étrange Histoire de Benjamin Button

Inni - Sigur Rós @ La Géode

2011-12-17T23:59:00.001+01:00

Un chef-d'œuvre pour fêter la deuxième année de Curse of the Ninth Symphony.

Le 28 novembre 2009, lors de la soirée "Le cinéma de Sigur Rós" à Paris, une première version de Svefn-g-englar provenant de ce qui serait Inni a été diffusée. Il a fallu attendre le 12 novembre 2011 pour assister, à La Géode, à la projection intégrale de ce film musical sublime comprenant des versions magnifiques de Ný batterí, Svefn-g-englar, Fljótavík, Inní mér syngur vitleysingur, Sæglópur, Festival, E-bow, Popplagið et Lúppulagið, entrecoupées d'images d'archive faisant prendre conscience de l'évolution de Sigur Rós.

Inni regroupe les deux concerts de Sigur Rós à l'Alexandra Palace de Londres en 2008. Pour rendre visible l'intensité de la musique du groupe, Vincent Morisset, le réalisateur, a filmé sur pellicule 16 mm les enregistrements vidéo numériques originaux, et les a filmés à nouveau à travers des prismes ou autres objets trouvés. Ainsi, contrairement à Heima ("maison" en islandais), le premier film sur Sigur Rós qui dévoilait leur incroyable tournée en Islande, chez eux donc, Inni ("à l'intérieur" en islandais) montre l'intimité violente d'un live puissant. Le spectateur peut ainsi profiter des subtilités qui font de la musique de Sigur Rós l'expérience sensorielle ultime.
La musique de Sigur Ros fait frissonner la moindre parcelle de peau ; elle fait le lien entre le cœur et le corps ; elle rythme la respiration ; elle fait vivre. S'il on faisait un classement des meilleurs groupes de l'histoire de la musique, Sigur Rós devrait non pas être premier mais hors catégorie, parce que ses quatre membres font plus que de la musique. Ils parlent aux petites filles et aux petits garçons cachés à l'intérieur de chacun, ceux que l'on croit mort mais qui sont seulement meurtris ; ils les font se manifester pour les apaiser, dans les larmes souvent.
Sigur Rós, sans le savoir, offre à l'humanité un aperçu de la perfection. Et c'est saisissant parce que ça détruit quelque chose en même temps que ça en fait naître une autre au plus profond de l'âme. Pour les plus sensibles, attention aux ravages que peut faire l'enchaînement Fljótavík/Inní mér syngur vitleysingur/Sæglópur/Festival dans Inni. Et pour ceux qui pensent que l'énergie, la sincérité, la pureté, la grâce et la magie s'estompent, on est allé, pour leur prouver que non, à la deuxième projection du film à La Géode le 24 novembre et à celle que proposait le centre culturel Commune Image le 20 novembre, lors de la Journée Air d'Islande.

Divin.

Jónsi @ Bataclan

Les Aventures de Tintin : Le Secret de la licorne - Steven Spielberg

2011-11-30T18:39:00.001+01:00

L'odeur de nachos, les enfants qui s'ennuient, les conversations téléphoniques et les réactions exagérées n'ont pas dû aider, mais Les Aventures de Tintin : Le Secret de la licorne de Steven Spielberg n'a pas été une bonne surprise. C'est un film froid, sans nostalgie, et la 3D, inutile, fait très mal aux yeux.

Première chose, la performance capture était le plus mauvais choix à faire pour adapter Tintin. D'un point de vue technique, la démonstration est réussie, mais on repassera pour l'authenticité. La surenchère n'est pas que visuelle, elle est également scénaristique ; ce qui est probablement dû au mélange de trois volumes des aventures de Tintin : Le Secret de la Licorne, Le Trésor de Rackham le rouge et Le Crabe aux pinces d'or.
Pendant deux heures, les scènes d'action s'enchaînent à un rythme effréné jusqu'à susciter l'ennui. Spielberg a oublié que Tintin n'était pas Indiana Jones, et il aurait pu s'éviter le ridicule en supprimant la séquence de la bataille entre grues de chantier...
Pour terminer sur une note positive, seul le capitaine Haddock est plutôt fidèle à son personnage (merci Andy Serkis), la scène de la bataille navale est impressionnante et la partition de John Williams correcte.

Ça donne envie de se replonger dans les bandes dessinées ou même dans la série télévisée pour oublier.

Steven Spielberg, producteur exécutif :

True Grit

Au-delà

Lovely Bones

La Couleur des sentiments - Tate Taylor

2011-11-29T17:59:00.001+01:00

Est-ce qu'un film semble meilleur ou moins bon selon les conditions dans lesquelles on le voit ? Très probablement. Être allongé dans un fauteuil inclinable, sous une couverture, une crêpe au Nutella prédécoupée et une orange pressée à disposition, pour une projection presque privée dans un pays étranger, ça aide à apprécier le prévisible The Help de Tate Taylor.

En France, le film adapté du best-seller de Kathryn Stockett s'appelle La Couleur des sentiments. Un choix plutôt justifié puisque ce long métrage dégouline de bons sentiments et, même si le mot "couleur" fait référence à celle de la peau des personnages, on pense aussi à la photographie très colorée.
D'autant que la ségrégation et les droits civiques ne sont qu'un prétexte pour mettre en avant le combat des femmes, et plus particulièrement celui d'une Blanche pour les Noires... Progressivement, le film au potentiel dramatique évident se transforme en comédie de la bonne conscience.
Ce qui sauve The Help, c'est le très bon casting. Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain, Viola Davis et Octavia Spencer sont toutes douées (mention spéciale à Bryce Dallas Howard). Malheureusement, elles ne font pas oublier les clichés et la mise en scène très pauvre.

Quand on a goûté au cinéma dans une platinum movie suite, difficile de garder son calme dans une salle traditionnelle remplie de mal élevés.

Emma Stone :

Crazy, Stupid, Love

Jessica Chastain :

The Tree of Life

Bryce Dallas Howard :

Restless (productrice)

Au-delà

Chris Lowell :

In the Air

L'intégrale des symphonies de Beethoven @ Salle Pleyel

2011-11-27T19:39:00.002+01:00

Fin octobre 2011, le Gewandhausorchester Leipzig, dirigé par le grand Riccardo Chailly, proposait l'intégrale des symphonies de Beethoven à la Salle Pleyel. Un rêve. La beauté de ces partitions méritant un respect et un silence absolus, on aurait apprécié l'absence des tousseurs et gigoteurs. Une plaie. Hormis ces parasites, l'expérience a été des plus incroyables. En plus des neuf symphonies, cinq créations contemporaines commandées pour l'occasion ont été interprétées ; toutes véhiculaient une ambiance cinématographique plus ou moins tendue, intrigante, angoissante. Mais à côté des compositions du maître allemand, elles étaient plutôt faibles. Une évidence.

Samedi 22 octobre

Deuxième
Introduction lente, thèmes légers et finale puissant... C'est les larmes aux yeux qu'on se demande comment un membre de l'espèce humaine a pu créé un jour quelque chose d'aussi beau en langage musical. Ludwig van Beethoven est un génie qui raconte des histoires avec des notes de musique et guérit les oreilles malades des bruits du quotidien.

Cinquième
Le motif initial de trois brèves suivies d'une longue est célébrissime. Et c'est un bonheur de ressentir ses quatre notes vibrer à l'intérieur du corps. La suite moins connue de cette symphonie intense a malheureusement été jouée de façon légèrement poussive. Était-ce une conséquence de la pression du premier soir ? Les applaudissements se sont malgré tout fait entendre pendant plus de cinq minutes, et les bravos ont fusé.

Dimanche 23 octobre

Première
Quand le premier mouvement fait naître des sensations nouvelles, le deuxième, d'une douceur ravissante, apaise les sens avant que le troisième, court et rapide, confirme ces sensations inédites. Le quatrième mouvement scelle brillamment la symphonie : ses dernières mesures fantastiques appellent des applaudissements immédiats.

Septième
Ambitieux, le premier mouvement de cette symphonie est la preuve que l'on peut mêler grandeur et subtilité. Ensuite, le solennel et mythique deuxième mouvement provoque inévitablement des frissons. Après cette marche lente, les troisième et quatrième mouvements s'unissent dans un rythme entraînant, qui fait bondir de son fauteuil à la dernière note pour remercier chaleureusement l'orchestre et son chef d'avoir offert un si bel après-midi musical.

Samedi 29 octobre

Huitième
D'abord, les notes figurent des papillons virevoltant sur une mélodie joyeuse. Les cordes se font par la suite délicates, d'une grâce légère, laissant progressivement les vents se démarquer. C'est dans le quatrième mouvement que les instruments se marient harmonieusement, percussions comprises. Les applaudissements qui suivent sont sincères mais plutôt brefs.

Troisième
Cette symphonie ne s'appelle pas Eroica pour rien. L'épique premier mouvement foisonne d'idées et multiplie les thèmes. La marche funèbre, noire et grandiose, est rondement menée par les contrebasses. La vitalité revient avec le troisième mouvement, dans lequel les instruments s'appellent et se répondent, jusqu'au finale fougueux, parsemé d'effets de surprise.

Dimanche 30 octobre

Quatrième
Cette pièce contient un premier mouvement fascinant, sombre et ravissant. Et le reste, dynamique et enjoué, est un enchantement pour les oreilles. Alors, pourquoi le public a-t-il si peu applaudi ? Cette symphonie de Beethoven serait-elle sous-estimée parce qu'elle est la seule à avoir fait l'objet d'une commande ? C'est pourtant un régal auditif.

Sixième
La Pastorale est malheureusement trop connue. Le public n'a pas été attentif à la beauté de la Quatrième symphonie parce qu'il attendait la Sixième. Plutôt léger dans l'ensemble (Beethoven ayant écarté le dramatique pour créer un univers bucolique, agréable et sans mystère), cet ouvrage est cependant radieux. Et l'interprétation du Gewandhausorchester Leipzig a été à la hauteur des espérances.

Lundi 31 octobre

Neuvième
Accompagnés du Chœur de Radio France, Riccardo Chailly et son orchestre ont fini la série des symphonies de Beethoven en apothéose. La Symphonie n°9 en ré mineur op. 125 dite Hymne à la joie est un chef-d'œuvre, une merveille purement magique. L’inclusion de voix dans une œuvre symphonique représente un pas sans précédent dans la musique classique, mais surtout, cette Ode à la joie de Schiller mise en musique suscite une immense émotion. Beethoven a synthétisé le travail d'une vie ; impossible de ne pas pleurer devant tant de perfection.

Inoubliable.

Gewandhausorchester Leipzig, dirigé par Riccardo Chailly :
7e symphonie de Antonín Dvořák @ Salle Pleyel

Salle Pleyel :
9e symphonie de Antonín Dvořák @ Salle Pleyel

Polisse - Maïwenn

2011-11-22T18:29:00.000+01:00

Parfois, on n'aime pas l'attitude d'une personne, mais on se sent obligé d'admettre qu'elle a accompli une très belle chose. Maïwenn a réalisé Polisse, un long métrage aussi bon que ses autres films étaient mauvais. Polisse a été récompensé par le Prix du jury au Festival de Cannes 2011, à juste titre, même si les critiques n'ont pas été unanimes.

Polisse décrit le quotidien des policiers de la BPM (la brigade de protection des mineurs). Maïwenn a pris le temps de développer l'histoire de ceux qui doivent chaque jour interroger des pédophiles, des parents maltraitants, des enfants et des adolescents perdus dans la société d'aujourd'hui, etc. Une multitude d'histoires se mêlent dans un montage habile, ponctué de scènes et de répliques cultes malgré des sujets difficiles.
La plus grosse erreur de la réalisatrice, c'est de s'être donné un rôle. D'abord parce qu'il n'est pas indispensable, ensuite parce qu'une autre actrice l'aurait mieux interprété. Cela dit, elle se rattrape avec le reste du casting (c'est toujours un plaisir de voir Nicolas Duvauchelle), notamment en choisissant Joey Starr, incroyable, et Marina Foïs, magnifique.
L'ensemble est nerveux, furieux, révoltant, mais aussi bouleversant, attendrissant et authentique ; juste en même temps qu'injuste. Polisse n'est jamais glauque ni tire-larmes (même si on en verse, de tristesse et de joie), c'est un film réaliste. On souffre d'assister à tant de violences humaines, mais c'est une souffrance utile.

"T'façon les mecs c'est tous des sales races."

Karin Viard :

Les Invités de mon père

Frédéric Pierrot :

Elle s'appelait Sarah

The Artist - Michel Hazanavicius

2011-11-15T19:59:00.001+01:00

On l'a tellement attendu, on en a tellement entendu parlé, que la surprise de découvrir un film muet en noir et blanc et en 1.33, réalisé par un Français, n'est pas venue. The Artist de Michel Hazanavicius est un long métrage indispensable, qui rappelle d'où vient le Cinéma, art de l'image. L'esthétique est travaillée, les mises en abyme sont très intéressantes (par exemple, la première phrase du film est "Je ne parlerai pas") et l'héritage du cinéma des années 1920 a bien été transmis.

Si les références au 7e art sont nombreuses (Citizen Kane, Singin’ in the Rain, Seventh Heaven, A Star is Born, etc.), le film possède sa propre identité, grâce notamment à l'interprétation de son acteur principal, Jean Dujardin, lequel mérite son prix d'interprétation au Festival de Cannes 2011. On l'a connu hilarant, on l'a découvert capable de tenir des rôles tragiques ; dans The Artist, il excelle en tant qu'acteur muet, expressif sans trop en faire.
On ne peut en dire autant de Bérénice Béjo, moyenne lors de ses premières apparitions, mais qui trouve peu à peu sa place aux côtés de John Goodman, James Cromwell ou encore Malcolm McDowell, et se révèle pétillante. Autre acteur à part entière, qui a le droit d'être mentionné dans une critique tant son rôle est essentiel et attachant : Uggy, le petit chien malicieux parfaitement dressé, qui feint la mort, fait du skateboard et sauve son maître, entre autre.
Dans cette histoire d'amour sur fond de bouleversement cinématographique à Hollywood (passage du muet au parlant), le scénario étant assez simple malgré les rebondissements, on s'attarde sur la photographie, les jeux de lumières, sur la beauté de certaines séquences (la première scène de tournage, le numéro de claquettes...) et, comme un film muet n'est pas un film silencieux, sur la musique. N'est pas compositeur de musique de film qui veut, mais force est de reconnaître que Ludovic Bource livre une partition idéale et participe au succès de ce long métrage mêlant noirceur et enthousiasme.

Les dernières secondes viennent très légèrement gâcher l'ensemble brillant. Michel Hazanavicius et Anne-Sophie Bion (la monteuse) auraient dû écouter le personnage du réalisateur criant "Cut !".

Jean Dujardin :
Les Petits Mouchoirs

La Piel que habito - Pedro Almodóvar

2011-10-31T23:59:00.001+01:00

Pedro Almodóvar retravaille le mythe de Frankenstein dans La Piel que habito, libre adaptation de Mygale, un roman de Thierry Jonquet. Le réalisateur espagnol a certes retrouvé le talent de ses débuts, bien choisi ses acteurs (Elena Anaya, Antonio Banderas, Marisa Paredes) et la musique (le morceau Shades of Marble du Danois Trentemøller, entre autre), mais l'excentricité maîtrisée n'a pas le même charme que la spontanéité. Almodóvar en fait-il trop ?

Premièrement, les obsessions du réalisateur commencent à lasser. La transgression, l'identité sexuelle, la passion criminelle, les femmes... Finalement, on a l'impression qu'il est coincé dans ses problématiques et qu'il n'en sortira jamais. Il s'enferme lui-même derrière l'écran et, par une mise en scène intime et aseptisée, empêche le spectateur de se plonger totalement dans l'histoire.
Deuxièmement, ce thriller glacial qui a l'élégance de ne pas tomber dans un ton plaintif et larmoyant contient beaucoup de scènes trop longues. Chacune y a sa place, mais le rythme est parfois inutilement lourd ; un montage affûté aurait été bénéfique à la tension du film. Ce corps cinématographique a une très belle peau, il lui manque un peu de nerfs.
Troisièmement, impossible de ne pas faire une overdose de scènes de sexe malsain. À croire qu'il faut mettre mal à l'aise pour impressionner. De manière générale, la provocation n'est pas chose mauvaise, mais jouer dangereusement avec les limites en enrobant le tout d'une photographie parfaite pour qu'on parle de film d'horreur et de vengeance chic et classieux, c'est dommage.

La Piel que habito n'est pas un chef-d'œuvre, mais ce n'est pas une raison pour déranger ses voisins pendant la projection.

Antonio Banderas :

Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu

Trentemøller :
@ Bataclan - 2010

Warrior - Gavin O'Connor

2011-10-29T23:59:00.002+02:00

On avait peur de voir Fighter en moins bon, de faire naturellement la comparaison entre ces deux films de frères et de combats. On a eu tort. Warrior de Gavin O'Connor est un long métrage académique mais puissant, viril et sensible. Et c'est de loin qu'il ressemble au dernier travail de David O. Russell. Néanmoins ce "drame familial sur fond sportif" a ses faiblesses.

Au-delà des aspects cinématographiques les plus techniques, au-delà du scénario convenu, du montage précis, des mouvements de caméra les plus vifs, Warrior repose sur l'interprétation de deux acteurs complémentaires : Tom Hardy et Joel Edgerton. Alors que le premier, brut et mystérieux, fascine dès sa première apparition, le second construit petit à petit son personnage de professeur de physique devant remonter sur le ring pour subvenir aux besoins de sa famille.
Ces frères au passé difficile sont filmés comme des héros. Des héros qui combattent pour l'argent, certes, mais qui luttent aussi avec eux-mêmes et leur drame familial commun, souligné par la présence d'un père alcoolique cherchant la rédemption (Nick Nolte). C'est le mixed martial arts, sport de combat autorisant tous les coups, qui les réunit à nouveau.
On frissonne à chaque coup, on a le goût de la sueur et du sang dans la bouche. Et si on a l'impression d'avoir déjà vu le film avant même qu'il ne se termine, on prend un plaisir assumé à ressentir ce qui se dégage de la réalisation de Warrior et de ses scènes de combat viscérales. L'émotion qui culmine dans l'affrontement final rattrape d'ailleurs le mauvais choix de conclusion scénaristique.

Un long métrage de caractère.

Tom Hardy :

Inception

We Need to Talk about Kevin - Lynne Ramsay

2011-10-17T23:59:00.001+02:00

We Need to Talk about Kevin de Lynne Ramsay est un drame familial dont personne ne sort indemne, pas même le spectateur, malmené. En compétition au Festival de Cannes 2011, ce long métrage n'a pas reçu de récompense ; on ne lui en donnera pas non plus, malgré les très bonnes interprétations de Tilda Swinton et Ezra Miller, une photographie aussi claire et colorée que l'ambiance est malsaine, et un ensemble oppressant réussi.

Après la tuerie menée par Kevin dans son lycée, Eva, rongée par la culpabilité, cherche dans ses souvenirs d'où aurait pu venir sa responsabilité. Le travail de Lynne Ramsay sur le complexe d'Œdipe est évident : Kevin ne sait pas, depuis sa naissance, comment exprimer son amour pour sa mère. D'incompréhensions en silences lourds, la relation entre cette mère désemparée et son fils maléfique devient vite insupportable.
Le film est trop centré sur une période de l'enfance et regorge de flashbacks incessants, ce qui crée un problème de rythme. D'autant que le propos de la réalisatrice et scénariste est clair, mais elle insiste et s'attarde, jusqu'à perdre en crédibilité. Peut-on vraiment déceler la violence si tôt ? Les racines du mal sont-elles visibles dès les premières années de vie d'un être humain ?
Enfin, comment une mère peut-elle être aussi patiente avec un tel monstre sans chercher de l'aide extérieure (ou si peu) ? Cela participe peut-être du souhait de Lynne Ramsay de maltraiter psychologiquement le public... Elle en rajoute même en liant directement l'un des seuls moments de bonheur partagé entre mère et fils à l'acte irréparable de celui-ci.

Éprouvant, étouffant et dérangeant, We Need to Talk about Kevin ne laissera personne indifférent.

Tilda Swinton :
L'Étrange Histoire de Benjamin Button

Restless - Gus Van Sant

2011-10-11T23:59:00.004+02:00

L'on aura beau parler de l'identité visuelle de Restless, des thèmes de prédilection de son réalisateur (la jeunesse et la mort), et de la luminosité avec laquelle est traité un sujet sombre et difficile, Gus Van Sant est quelque peu absent de son travail. Il y a certes les ingrédients, mais le résultat est à la limite d'être fade.

On trouve dans Restless de jolies scènes pleines de poésie et de bonnes idées (silhouettes dessinées à la craie sur le bitume ; Hiroshi, le fantôme japonais). On y entend Two of us des Beatles en ouverture puis du Sufjan Stevens ; et l'on y découvre Henry Hooper (fils de Denis ; le film est d'ailleurs dédié à ce dernier), qui promet d'avoir une belle carrière.
Mais, à l'image de l'actrice principale, le film manque de caractère. Mia Wasikowska n'a pas le talent pour porter le rôle d'une adolescente en phase terminale de cancer, et le couple qu'elle forme avec Henry Hooper ne fonctionne pas tant il est doucereux. L'erreur monumentale représentative de cet échec est d'avoir choisi Sympatique de Pink Martini pour une longue séquence sans dialogue. Du gâchis d'images.
Par ailleurs, la relation que ces deux jeunes entretiennent avec la mort n'est que partiellement abordée. La cause ? C'est un long métrage sur la vie. Mais la légèreté de ton, l'esthétique générale et l'économie de personnages secondaires (pourtant intéressants) éloignent de l'émotion. Gus Van Sant contourne. Et à trop vouloir échapper au larmoyant, il ne se dégage aucune tension de Restless. L'on en vient même à être mal à l'aise d'admettre que l'on reste plutôt indifférent.

Une déception.

Mia Wasikowska :

Alice au pays des merveilles

Crazy, Stupid, Love - John Requa & Glenn Ficarra

2011-10-05T23:59:00.002+02:00

Ryan Gosling est aussi à l'écran dans Crazy, Stupid, Love de John Requa et Glenn Ficarra, une comédie romantique dont certains devraient s'inspirer. Parce que dans ce film, les clichés sont manipulés pour être dépassés ; les deux réalisateurs ont respecté les codes du genre, mais sont souvent parvenus à jouer avec eux. Cela dit, on n'est pas tout à fait dans la veine de Love Actually non plus !

D'abord, Requa et Ficarra disposent d'acteurs aussi polyvalents que singuliers : Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore, Emma Stone, Kevin Bacon... Un cocktail explosif d'amour, de tendresse, de tristesse, de classe et d'humour teinté de romantisme.

Ce qu'ils ont fait de mieux avec ce casting, c'est de développer l'histoire de chaque personnage (jeunes et moins jeunes) et d'enchevêtrer les situations, sur une bande originale agréable (Miike Snow, Goldfrapp, The Middle East, etc.). Néanmoins, si l'on n'entre pas dans le comique d'exagération, l'on risque probablement de trouver le temps long et la conclusion maladroite à cause de nombreux rebondissements.
On peut reprocher à Crazy, Stupid, Love d'avoir un scénario et des idées de fond trop convenus, mais n'est-ce pas aussi, dans une certaine mesure, ce que l'on attend ? Et non, Ryan Gosling n'est pas seulement sexy et irrésistible, il est aussi un excellent acteur au pouvoir comique insoupçonné.

"Are you Steve Jobs ? No. Oh, okay. Well, in that case you have no right to wear New Balance sneakers, ever."

John Requa & Glenn Ficarra :

I Love You Philip Morris

Julianne Moore :

A Single Man

Ryan Gosling :
Drive
Blue Valentine

Drive - Nicolas Winding Refn

2011-09-30T23:59:00.005+02:00

Des films comme Drive, il y en a peu. Très peu. Toute la beauté cinématographique est condensée dans ce long métrage signé Nicolas Winding Refn. Celui-ci y intègre émotion, action, violence, romantisme, drame... tout en jouant sur l'ambiance des films urbains des années 1970, mais aussi sur le style série B qui lui permet quelques coupes scénaristiques. C'est là la force du réalisateur : il utilise ses références à bon escient pour adapter sans esbroufe le roman de James Sallis.

Il faudrait la longueur d'une thèse pour rendre hommage à Drive, car Nicolas Winding Refn réussit à digérer le meilleur du cinéma américain et le meilleur du cinéma européen pour en faire une merveille du septième art. Une leçon. La séquence déjà culte ? Celle de l'ascenseur, d'une intensité tétanisante.

Cette poésie mélancolique divine est principalement incarnée par Ryan Gosling. Parfait étant un faible mot (ayant perdu de sa superbe à force d'être trop et mal usité), on opte, afin de le définir au mieux, pour prodigieux, magistral, fascinant, phénoménal et charismatique. Son personnage, dépourvu de prénom (et de passé), agit selon ses propres règles et ne parle que lorsque c'est utile. Nicolas Winding Refn peut ainsi travailler les silences et mettre l'accent sur les regards qui en disent plus que les mots, et également sur le son et une bande originale idéale parce qu'elle fait corps avec le film : Kavinsky, College feat. Electric Youth, Chromatics, Desire, etc., sans surenchère ni faute de goût.

Il n'y a d'ailleurs aucune erreur nulle part dans Drive. Le moindre détail est pensé. De la typographie rose manuscrite du titre à la musique eighties en passant par la finesse d'interprétation, la photographie séduisante (Newton Thomas Sigel) et la nervosité du rythme faussement calme. Et quand vient le générique de fin, on demeure immobile au fond de son siège, souhaitant ne jamais sortir de cet univers et pensant que rien n'est venu gâché ce moment.

Un pur chef-d'œuvre.

Ryan Gosling :
Blue Valentine

Carey Mulligan :
Never Let Me Go
Brothers

Mon Rock en Seine 2011

2011-09-28T23:59:00.004+02:00

On reprend Rock en Seine là où on l'a laissé en 2010 : il pleut et il fait froid. Cette année, le site s'est agrandi : une nouvelle scène (Pression Live) accueille des groupes, et pas des moindres ; il faut donc bien programmer ses journées, et courir un peu pour certains, afin de perdre le moins de bonne musique possible. Néanmoins, la programmation n'étant pas des meilleures (personne n'a dit mauvaise), le festival devrait se vivre, dans l'ensemble, plutôt tranquillement.

Vendredi 26 août

Edward Sharpe and the Magnetic Zeros
C'est Edward Sharpe and the Magnetic Zeros qui ouvre le festival. Dix artistes illuminés se sont installés sur la nouvelle scène ; ils livrent généreusement quelques chansons festives, tout en complicité. Le groupe compte deux batteurs, mais pas un de trop. Rien n'est de trop, d'ailleurs, dans le travail de ces musiciens. Détendu, blagueur, un peu fou, le chanteur décide de s'asseoir au bord de la scène le temps d'une ballade, avant de communier joyeusement avec le public et ses amis sur une longue version de Home. Les festivaliers sont enchantés.

Beatmark
Mis à part le fait qu'à la batterie se tient une demoiselle, le groupe n'a rien d'exceptionnel. La musique qui résonne autour de la scène de l'Industrie fait même fuir le public. La chanteuse n'a pas de voix, on n'entend pas bien le chanteur et l'ensemble n'a aucune âme. Autant aller voir l'exposition des photographies de Renaud Monfourny, tomber sur un concert de Game Boy, écouter distraitement Herman Dune qui aurait mérité un rayon de soleil ou les énergiques membres de Funeral Party.

The Kills
Malgré un dernier album décrié, Alison Mosshart et Jamie Hince assurent en live. Et même s'ils ne dégagent plus la même passion qu'avant, le son reste sale et profond. En bref, ça sonne. La voix de Hotel est un peu en retrait, mais sa guitare cinglante donne toute sa puissance. Quant à VV, elle est tout simplement envoûtante dès son apparition sur scène. Et le charme opère pendant tout le concert, soutenu par une voix délicieusement rock. VV est fascinante, et rien que pour cela, on irait presque revoir The Kills à l'Olympia.

General Elektriks
À peine le temps de profiter de la belle ambiance que General Elektriks a créé sur la scène de la Cascade que les premières notes des Foo Fighters se font entendre. On reste cependant pour assister au final sur une version déchaînée du très bon Tu m'intrigues et un solo de batterie, mais Rope résonne maintenant au loin, alors on se précipite vers la Grande Scène.

Foo Fighters
Il est toujours difficile de mettre des mots sur une situation surprenante. Évidemment qu'on s'attendait à une performance énorme de la part des Foo Fighters. Évidemment qu'on savait que Dave Grohl allait faire des blagues. Évidemment qu'on espérait qu'il prenne autant son pied au chant et à la guitare cette année qu'en 2009 à la batterie avec Les Petits Pois (Them Crooked Vultures). Mais là... Entre quelques notes de Whole Lotta Love de Led Zeppelin, des délires de gamins (pet avec la bouche, crachat après l'avoir introduit par un noble "ladies and gentlemen"...), rires, hurlements, chuchotements, battle de guitares se terminant par des jets violents d'instruments, présentation approximative de musicien ("What a man what a man on the drum : the drummer !"), descente de bières, etc., les Foo Fighters ont proposé une playlist interminable : Bridge Burning, Rope, The Pretender, My Hero, Learn to Fly, White Limo, Arlandria, Breakout, Cold Day in the Sun, Long Road to Ruin, Stacked Actors, Walk, Monkey Wrench, Let it Die, These Days, Best of You, Times Like These, Young Man Blues (Mose Allison cover), All My Life et Everlong, quelques fois ponctuée de solos impressionnants de batterie et de guitare. Dave Grohl avait prévenu le public de Rock en Seine : le groupe allait jouer autant de "fucking songs" qu'il le pouvait. Les Foo ont largement dépassé le temps qui leur était réservé : ils n'étaient pas "ready to go home", et personne ne s'en est plaint ! On aurait dit un concert de clôture de festival, alors on a fait l'impasse sur Yuksek (comment quitter Dave dans ces conditions ?). Musicalement, on aurait presque envie de ne rien dire, tant la qualité de ces musiciens est époustouflante. Ils passent de la bêtise au professionnalisme avec une aisance rare. Tous. Une seule question demeure : pourquoi n'ont-ils pas enregistré le dernier album, Wasting Light, en live ? Ils ont fait sonner leurs nouvelles compositions de telle sorte que l'on regrette amèrement la production trop propre réalisée en studio. Ce soir du 26 août 2011, c'était rock ; c'était maîtrisé en même temps que crade et puissant. Et ça fait du bien d'entendre un peu (plus de deux heures, quand même) de musique vigoureuse délivrée par un groupe capable de donner un sens et une âme à ces bruits.

Samedi 27 août

The Streets
On a manqué Polock, on s'est posé dans l'herbe, puis il y a eu la pluie et les BB Brunes de très loin. Et on se demande encore si c'est l'humidité et le froid qui donnaient des convulsions... Heureusement, Mike Skinner, accompagné de ses musiciens, a réchauffé la foule de la Grande Scène. Et les minettes présentes pour Interpol, incapables d'apprécier la bonne musique si ce n'est pas leur style, se sont ensuite régalées à dévorer des yeux le torse nu du chanteur. The Streets, qui avait remplacé Amy Winehouse il y a quelques années et qui remplace Q-Tip cette fois-ci, a mis une ambiance incroyable pour son tout dernier concert en France. Mike, avec son accent anglais charmant, son flow entraînant et son énergie intarissable, a rendu hommage a Amy Winehouse, s'est jeté dans la fosse et a fait participer le public qui s'est accroupi pour se relever en même temps et sauter en rythme avant de réalisé un circle pit. Une performance chaleureuse et réjouissante, qui a même fait naître un rayon de soleil à travers les nuages.

Interpol
Paul Banks a la classe, toujours. Vêtu de noir et de Wayfarer, il a envoûté... eh non. Si l'on veut poursuivre et parler musique, on risque de dire du mal d'un groupe pourtant efficace sur album (hormis le dernier, décevant). Seuls les fans hardcore ont pu apprécier la prestation plus que sobre du groupe. Interpol n'est peut-être pas fait pour les festivals, surtout en plein après-midi après la tornade Skinner... On ne passera pas Obstacle 1. Aucun regret à se diriger progressivement vers la scène Pression Live, afin de ne pas entacher le souvenir du concert de 2007 au Zénith de Paris.

Wu Lyf
Le concert de Wu Lyf n'a pas encore commencé et le parterre faisant face à la scène est déjà rempli. On peut néanmoins se faufiler et trouver une petite place dans les premiers rangs, pour vivre pleinement l'expérience live tant attendue, le premier album, Go Tell Fire to the Mountain, étant très prometteur. Après le baptême viennent la communion et la confirmation. La prestation de Wu Lyf a fait voyager l'esprit et transpirer les corps. Certains festivaliers ont été transcendés et ont intensément demandé un rappel. Wu Lyf n'est pas revenu, mais n'a pas déçu. On espère que ça durera !

Arctic Monkeys
Une foule compacte assiste au concert de Arctic Monkeys. Et pour cause : les Anglais (après les Américains d'hier soir) rappellent (eux aussi) à tout le monde ce qu'est le rock. Côté technique, le son et la voix sont clairs, la batterie est mise en avant ; et côté composition, le rock garage brut des premiers albums s'est enrichi de nouvelles influences (merci Josh Homme). La fougue du groupe est toujours là, et le charisme l'a rejoint. Le talentueux leader, Alex Turner (qui a récemment composé la bande originale de Submarine), ose même l'humour en présentant la chanson Ne t'assoie pas j'ai bougé la chaise, et en reprenant cette traduction pendant le morceau. Ou comment charmer les Français(es)... Les Arctic Monkeys se sont permis un rappel, et Alex a eu l'élégance de remémorer à tous que son ami Miles Kane jouait le lendemain. On aurait aimé une surprise les réunissant sur scène, il en a été autrement et personne ne râle.

Étienne de Crécy
Même si la fatigue se fait sentir, on ne peut s'empêcher de faire un arrêt à la scène de la Cascade. Dans son cube, Étienne de Crécy s'est probablement produit longtemps devant les festivaliers les plus tenaces, mais trente-cinq minutes ont suffi pour exhumer un souvenir de 2007 au Château de Versailles : il n'a pas changé et fait toujours partie des très bons du monde de l'électro. On s'éloigne peu à peu du site, mais une nouvelle escale s'impose : depuis le pont de Saint-Cloud, on entend Let's Dance to Joy Division de The Wombats. D'autres souvenirs remontent. Sourire.

Dimanche 28 août

The Vaccines
Le programme de la journée est bien plus chargé que celui d'hier. Et ça commence à 15 heures sur la Grande Scène avec The Vaccines. On avait découvert ces petits Anglais à La Flèche d'or le 17 décembre 2010, et on attendait d'en voir plus (comme Dave Pen d'Archive sur le côté de la scène !). Après ce Rock en Seine, on ne les suivra plus de si près. Leur fraîcheur a vite périmée. Même si la voix du chanteur est revenue (le concert était menacé parce qu'il était malade) et que le guitariste s'est motivé à descendre de scène pour aller saluer son public, le bassiste est toujours aussi lisse et le batteur presque absent. Le groupe n'a qu'un album et ses chansons sont courtes : il a donc joué seulement trente-cinq minutes, mais finalement, c'est mieux comme ça. Car en plus d'un manque total d'émotion, le son était mal réglé, notamment les aigus déchirant les oreilles.

Cat's Eyes
Les problèmes de son continuent de sévir. Sur la scène Pression Live, après les larsen, c'est le volume qui gâche la magie musicale de Cat's Eyes. Les guitares sont bien trop mises en avant et désavantagent cruellement les voix. Une solution vient à l'esprit : s'éloigner le plus possible. Une fois installé derrière, c'est effectivement mieux, mais les basses vrombissent toujours dans la poitrine. Le seul moment de grâce vient avec la douce The Lull, magnifiquement interprétée par Faris Badwan et Rachel Zeffira.

Simple Plan
On revient aux abords de la Grande Scène pour la petite blague de la journée : la présence de Simple Plan. Après les groupes The Offspring en 2009 et Blink-182 en 2010, on avait parié sur Good Charlotte ou Sum 41 pour l'édition 2011. C'est Simple Plan qui a été choisi pour rappeler leur adolescence à certains festivaliers. Même si l'on n'aime pas la musique du groupe et que le mauvais réglage du son pousse à mettre des bouchons d'oreilles, force est de constater que ces Québécois ont envie de communiquer leur joie de vivre et vont jusqu'à reprendre Fuck U de Cee Lo Green, une chanson de Taio Cruz et Raise Your Glass de Pink pour contenter un maximum de personnes. L'ensemble est kitsch, racoleur, commercial, mais c'est drôle (le chanteur porte paradoxalement un tee-shirt de l'édition japonaise du Unknown Pleasures de Joy Division) parce qu'il n'y a aucune mauvaise intention derrière. D'ailleurs, au-delà du plaisir "intense" (les initiés comprendront) d'entendre parler français avec l'accent québécois, on ne peut s'empêcher de reprendre quelques paroles de Welcome to My Life... Honte avouée à moitié pardonnée ?

Cherri bomb
Une honte vite digérée quand on assiste à celle de Cherri Bomb sur la scène Pression Live. Les quatre jeunes filles chantent et jouent faux à quatre-vingt-quinze pour cent du temps. C'est un supplice pour les oreilles. Et en plus, elles ont osé massacrer The Pretender des Foo Fighters. Il faut fuir pour ne pas sombrer dans une dépression musicale.

Miles Kane
L'un des meilleurs concerts du festival arrive à point nommé, mais aurait mérité un espace plus grand que la scène de l'Industrie. Le sauveur s'appelle Miles Kane, il est souriant, détendu, content d'être là, investi, et joue les morceaux de son excellent premier album, Colour of the Trap, avec autant de classe qu'un miniBeatles. Ce qu'on avait écrit de lui après son passage à l'Album de la Semaine le 29 mars 2011 est toujours vrai. Et on a hâte de le revoir et de le réécouter, encore et encore.

The Horrors
Faris Badwan est de retour avec son groupe The Horrors sur la scène Pression Live. Il semble que la prestation avec son side project Cat's Eyes ait servi de test son... Puissantes sans être désagréables, les guitares saturées se mêlent aux nappes atmosphériques échappées des claviers. Un moment planant à passer assis ou allongé dans l'herbe.

Deftones
Doucement, on retourne vers la Grande Scène pour apprécier quelques chansons de Deftones. Le son est bon, il y a une bonne ambiance, et Chino Moreno, tantôt hurlant, tantôt chantant, ravit ses fans. Il faut pourtant repartir en direction de la scène Pression Live...

Trentemøller
Bien que son concert au Bataclan le 18 octobre 2010 ait laissé une impression mitigée, il fallait aller revoir Trentemøller. Mais le même reproche survient : de sa voix trop forte, la chanteuse casse l'ambiance trippante développée par le DJ et ses musiciens. Après une hallucinante version post-rock de Miss You (une tuerie) et l'enchaînement avec Take Me into Your Skin, on préfère rejoindre la Grande scène pour le concert de clôture.

Archive
C'est dans la même configuration qu'au Grand Rex en avril 2011 qu'Archive se présente à Rock en Seine : avec un orchestre symphonique qui donne une dimension particulière au rock progressif/trip-hop du groupe, mais qui ne s'est pas beaucoup fait entendre. Le show est davantage en place et le choix de setlist est presque parfait : Controlling Crowd, Fuck U avec une diffusion du son précise, You Make Me Feel et Sane ; ils ont joué System, Lines, Pills (version très rock) et Bullets un peu plus tard ; et Dangervisit a violemment pris aux tripes avant un final sur une version longue de Again. Le public s'est dispersé tout au long de la performance, mais celle-ci n'en a pas été affectée. Archive a, dans le froid, prouvé encore une fois que c'était un groupe de grands musiciens.

Bilan : l'édition 2011 de Rock en Seine n'a pas été si mauvaise. L'ensemble n'a définitivement pas été inoubliable, mais on demeure curieux de ce que les organisateurs réservent aux festivaliers pour les dix ans du festival l'année prochaine.

I'm Still Here - Casey Affleck

2011-09-25T23:59:00.000+02:00

À force d'entendre et de lire que la stratégie marketing de Casey Affleck et Joaquin Phoenix n'avait pas fonctionné, on en a entendu parler de I'm Still Here. Pourtant, au lieu de se délecter d'un tel échec, les médias auraient dû approfondir leur sujet et se pencher sur le film en lui-même et sur ce qu'il propose comme réflexion.

En 2008, Joaquin Phoenix annonce son retrait du monde cinématographique pour se lancer dans le hip-hop. Alors au sommet de sa gloire, il déclenche son impitoyable chute libre. Le poil long et le ventre rond de bière, Joaquin est méconnaissable. On ne sait pas si l'on doit être dégoûté ou attendri par ce personnage grincheux en pleine déchéance.
Et c'est bien de cela qu'il s'agit : on ne sait pas si l'on assiste à la véritable descente aux enfers de Joaquin Phoenix ou si ce documentaire est fabriqué. Peu importe que la vérité ait éclatée avant la sortie du film, on veut toujours y croire : la puissance des images, c'est qu'on se demande encore si c'est faux. Et dans les deux cas, Casey Affleck (beau-frère de l'acteur et réalisateur du film qui n'a décidément rien à envier à son frère Ben) montre son talent en même temps que celui de Joaquin : soit c'est vrai et c'est extrêmement touchant, soit c'est réfléchi et ça l'est très bien.
Les deux artistes, qui dénoncent au passage le système hollywoodien, jouent sur cette confusion entre le jeu et le réel. Ils travaillent les frontières. Ils troublent le spectateur. Mais finalement, n'est-ce pas ça le Cinéma ? Faire croire que le faux est vrai ?

Joaquin Phoenix est un très grand acteur.

Casey Affleck :
The Killer Inside Me

Ben Affleck :
The Town

Submarine - Richard Ayoade

2011-09-22T21:49:00.001+02:00

Richard Ayoade, réalisateur de séries télévisées et de clips, ajoute à sa filmographie Submarine, un film au ton vif et recherché sur l'adolescence, thème récurrent au cinéma. Il a fait d'un roman de Joe Dunthorne un long métrage indé décalé qui en agacera plus d'un, mais qui a certaines qualités incontestables.

La première, la bande originale. Signée Alex Turner (leader charismatique des Arctic Monkeys), elle est composée de ballades au piano et à la guitare qui se marient admirablement avec les images et l'histoire. Tout en retenue, Alex Turner prouve qu'un bon meneur peut aussi s'effacer quand il le faut, sans disparaître, dans l'intérêt d'un projet.
L'histoire, c'est celle d'Oliver Tate, un adolescent de 15 ans en plein roman de formation. Le film est construit comme un journal intime (voix off, ralentis, retours en arrière, arrêts sur image...) : Oliver, solitaire cultivé doté d'une imagination débordante, narre sa propre vie, en trois parties. Plutôt mature et désabusé, il garde cependant un côté attendrissant qu'il doit à son manque d'expérience. Sa petite-amie, Jordana, est aussi complexe et originale que lui ; et les jeunes comédiens Craig Roberts et Yasmine Paige donnent de l'épaisseur à leurs personnages.
Dans Submarine, les seconds rôles joués par les adultes ont également leur importance. Car le cynisme adolescent n'aurait pas le même impact sans la maladresse attachante des parents d'Oliver, provinciaux gallois finement interprétés par Sally Hawkins et Noah Taylor, ou la folie du nouveau voisin, ex de sa mère et probable futur amant de celle-ci. L'humour et le ton léger reposent donc beaucoup sur l'écriture et son interprétation, mais cette approche décontractée, presque détachée, cache pourtant des problèmes graves, comme la tromperie, les mensonges ou la dépression.

Un film charmant.

Sally Hawkins :

Never Let Me Go

Noah Taylor :

Alice au pays des merveilles

Melancholia - Lars von Trier

2011-09-21T15:49:00.002+02:00

Terrence Malick a filmé la création dans The Tree of Life, Lars von Trier donne sa version de la fin dans Melancholia. Quand le premier s'attarde sur la naissance de l'univers et le travail de deuil, le second se concentre sur les instants précédant l'apocalypse et la dépression. Il parvient ainsi à faire passer des vérités sur la nature humaine grâce à la science fiction.

Lars von Trier annonce la sentence dès la succession de tableaux des quinze premières minutes, sur une musique prenante et envahissante de Wagner (Tristan et Ysolde). Un prologue qui montre, au travers de ces images au ralenti et chargées de références au lyrisme allemand (la plus évidente : Ophelia de Millais), quelques réactions humaines face à l'inéluctabilité de la mort. Une planète entre en collision avec la Terre, et la question que le réalisateur se pose, c'est de savoir comment la promesse d'un tel événement agit sur l'humanité. Il propose une réponse intime, en découpant son film en deux parties, analysant en particulier deux personnalités, celles de deux sœurs qui ont des visions opposées de la vie, dans deux temporalités différentes.
Justine (Kirsten Dunst) est dépressive, souvent absente d'elle-même. Claire (Charlotte Gainsbourg), à l'inverse, est très posée, pragmatique, rationnelle. Elles se détestent autant qu'elles s'aiment et sont condamnées à cette relation fusionnelle. Impossible de ne pas faire le rapprochement avec les deux planètes qui sont sur le point de fusionner. Claire représente la Terre et l'humanité : elle est impuissante, minuscule au sein de l'univers et panique au moment de la fin. Justine accepte sereinement le désastre qui s'annonce, parce qu'elle se place déjà en dehors de la société. Elle ne croit pas en l'humanité et a également participé, à son échelle, à la déconstruction de celle-ci pendant son mariage (on pense à Festen de Thomas Vinterberg). Sombre, son visage s'illumine quand la planète se rapproche. Elle est en phase avec elle. Il n'est pas anodin, d'ailleurs, que le corps céleste porte le nom Melancholia. L'étymologie du mot mélancolie parle d'elle-même : "melas" et "kholê" en grec signifient "bile noire". La mélancolie est une véritable maladie, c'est un mal-être profond exprimé par un désespoir intense, dont l'issue est, parfois, la mort. Il n'est pas étonnant donc que plus la trajectoire de la planète se précise, plus Justine se calme et plus son mal-être se transforme en soulagement.
En dehors des multiples considérations philosophiques qu'il est possible de faire sur le film et sur son personnage principal, Melancholia est cinématographiquement maîtrisé de bout en bout par Lars von Trier. La tension se lit dans les couleurs et dans les sons, dans les plans serrés très réalistes autant que dans les séquences décalées, dans le jeu des acteurs (Charlotte Rampling, John Hurt et Kiefer Sutherland font partie du casting) et dans le montage astucieux. Melancholia est un poème à l'inquiétante étrangeté. Nul doute que le scandale déclenché par Lars von Trier au Festival de Cannes lui a peut-être coûté la Palme d'or, facilitant la tâche au jury.

Il faut être assez sensible pour recevoir ce film sidérant et bouleversant, et assez fort pour ne pas sombrer dans la mélancolie.

John Hurt :

Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 2)
Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 1)

New York, I Love You

Charlotte Rampling :
Never Let Me Go

Killing Bono - Nick Hamm

2011-08-19T00:19:00.002+02:00

Qui n'a jamais rêvé de tuer Bono, irritant chanteur du groupe U2 ? Malheureusement, Killing Bono ne satisfait pas ce désir caché. En revanche, Nick Hamm réalise un bon film sur l'injustice touchant les artistes qui n'ont pas moins de talent que d'autres, mais qui ne parviennent pas à entrer dans le système de la gloire, de la communication et du marketing.

Paul David Hewson n'était pas meilleur que Neil McCormick en 1976 à Dublin. L'un a simplement eu une chance inouïe (pas forcément justifiée, mais ça fait partie de la chance), l'autre a enchaîné les échecs. Paul est devenu Bono et connaît le succès avec U2, tandis que Neil se bat avec toute la bonne volonté du monde pour faire de Shook Up ! un groupe connu et reconnu.

La plupart des spectateurs voient Killing Bono comme une comédie. Pourquoi pas, certains moments sont drôles. Mais rire du malheur des autres se révèle peu à peu frustrant. D'autant que Ben Barnes et Robert Sheehan (l'irremplaçable Nathan dans la série Misfits) rendent leurs personnages attachants, et l'on se prend à espérer une autre fin pour eux.

Le film en lui-même souffre de digressions, lesquelles peuvent lasser, et dans l'ensemble, il manque un peu de force, hormis dans la relation fraternelle. Le scénario, le cadrage, le montage, les costumes, les décors, la bande son... tout est correct, mais tout aurait mérité plus de travail.

Conclusion : monter un groupe, mettre des lunettes et rencontrer le pape, ça rapporte plus en termes d'argent et de reconnaissance que de s'acharner à écrire des textes complexes et à les mettre en musique. À vomir, non ?

Blue Valentine - Derek Cianfrance

2011-08-17T23:59:00.012+02:00

Pour son deuxième long métrage, Derek Cianfrance réussit à déprimer tout le monde en usant de deux artifices aussi simples que précieux : le réalisme et le montage. Il a en outre choisit deux acteurs intelligents, Michelle Williams et Ryan Gosling, pour jouer deux périodes extrêmes de la vie d'un couple : les premiers moments spontanés et plein d'espoir, et l'agonie finale.

Dean et Cindy tombent amoureux. Six ans plus tard, ils se déchirent. Si l'on résume, c'est bien de cette histoire qu'il s'agit dans Blue Valentine. Mais le réalisateur travaille son sujet et démontre que du plus simple synopsis peut naître une profonde émotion. C'est la mise en scène, l'image, l'ambiance, le montage et les personnages qui donnent tout son intérêt au film.
Derek Cianfrance voulait d'abord tourner en deux fois, à six ans d'intervalle. Les producteurs n'étant pas d'accord, le réalisateur a misé sur ses comédiens. Michelle Williams et Ryan Gosling ont vécu ensemble pour donner davantage d'intensité à la complicité de leurs personnages ; une grande réussite, mise en lumière par le montage imbriquant passé et présent, le premier en image digitale, le second en pellicule 16 mm.
À cela s'ajoute une grande force dans le traitement de l'histoire : le réalisateur ne montre pas les années de vie commune. Il laisse une certaine liberté d'imagination au spectateur, tout en lui donnant un cadre puisqu'il filme la naissance de l'amour et son érosion. Enfin il impose une vérité : l'échec de cette relation amoureuse. Et tout ça sans accuser personne.

Blue Valentine est un film indépendant qui fait du bien en faisant un peu de mal.

Michelle Williams :

Shutter Island

Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 2) - David Yates

2011-08-14T20:09:00.000+02:00

En 2007, on vivait la fin de Harry Potter en lisant le septième et dernier tome des aventures imaginées pas J. K. Rowling. Cette année, c'est en allant voir la deuxième partie de Harry Potter et les Reliques de la Mort réalisée par David Yates que l'on fait ses adieux à l'histoire, aux personnages et à ce monde magique mis en images par différents réalisateurs. Mais la tristesse, aussi grande que l'excitation dès les sombres premières notes de la très bonne partition d'Alexandre Desplat, ne fera jamais disparaître les dix années de régal littéraire et cinématographique passées en compagnie de ces sorciers.

D'autant plus que ce dernier long métrage est monumental. La menace qui planait parfaitement dans Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 1) s'est bel et bien transformée en apocalypse. La bataille finale de cette guerre est tellement chargée d'émotions, combinée à des effets spéciaux géniaux parce que fluides, qu'on en oublie les différences avec le livre. Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 2) répond à la logique installée dans les films ; inutile donc, même en tant qu'adepte des livres, de comparer.

Après une courte scène reprise de la fin de la première partie (Voldemort volant la Baguette de Sureau dans la tombe de Dumbledore), c'est Severus Rogue que l'on aperçoit, seul, en nouveau directeur d'un Poudlard dépourvu de toute joie. Il n'est pas étonnant de voir ce personnage en premier : son importance est cruciale. Chaque fois qu'il apparaît à l'écran, on est fasciné par tant de profondeur et de mystère. Et la seule parenthèse enchantée du film, c'est à lui qu'on la doit, lorsque l'on plonge dans la Pensine pour découvrir une partie de son passé. Lumineuse, cette séquence est aussi détonante que l'était Le Conte des trois frères (en animation) dans la première partie. Un choix aussi rafraîchissant que nécessaire à l'intrigue narrative de la part de Yates.
Cependant, même si Alan Rickman se démarque, certains méritent également une mention spéciale : Matthew Lewis (Neville Longdubas) est devenu épatant, et Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange), qui n'a plus rien à prouver, continue de dévoiler des trésors cachés d'interprétation. Aussi, on espère voir les carrières de Bonnie Wright (Ginny Weasley) et Evanna Lynch (Luna Lovegood) décoller, tant les deux actrices font preuve d'un potentiel à peine exploité. On les attend autant que Daniel Radcliff, Rupert Grint et Emma Watson, un trio qui fonctionne toujours, dans un rythme vif et prenant, mais qui se repose légèrement sur la tendresse que l'on a pour Harry, Ron et Hermione depuis Harry Potter à l'école des sorciers.
Derrière les prouesses techniques, le jeu des comédiens et la maîtrise du facteur émotionnel, il se cache quelque chose que les spectateurs pouffant de rire (notamment lors de l'épilogue) n'ont probablement pas compris : des subtilités qui rendent ce blockbuster pertinent. En outre, quelques-uns ont vu dans cette conclusion épique un triomphe des faibles, mais ce serait simplifier le propos. Car, bien que ce ne soit pas évident, puisqu'au premier niveau de lecture on distingue uniquement la confrontation entre le bien et le mal, les aventures de Harry Potter sont bien plus nuancées. Au-delà des réflexions politiques que cet ultime épisode propose, et du thème récurrent de la mort et de son acceptation, il est expliqué que la noirceur est en chaque être humain et qu'il est possible de la surmonter en luttant. Un message d'espoir qui malheureusement ne sera pas reçu ou demandera trop d'effort à la majorité des humains, lesquels vivent dans un monde de Moldus aussi motivant qu'un monde magique dirigé par Voldemort.

Enfin, une question plus générale se pose encore et toujours : quand les productions comprendront-elles que la 3D assombrit l'image et n'apporte rien en l'état ? Lorsque l'on retourne voir Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 2) en 2D, la magie est toujours là et l'on ne se plaint pas en sortant de la séance du port désagréable de lunettes payantes.

Harry Potter les films, c'est fini, mais la magie continuera d'alimenter les fantasmes des fans à travers les septs tomes à relire et les huit longs métrages à revoir.

Harry Potter :
Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 1)

Rupert Grint :
Petits meurtres à l'anglaise

Helena Bonham Carter :
Alice au pays des merveilles

Alexandre Desplat :
The Tree of Life
Le Discours d'un roi
Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 1)
The Ghost Writer
Fantastic Mr. Fox
L'Étrange Histoire de Benjamin Button

Barði Jóhannsson @ Cité de la musique, Days Off 2011

2011-08-11T19:00:00.001+02:00

En ce 10 juillet 2011, jour de clôture du festival Days Off, l'Islande était à l'honneur. Les représentants : Barði Jóhannsson, compositeur éclairé (allumé ?) échappé de son groupe Gang Bang, et Ourlives, quintette diffusant une pop-folk intimiste et mélodieuse. Une aubaine. Les Islandais ont enchanté les quelques personnes présentes dans l'amphithéâtre de la Cité de la musique ; il restait une centaine de places sur deux cent cinquante. Les absents peuvent regretter.

Ourlives
Un groupe, sept chansons (dont une nouvelle), quelques émotions... Ourlives est une jolie découverte. D'abord seul sur une chaise avec sa guitare acoustique, le chanteur est rejoint par des musiciens s'installant discrètement. Malgré la présence d'un batteur assénant des coups trop puissants sur ses fûts et cymbales, on réussit à capter la sensibilité des compositions à travers les autres instruments : clavier, basse, guitare et voix pleine de douceur sans être fragile. Ils terminent leur set debout, communiant dans un final instrumental déchirant. Il fait froid dans la salle, mais ce sont bien les mélodies et l'ambiance islandaises qui donnent des frissons. Les applaudissements incessants ne ramènent le groupe sur scène que pour un salut timide, mais on se fera un plaisir de retourner les voir s'ils reviennent à Paris.

Barði Jóhannsson
À l'instar du groupe Sigur Rós, Barði Jóhannsson est un magicien des émotions. Très grand compositeur de musique à l'image, il a réalisé, spécialement pour l'occasion, un court métrage qu'il a mis en musique. Sur scène, derrière ses machines, il est accompagné d'un quatuor à cordes atypique. Malheureusement, le film est loin d'être fascinant. Diffusé en quatre tiers et en noir et blanc, il n'apporte rien d'intéressant : une jeune fille, dont les long cheveux cachent son visage, erre. On préfère se concentrer sur la musique et l'exécution des violonistes et de la violoncelliste.
Une expérience un peu frustrante, donc, qui laisse place à des compositions tirées de l'album Arp : Museum of the Sea, mêlées à de nouvelles, nées quelques jours plus tôt à Paris et nommées en fonction de la date et du lieu de création.
Barði est un homme étonnant, qui semble débarquer d'une autre planète. Ses interventions sont aussi drôles que décalées. Et sa musique, planante, travaillant les variations et trouvant son climax en fin de concert, est d'une complexe beauté. Si l'on pouvait être perdu dans une tentative de compréhension logique à cet enchaînement, le compositeur donne la clé lors du final, l'ensemble prenant alors tout son sens. Il reviendra, ainsi que le quatuor à cordes, pour un rappel, avant d'adresser un signe rock'n'roll de la main au public en guise d'au revoir.

Un seul souhait en sortant : que Barði Jóhannsson revienne pour un concert à la Salle Pleyel accompagné d'un orchestre complet.

Sigur Rós :
Jónsi @ Bataclan

Omar m'a tuer - Roschdy Zem

2011-08-09T12:09:00.001+02:00

"Omar m'a tuer". Cette phrase légendaire, et probablement fausse à tous les niveaux (conjugaison, auteur, logique, véracité...), sert de titre au film de Roschdy Zem sur Omar Raddad, le jardinier marocain accusé du meurtre de Ghislaine Marchal en 1991. L'affaire, médiatisée à l'époque, passe au second plan dans ce long métrage focalisé sur l'homme.

Omar m'a tuer repose donc sur une donnée majeure : l'interprétation de Sami Bouajila. Acteur discret mais époustouflant, il impose son talent en se métamorphosant. Il devient Omar et porte le film seul. Les seconds rôles ne sont néanmoins pas mauvais, Denis Podalydès particulièrement, très convaincant en écrivain (Pierre-Emmanuel Vaugrenard) investi dans sa quête de la vérité.

Le réalisateur avait donc fait la moitié du chemin en choisissant si bien son comédien principal. Restait à rendre compte des zones d'ombre de cette tragédie, objectivement, sans tomber dans le sentimentalisme. Malheureusement, à trop vouloir filmer l'homme et ses démons, Roschdy Zem l'a rendu attachant. Lui qui affirme ne pas prendre parti le fait finalement en s'attardant sur ce coupable idéal dont la vie a été brisée, ce "premier innocent" de l'avocat Jacques Vergès (joué par Maurice Bénichou), et en faisant couler les larmes des spectateurs à plusieurs reprises.

Malgré quelques faiblesses, Omar m'a tuer fera peut-être avancer l'affaire : Omar Raddad, gracié mais toujours coupable selon la justice française, lutte depuis des années pour la reconnaissance de son innocence. Quant à Roschdy Zem, il s'avère meilleur derrière la caméra que devant.

Un film qui révolte en rappelant l'entêtement stupide des représentants de la justice.

Limitless - Neil Burger

2011-07-07T23:59:00.008+02:00

Neil Burger, réalisateur de L'Illusionniste (film qui a eu le malheur de sortir après Le Prestige de Christopher Nolan), a décidé pour son troisième long métrage d'adapter un roman d'Alan Glynn, The Dark Fields. Le sujet est d'actualité, le visuel travaillé en conséquence et le résultat divertissant. Qui n'a jamais rêvé d'avaler une pilule décuplant les capacités du cerveau ? Limitless illustre agréablement cette éventualité, entre thriller et fantastique.

Le générique, avec ce travelling rapide dans les rues de New York, agit comme un anesthésiant sur le spectateur. Neil Burger installe les rôles, et celui qui va penser pendant une heure et quarante-cinq minutes, c'est le héros, sous l'emprise du NZT après quelques minutes d'une vie d'écrivain bordélique en manque d'inspiration se faisant larguer par sa petite amie.
Joué par Bradley Cooper, Eddie Morra est tantôt séduisant et charismatique, tantôt amusant et touchant. Grâce au NZT, il termine son livre et utilise l'intégralité de son potentiel pour accéder au pouvoir (par le monde de la finance, évidemment), mais fait également l'expérience des effets secondaires de cette substance. Et si son succès et l'obligation de faire face à une déchéance probable sont filmés, le réalisateur laisse de côté les questions d'éthique. Au spectateur de se sentir proche des choix du personnage principal ou non.
Enfin, nombre de sous-intrigues ne sont pas exploitées, mais les seconds rôles sont simplement correctes (même Robert De Niro) ; c'est bien Bradley Cooper qui intrigue et qui porte le film. Il est aussi bon dans les moments de faiblesse que dans les moments de gloire, techniquement aidé par l'exécution des variations de luminosité selon l'ingestion de pilule.

Stimulant.

Bradley Cooper

New York, I Love You

Robert De Niro

Machete

30 Seconds to Mars @ Olympia

2011-07-01T23:59:00.006+02:00

Après l'intimité du concert privé du 8 juin à La Maroquinerie, on s'attendait à un show plus musical et plus puissant de la part de 30 Seconds to Mars à l'Olympia le 15 juin. On a eu droit à un show tout court (et plutôt court), de la part d'un Jared Leto plus fédérateur que jamais, qui parle plus qu'il ne chante. Mais quand on ne fait pas partie de l'Echelon et qu'on ne voue pas un culte au groupe (quand ce n'est pas au seul chanteur), on se prend à râler en sortant, déçu d'avoir entendu si peu de musique, surtout quand elle est si bonne sur album.

D'abord, CB7 a livré une performance déplorable, qui a pourtant plu au public, mais probablement parce que c'était le choix de 30STM. On se demande comme un groupe si dénué de talent et de sensibilité musicale peut se retrouver sur la scène de l'Olympia, puis on apprend que c'est Shannon Leto qui les produit. Une autre question se pose alors : comment un batteur si bon peut-il adouber des Canadiens si mauvais ?

Les lumières s'éteignent à 21 h 45, se rallument, s'éteignent de nouveau... Quelques problèmes semblent empêcher le lancement du concert. Finalement, Tomo et Shannon font leur apparition sur Escape. La voix de Jared se fait entendre depuis les coulisses, et suite au fameux "This is war" repris en chœur par le public, un tombé de rideau de fond dévoile le symbole du groupe (triade) et son chanteur. On tente alors de profiter de Night of the Hunter et A Beautiful Lie avant de reculer pour échapper aux hystériques des premiers rangs. Et là, en une chanson, on a eu l'énergie qu'on aurait voulu avoir sur l'ensemble du concert : folie des deux côtés de la barrière, échange musical, son rock puissant, frissons... Attack est décidément l'une des meilleures compositions de 30 Seconds to Mars.
Jared continue à donner de la voix sur Search and Destroy mais commence à se reposer sur son public, qui s'occupe de la partie chant de This is War. Les envies révolutionnaires déclenchées par les paroles de ce morceau et les images de guerre et d'injustice qui l'accompagnent comblent cependant la déception de ne pas entendre davantage le chanteur, lequel reprend sa tâche sur 100 Suns et Vox Populi. Malheureusement, un problème technique interrompt cette dernière et plonge la salle dans le noir. Très professionnels, Jared, Shannon et Tomo réussissent à reprendre comme si de rien n'était. Ensuite, c'est au tour de Shannon d'avoir son petit moment de gloire : seul sur scène avec une guitare acoustique, il interprète sa composition, L490 (Equinox). Un moment de calme avant une deuxième partie de concert des plus frustrantes.
Pour la énième fois, Jared fait sa petite blague et chante Alouette, avant de passer un bon quart d'heure à encenser le public français et à annoncer en exclusivité une tournée hexagonale. Il enchaîne avec les acoustiques de From Yesterday, Revenge, un nouveau morceau (probablement une cover) et Hurricane. Quel dommage de ne pas avoir joué ces chansons avec le groupe au complet ! La dynamique n'est plus la même, et on commence à s'énerver de voir que le concert tourne un peu trop autour de Jared. Pour un concert intime, c'est agréable, touchant, spécial ; pour un Olympia, c'est désappointant. D'autant qu'après avoir entamé le rappel par The Kill, en y insufflant une belle chaleur sortie d'on ne sait où, 30 STM retombe dans la promotion avec le single Closer to the Edge (certes bon) et le traditionnel casting pour Kings and Queens... Encore un bon quart d'heure à attendre que les fans hardcore montent sur scène, pendant lequel Tomo et Shannon font patienter le reste du public avec une jam session reprenant quelques notes de Metallica et Pantera. Fin classique et confettis.

On n'ira pas au Zénith de Paris, et si ça continue comme ça, on n'ira plus du tout voir 30 Seconds to Mars sur scène. L'ambiance du live peut dégoûter du groupe alors que les trois albums sont des réussites musicales profondes et pleine d'émotions.

30 Seconds to Mars @ La Maroquinerie, concert privé

2011-06-29T23:59:00.000+02:00

Même si on a déjà sa place pour le concert de 30 Seconds to Mars à l'Olympia le 15 juin, comment s'empêcher d'emmener sa fan de sœur au concert privé du groupe une semaine avant à La Maroquinerie ? Une soirée intime réussie, Jared Leto ayant compris et mis en pratique le concept : des anciennes compositions, des versions acoustiques et beaucoup d'interaction avec son public.

L'entrée de La Maroquinerie est un dépotoir : les fans hardcore ont dormi, mangé, bu, lu et joué là... Quel est l'intérêt d'une attente si longue quand la salle est si petite et qu'en arrivant à l'heure, on peut se placer au milieu, surélevé sur les marches en face de la scène (c'est-à-dire idéalement) ? Mystère. D'autant plus qu'une partie de ces fans passera le concert à parler, à filmer, à pouffer de rire ou à tenter de reprendre le flow de Kanye West sur une version acoustique de Hurricane... Pathétique.

Sans attendre la fin d'une quelconque première partie, le concert commence (après quelques notes de Closer de NIN) de bonne heure et de bonne humeur avec A Beautiful Lie et Attack, deux morceaux de l'excellent deuxième album. D'ailleurs, après avoir interprété son dernier single, Closer to the Edge, le groupe finira parfaitement la soirée par deux autres chansons de ce Beautiful Lie (2005), les entêtantes The Fantasy et The Kill (Bury Me) (impeccable), précédées d'une belle surprise : Battle of One (bonus track), rock'n'roll et sale. Un choix qui montre la volonté de 30 Seconds to Mars de privilégier les demandes du public plutôt que de faire la promotion de son dernier album, le remarquable This is War. Autre exemple : entre Search and Destroy et le merveilleux This is War malheureusement à peine chanté par Jared et suivi de 100 Suns, les quelques cinq cents personnes présentes ont eu la chance d'entendre un medley très appréciable de titres du premier album : Capricorn/Buddha for Mary/Oblivion. Une rareté que l'on ne risque plus d'entendre avant quelques années.

Finalement, la déception de la soirée se trouve peut-être dans le fait que Jared n'ait pas assez chanté et qu'on l'entendait faiblement quand il le faisait. Car, outre le plaisir d'entendre à nouveau A Modern Myth en live (en 2008 au Zénith de Paris, c'était en hommage à l'acteur Heith Ledger récemment décédé et ami proche de Jared), quand on constate la perfection de sa voix sur les versions acoustiques de cette chanson, Alibi (et son touchant trou de mémoire), Hurricane et les versions semi-acoustiques de Night of the Hunter et Kings and Queens, on se dit que les ingénieurs du son pourraient aider le chanteur quand le groupe est au complet et puissant, au lieu de mettre la batterie de Shannon (surdoué des fûts et cymbales) et les guitares en avant.

Une jolie surprise après avoir boycotté Bercy à cause de la mauvaise expérience du Zénith de Paris le 8 février 2008 (30STM n'a pas le public qu'il mérite). Hâte d'être à l'Olympia pour profiter du son acoustique légendaire de cette salle !

Roger Waters @ Bercy, The Wall Live Tour, 31 mai 2011

2011-06-27T17:29:00.002+02:00

Allez voir Roger Waters ou ne pas aller voir Roger Waters en concert ? Une question que l'on peut se poser avant l'événement, mais plus après. Alors, pourquoi avoir hésité ? Parce qu'on aurait voulu voir tous les Pink Floyd sur scène et que ce n'est plus possible (et que ça fait mal). Parce que c'est le Palais omnisport de Paris-Bercy et que l'enceinte n'est pas des plus chaleureuses, le son non plus d'ailleurs. Et parce qu'on a peur d'être déçu par ce qui procure plaisir (aux oreilles et aux yeux) et respect : The Wall. Mais Roger Waters, en plus d'être bassiste et chanteur, est l'auteur-compositeur de la quasi-totalité de ce concept-album mythique. Et, à l'instar de Paul McCartney le 10 décembre 2009 dans cette même salle et Roger Hodgson le 23 mai 2009 à l'Olympia, il a réussi, ce 31 mai 2011, à incarner l'âme de son groupe.

The Wall, c'est l'histoire de Pink, un rockeur qui se construit un mur dans sa tête pour se protéger du monde extérieur. Les vingt-six titres de ce double-album abordent de nombreux thèmes, notamment la peur, le nationalisme, le racisme, les guerres et la religion. Sur scène, le show est resté fidèle à la version originale de la tournée 1980-1981, mais a été adapté à l'actualité, surtout au niveau des images de guerre diffusées sur le mur de dix mètres de haut, que des techniciens érigent tout au long de la soirée. Parmi les animations : photographies poignantes, défilement de phrases écrites en plusieurs langues, vers grouillants, pluie de logos et extraits du film The Wall (1982).
Et le travail visuel ne s'arrête pas là : l'avion qui se fracasse sur le mur à la fin de l'ouverture, In the Flesh (effets pyrotechniques impressionnants inclus) ; les marionnettes géantes (la mère et l'instituteur de Another Brick in the Wall, composition culte) ; les drapeaux aux célèbres marteaux ; l'écran rond en fond de scène et le cochon gonflable noir de Run Like Hell volant au-dessus de la fosse, tout est réuni pour régaler les fans. Et si certains cinquantenaires en gradins se révèlent blasés et déçus (à croire qu'ils sont devenus aveugles et sourds), la minorité de jeunes pas si jeunes (entre 25 et 35 ans) réalise un rêve et mesure sa chance.
The Wall Live, c'est aussi une démonstration de technologie sonore approfondie. Le son des musiciens (dont le très applaudi Snowy White, guitariste présent en 1980) a été idéalement réglé, et les effets sonores spatialisés (légèrement trop forts) ont transcendé le public de Bercy. La réunion du plaisir des yeux et des oreilles s'est faite lors d'un clin d'œil à la tournée de 1981 : Roger Waters a interprété Mother avec lui-même, en chantant par dessus l'enregistrement d'époque (également projeté sur le mur). Un beau moment. Le seul véritable point négatif de la soirée, c'est l'entracte de plus de vingt minutes, justifié par le double album mais terriblement agaçant. Heureusement que Hey You relance la cérémonie floydienne menée de voix de maître par un Roger Waters épatant et heureux.

The Wall, une œuvre définitivement intemporelle.

The Tree of Life - Terrence Malick

2011-06-22T18:29:00.002+02:00

Si The Tree of Life de Terrence Malick ouvre des pistes de réflexion sans donner de réponses précises, on reste également sans voix à la fin du film. Est-ce du génie ou une perte de temps ? On peut croire s'être ennuyé de temps en temps, puis on prend conscience de la profondeur de ce long métrage mystique et cosmique, très attendu par les cinéphiles et récompensé d'une palme d'or au 64e Festival de Cannes.

La bande annonce, construite, accessible et prometteuse, ne reflète pas le rythme du film et son montage. Malick, cinéaste-philosophe traducteur de Heidegger, s'aventure dans son délire ontologique, et quand on pense qu'il ne peut aller plus loin, il prouve que si (jusqu'aux dinosaures en 3D...) et surprend les spectateurs, entre émerveillement et exaspération. Certains le suivent, d'autres non ; ces derniers prennent même le chemin de la sortie au bout de la première demi-heure.
Si The Tree of Life divise autant, c'est aussi parce qu'il est tout en équilibre et en tension. Jonglant entre infiniment grand et infiniment petit, le réalisateur remonte à la naissance de l'univers pour travailler le parallèle avec la construction de soi et montrer que tout se joue pendant l'enfance, sans laisser de côté la réalisation pure. Parce que le Cinéma, avant d'être un divertissement, est un art. Un art que Malick sert de moments extatiques et de ceux, plus intimes et psychologiques, vécus dans la cellule familiale ; tous sublimés par la photo somptueuse d'Emmanuel Lubezki, la musique remarquable d'Alexandre Desplat et les interprétations subtiles d'un Brad Pitt très crédible en père autoritaire, d'une inconnue parfaite (l'inverse est aussi vrai), Jessica Chastain, en mère protectrice, d'un trop rare Sean Penn, à la recherche de repères, et des enfants prodiges : Hunter McCracken, Laramie Eppler et Tye Sheridan.
Cependant, si l'on n'est pas sensible au style de Malick, et complètement hermétique à la métaphysique ou au souci du détail (attitude, regard...), il est absolument possible de ne pas adhérer à l'ambiance de The Tree of Life. De plus, la scène finale gâche un peu le traitement sérieux des idées liées à l'existence, la grâce et la nature. Cette réunion paradisiaque, symbole d'une paix retrouvée, dénote avec la puissance générale de l'ensemble. Enfin, l'on peut regretter les adresses trop nombreuses à Dieu, même si elles sont nécessaires quand on connaît l'attachement des États-Uniens à la religion.

The Tree of Life n'est ni le chef-d'œuvre espéré, ni l'échec décrit par certains critiques. C'est un ocni (objet cinématographique non identifié) qui fait déjà partie de l'histoire du Cinéma, et qu'il faudra revoir (en version longue de six heures ?).

Brad Pitt :
L'Étrange Histoire de Benjamin Button

Alexandre Desplat :
Le Discours d'un roi
Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 1)
The Ghost Writer
Fantastic Mr. Fox
L'Étrange Histoire de Benjamin Button

Minuit à Paris - Woody Allen

2011-06-21T14:49:00.002+02:00

Contrairement à Cendrillon, c'est après les douze coups de minuit que Gil, écrivain en manque d'inspiration, se retrouve dans le Paris des années 1920 ; une faille temporelle que seul Woody Allen pouvait rendre aussi intime et attirante que fantastique et philosophique. Minuit à Paris a ouvert le 64e Festival de Cannes et enchanté les critiques et le public, à juste titre.

Alors oui, le Paris filmé par Woody Allen est un Paris idéalisé, vu par un étranger amoureux de la plus belle ville du monde ; et l'on ne peut s'empêcher de penser que la capitale a tout de même ses défauts, majoritairement issus de la société. Néanmoins, après l'introduction cartes postales sur fond de musique jazzy, servie par un beau travail de photographie, Allen se plonge dans les fantasmes de son héros (Owen Wilson ; voix dans Fantastic Mr. Fox), révélant les richesses artistiques et l'inspiration naissant à Paris, en contradiction avec la superficialité de la future femme de celui-ci, Inez, jouée par une Rachel McAdams (Sherlock Holmes) à claquer, donc douée.
Le choix du casting est en effet pour beaucoup dans la réussite de ce long métrage. Même si Carla Bruni est inutile et Gad Elmaleh juste drôle, Alison Pill (Scott Pilgrim) est follement pétillante en Zelda Fitzgerald, Kathy Bates est parfaite (comme toujours) en Gertrud Stein, Michael Sheen (Tron : Legacy) est insupportable de prétention et de pédantisme, et Marion Cotillard (Les Petits Mouchoirs, Inception) est ravissante et douce. Les prix des meilleures interprétations reviennent à Tom Hiddleston (déjà brillant dans Thor cette année) en F. Scott Fitzgerald, et à Adrian Brody (voix dans Fantastic Mr. Fox), le plus incroyable des Dalí.
En assumant les clichés et en usant de la magie cinématographique, Allen réalise donc une jolie déclaration d'amour à Paris. Et au-delà de l'aspect bling-bling le jour et mystère la nuit, il justifie son propos en apportant une réflexion sur la nostalgie, le vide de l'existence et la recherche du bonheur. Qui n'a jamais pensé "c'était mieux avant" ?

On pensait Woody Allen coincé dans son style après Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu. Il réussit, avec Minuit à Paris, à redonner une certaine fraîcheur à sa filmographie.

Thor - Kenneth Branagh

2011-06-16T12:59:00.000+02:00

C'est le shakespearien Kenneth Branagh qui s'est attaqué à la réalisation de la dernière grosse production Marvel : Thor. Et c'est justement la spécialité du réalisateur qui a donné de la profondeur à ce film d'action plein d'humour mêlant monde mythologique et monde réel. Thor est un divertissement intelligent, qui n'omet pas les clins d'œil à l'univers Marvel, mais que la 3D assombrit fâcheusement. Attention cependant : long métrage à prendre avec du recul, pour profiter et ne pas tomber dans la critique négative facile !

S'il s'agit d'une adaptation issue des comic books Marvel, on a cependant affaire à un superhéros en devenir ; c'est là toute la subtilité. Nul besoin de s'attarder sur le pourquoi du comment Thor est si fort : c'est un dieu, un roi, arrogant et courageux. Branagh s'est donc penché sur la transformation psychologique du héros, et l'évolution des personnages en général, principalement au sein du drame familial.
Fils d'Odin, Thor a été banni du royaume d'Asgard pour avoir trahi son père en pénétrant dans le royaume ennemi, Jotunheim (monde des Géants de glace), afin de le détruire. Privé de ses pouvoirs et envoyé sur Terre, il fait l'expérience de l'impuissance et rencontre trois scientifiques, dont Jane, jouée par la talentueuse Natalie Portman (Sex Friends, Black Swan, Brothers, New York, I Love You), convaincante en amoureuse transie.
Mais côté casting, ce n'est ni elle, ni Chris Hemsworth, ni le toujours aussi mythique Antony Hopkins (Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu) qui captivent le plus. En interprétant un Loki (frère de Thor) tantôt innocent et résigné, tantôt méchant et révolté, Tom Hiddleston se pose en révélation divine. Il a donné tant de caractère et de relief à son personnage qu'on voudrait le voir encore (dans The Avengers ?).

La scène postgénérique fait évidemment référence aux Avengers de Joss Whedon, de la même manière que dans Iron Man 2 un teaser annonçait Thor.

Beginners - Mike Mills

2011-06-15T16:39:00.001+02:00

Mike Mills est un cinéaste, graphiste, qui a réalisé de nombreux clips vidéo (notamment pour Air, Moby ou Yoko Ono), des publicités (Levi's, Volkswagen, etc.) des courts métrages, des documentaires et des longs métrages (Âge Difficile Obscur, son premier film sorti en 2005, a gagné plusieurs prix aux festivals de Sundance et de Berlin). Il a également conçu des pochettes d'albums (pour Sonic Youth et les Beastie Boys, par exemple) et a travaillé pour des marques comme Marc Jacobs.

Si l'on s'attarde autant sur le réalisateur de Beginners, c'est qu'il a mis beaucoup de lui dans son film. Le personnage principal, Oliver, joué par le toujours très bon Ewan Mc Gregor (Les Chèvres du Pentagone, I Love You Philip Morris, The Ghost Writer), lui ressemble : il est illustrateur (les dessins sont de Mike), il a également perdu sa mère et vécu ensuite le coming out de son père de 75 ans mort à 80 ans, magnifiquement interprété par Christopher Plummer (L'Imaginarium du Docteur Parnassus, Syriana).

Hormis la relation père/fils donnant naissance à quelques scènes d'une beauté délicate et touchante, Mike Mills a imaginé l'histoire d'amour d'Olivier et Anna. Mais après une jolie première rencontre muette, idéale pour le jeu de Mélanie Laurent (La Rafle), les idées sont mal exploitées et le film ne trouve pas son équilibre entre un chien philosophe qui parle (sous-titrage), des flashbacks, une voix off, des cartes postales en guise de repères historiques... De plus, le personnage d'amant gay trop caricatural — Goran Visnjic (vu dans un segment de New York, I Love You, mais surtout dans la série Urgences : Dr Luka Kovac) — fait partie des détails qui peuvent éloigner le spectateur du film.

Et pourquoi Beginners ? Parce que les êtres humains recommencent toujours : une relation, un travail, une dépression, un deuil... La moralité, c'est que la vie est un éternel apprentissage et qu'il ne faut jamais renoncer, la reconstruction étant possible. Pourquoi pas. D'ailleurs, sur ce thème et celui de la solitude, Mills n'a rien à envier à Sofia Coppola et son décevant Somewhere. Mais la fin trop optimiste de Beginners n'est pas tout à fait cohérente avec ce qu'on a vu de la relation amoureuse.

Un film trop léger malgré des qualités indéniables. Dommage.

Rango - Gore Verbinski

2011-06-01T23:59:00.002+02:00

Après Megamind des studios Dreamworks, Rango, c'est le nouvel antihéros qui donne son nom à un film de la société de production Paramount. Mais cette fois, c'est Gore Verbinski (réalisateur des Pirates de Caraïbes 1, 2 et 3) qui se penche sur l'animation. Il livre l'un des dessins animés les plus intéressants, délirants et piquants de ces dernières années.

Rango est un caméléon solitaire, tant dans son terrarium que dans l'immensité du désert Mojave. Mais l'eau se fait rare dans ce dernier, et les habitants de la ville de Dirt en manque cruellement. Imposteur au grand cœur, Rango s'invente une vie héroïque et fait une promesse : trouver l'or bleu.
Mais derrière cette quête, derrière cette parodie fine et réussie des westerns spaghettis, se cache un enjeu plus intime : la recherche d'une identité. Rango ne sait pas qui il est, et c'est lui qu'il va trouver à la fin de ce parcours initiatique ; raison pour laquelle on s'attache si vite à ce caméléon (décidément, après Pascal dans Raiponce...).
La voix de Rango, c'est celle d'un Johnny Depp (Alice au pays des merveilles) toujours aussi brillant ; l'année dernière, il prêtait sa voix au documentaire sur les Doors : When You're Strange. La musique de Rango, c'est celle d'Hans Zimmer, tout en hommage au genre. Quant aux décors magnifiques, ils participent à la création d'un univers coloré, unique et techniquement précis. Enfin, le rythme est parfois lent, mais l'humour toujours vif et décalé, à la limite de l'absurde. C'est pourquoi les grands enfants s'y retrouvent probablement plus que les petits.

On ressort assoiffé de ce voyage !

Les Femmes du 6e étage - Philippe Le Guay

2011-05-01T23:59:00.108+02:00

Poignante histoire d'amitié et d'amour sur fond de réflexion socio-politique, Les Femmes du 6e étage est une agréable surprise du cinéma français signée Philippe Le Guay.

La grande qualité de ce film, c'est qu'il ne pousse jamais les clichés jusqu'à la caricature. Le réalisateur s'en sert, certes, mais avec une finesse d'esprit louable. Sans prétention, Les Femmes du 6e étage se révèle donc être un long métrage tendre mais pas mièvre, cinématographiquement simple mais touchant.
Fabrice Luchini (Les Invités de mon père), lui aussi, fait dans la délicatesse et le sensible. Il ne tente pas de se mesurer à ces femmes de grands caractères : les bonnes espagnoles de l'immeuble haussmannien qu'il habite avec sa femme (Sandrine Kiberlain en provinciale coincée) et ses deux enfants (aux jeux pitoyables). Le casting se compose de personnages archétypaux, mais loin du grotesque ridicule, notamment grâce aux prestations de Carmen Maura et Lola Dueñas.
Les Femmes du 6e étage témoigne de la dure réalité des femmes espagnoles qui ont dû travailler pour des bourgeois français après avoir fui l'Espagne franquiste (début des années 1960). Désir de liberté, fascination pour la femme, folklore, ouverture et échange sont les lignes directrices de cette charmante histoire.

Un film tout simplement juste, généreux et sincère.

L'Agence - George Nolfi

2011-04-30T23:59:00.000+02:00

George Nolfi, coscénariste d'Ocean's Twelve et de La Vengeance dans la peau, signe son premier film en tant que réalisateur : L'Agence, dans lequel il retrouve Matt Damon. Un long métrage qui jongle entre romance et thriller d'anticipation, mais dont le dénouement déçoit, sans surprise.

Des gentils qui luttent pour faire valoir leur pouvoir de décision, des méchants malgré eux, qui font en sorte que chaque être humain ne s'écarte pas de son destin, de bons effets spéciaux maîtrisés et un éternel cliché : l'amour est plus fort que tout, c'est ça L'Agence.
George Nolfi pose une question universelle récurrente : le libre arbitre existe-t-il ou tout est-il déjà écrit ? Mais au lieu d'approfondir le sujet et/ou de se pencher sur le fonctionnement de cette agence qui dirige le monde, il met l'accent sur la volonté des deux protagonistes de ne jamais être séparés, jusqu'à la fin convenue.
Heureusement, Matt Damon (True Grit, Green Zone, Invictus) est une moitié de ce joli couple. Sauver un film, il l'avait déjà fait avec Au-delà, aidé par l'excellent George McLaren. Dans L'Agence, il est accompagné par la ravissante Emily Blunt (Petits Meurtres à l'anglaise) ; et les seconds rôles, ces mystérieux agents à chapeau, sont bien travaillés (costumes, attitudes, répliques). Néanmoins, on le sait : de très bons acteurs ne font pas forcément un très bon film.

Du Fringe faible et naïf.

Archive @ Grand Rex

2011-04-23T01:29:00.004+02:00

Ah, Archive... Une déception au Zénith de Paris le 10 octobre 2009 (son pourri et setlist moyenne), une claque monumentale au Printemps de Bourges de 2010, et... une catastrophe le 5 avril 2011 au Grand Rex, à cause d'un public irrespectueux. Un concert où la délicatesse de l'orchestre n'a eu d'égale que la haine envers des dizaines d'individus méprisables. Et lorsqu'on assiste à ce genre de soirées, difficile de se concentrer sur la musique, et donc de profiter. Pourtant, quand les membres du groupe sortaient devant le Grand Rex alors que les portes n'étaient pas encore ouvertes, le gens étaient calmes et admiratifs. À l'intérieur, ils se sont transformés en sauvages.

Quel est le mal ? En concert, on se déchaîne, non ? On montre au groupe qu'on l'adore ! Certes. Il faut surtout replacer le concert dans son contexte. Archive avait choisi d'être accompagné par un orchestre, Archive avait choisi une petite salle et Archive avait choisi de mettre des sièges dans la fosse. Alors oui, on est en droit de manifester son enthousiasme, mais il y a plusieurs manières de le montrer. S'amasser contre la scène (si haute qu'ils ont dû se faire mal aux cervicales, et tant mieux), c'était irrespectueux ; pour le public assis aux premiers rangs, qui ne voyait plus rien, et pour le groupe, qui ne semblait pas ravi de voir que quelques deux cent personnes (dans les moments les plus denses) se croyaient en boîte de nuit. La faute revient d'abord à l'abruti pitoyable qui avait déjà gâché un moment du mix de Rosko pendant la première partie (que la majorité n'a pas écoutée), à tous les moutons qui l'ont suivi devant la scène, et au vigile inutile qui n'a, comme le précise l'adjectif, rien fait. Cette attitude égoïste et déplacée reflète une incapacité évidente à écouter la musique, à savoir la recevoir.
Et en parlant de musique... Archive, c'est grand. Alors Archive avec un orchestre, on s'attendait à de l'excellence, et c'était loin d'être le cas. Au lieu de travailler à nouveau leurs compositions, ils ont simplement ajouté une donnée. Et ça ne fonctionne pas. Même lorsqu'on réussit à prendre assez de recul, à faire à peu près abstraction et à mettre ses pulsions meurtrières en suspens, la magie n'opère pas. L'orchestre placé derrière fait son travail et le groupe n'entre pas en harmonie avec lui ; les deux entités se répondent sans jamais communier. Le concert avait cependant bien commencé, sur Lights, et les chanteurs et musiciens n'ont rien à se reprocher au niveau technique. Mais il n'y a pas eu mariage, alors le groupe comme l'orchestre se sont mis en retrait, dans la probable et modeste intention de ne pas s'envahir. Ils auraient pu se dépasser eux-mêmes en se nourrissant l'un de l'autre, ils se sont finalement retenus. D'ailleurs, Archive n'a même pas pris le risque d'adapter Fuck U à l'orchestre, une idée pourtant intéressante. Finalement, quand on se dit en plaisantant après Lights : "On a tout vu, on peut partir", on n'a pas forcément tort.

Cet événement aurait néanmoins pu être agréable si l'on n'avait pas assisté à la lutte malsaine d'une partie du public, laquelle semblait jouer à "vous nous faites un show, on vous en fait un aussi". Ridicule. Non, la générosité et la reconnaissance ne s'expriment pas que dans les hurlements, la transpiration et les sauts.

La setlist :
1. Lights
2. You Make Me Feel

3. Headlights
4. The Feeling of Losing Everything
5. Blood in Numbers
6. To the End
7. Organ Song
8. Finding it so Hard
9. I Will Fade
10. Collapse/Collide
11. Words on Signs
12. Slowing
13. Fold
14. Black
15. Pictures
16. Bullets

Encore :
17. Dangervisit
18. Again
19. Controlling Crowds

The Crying Machine @ MJC d'Évry

2011-04-19T15:29:00.001+02:00

Dans la musique, il y a les monstres intouchables, la soupe commerciale et les talents cachés. Il n'y a pas que ça, et catégoriser est souvent réducteurs, mais The Crying Machine fait clairement partie de ceux qui connaissent la musique, qui la travaillent, qui la ressentent et qui la font s'exprimer. Et il y en a peu.

The Crying Machine jouait à la MJC d'Évry le 1er avril ; et nul besoin d'un Olympia pour savoir que ce trio a un énorme potentiel. Quand la musique transpire comme ça, même devant un public assis et réservé, ça augure d'un bel avenir. Certes, il y a quelques imperfections dans le jeu, mais l'envie et la qualité étant présentes, impossible de ne pas entrer dans cet univers ayant digéré les influences des années 1970.
Le set oscille entre mélodies planantes et riffs bien sentis allant jusqu'à l'improvisation dans le final. Et même si tout le monde peut être sensible à l'intensité que cette musique délivre, lorsqu'on porte attention à la composition et à la dynamique, on découvre une complexité intéressante, qui donne naissance à ce que l'on pourrait appelé le post-blues.

Un premier EP, "The Riverside", sort bientôt, mais on attend surtout l'album, un format sur lequel le groupe devrait pourvoir s'exprimer en profondeur.

La setlist :

1. Jamming at Sunshine

2. Sorceress

3. God Bless the Pig

4. Lovethings

5. The Riverside

6. Thousand Names of God

7. Rock Me

Myspace

Miles Kane : la gloire en solo ?

2011-04-12T23:29:00.000+02:00

Un an que je n'avais pas mis les pieds dans les studios de l'Album de la Semaine, faute de programmation alléchante. Et la dernière fois, c'était la décevante prestation de Fanfarlo. Une chance que le leader de feu The Rascals et deuxième moitié de Last Shadow Puppets (avec son ami Alex Turner des Arctic Monkeys) y ait été invité le 29 mars 2011.

En digne admirateur des Beatles, Miles Kane allie rock et pop, sans aucun artifice commercial. Et l'inspiration n'est pas que musicale : le look de ce jeune Anglais de 25 ans rappelle celui des rockeurs des années 1960, coupe de cheveux incluse. Néanmoins, Miles possède une véritable identité. Il a simplement digéré ses influences pour créer son propre univers : sain, réfléchi et travaillé.
Les titres s'enchaînent et ne se ressemblent pas, mais répondent à un souci d'homogénéité remarquable. La médiocrité se répandant de plus en plus de nos jours, on est heureux d'entendre une voix maîtrisée mêlée à un jeu de guitare assuré ; malgré un mauvais réglage de la basse de son partenaire. Certes, les musiciens qui l'accompagnent ont un bon niveau, mais c'est Miles, généreux et souriant, qui attire les regards. Il remercie sincèrement le public (chose pas si courante sur le plateau de l'Album de la Semaine), mais ne revient pas après sa sortie de scène.

Miles Kane est un chanteur-guitariste talentueux, et son aventure en solo augure d'excellentes productions.

La setlist :
1. Better Left Invisible
2. Rearrange
3. My Fantasy
4. Kingcrawler
5. Quicksand
6. Telepathy
7. Come Closer
8. Inhaler

Site
Myspace

White Lies @ La Cigale

2011-04-07T23:59:00.001+02:00

Quand on va voir un concert seul, on peut toujours espérer être bien placé, sans être obligé de patienter des heures avant l'ouverture des portes. Pour le concert des White Lies à La Cigale le 22 mars, le placement était libre. Une question se pose donc : debout autour de la fosse pour avoir une vue d'ensemble ou assis mais en hauteur ? J'ai déjà vu le groupe de très près : dans une petite salle à moitié vide en 2009 à Montréal, à l'Élysée Montmartre en novembre de la même année, à la barrière du Stade de France en première partie de Muse et à La Flèche d'Or en décembre dernier. Un fauteuil au balcon semble donc être un bon choix, et une place au milieu du premier rang, en face de la scène, est vacant. Qui dit mieux ?

Et lorsqu'on subit une première partie, on est content de pouvoir se lover dans son siège. Crocodiles : quintette bruitiste presque inintéressant. Et les jeux de lumières aveuglants n'arrangent rien. Les yeux sont baissés par nécessité, mais cela leur évite de regarder le chanteur se donner un style : lunettes de soleil, jean slim et attitude pseudo punk superficielle. Une blague (un affront au punk-rock sincère ?) à lui tout seul. Musicalement, c'est énergique, mais ça ne transmet rien. On s'ennuie donc très vite.

Pour écrire sur la musique, autant passer à Whites Lies. Le trio (quintette en live) a délivré une belle prestation, saine, sereine et maîtrisée. Cependant, si Harry, Jack et Charles ont été généreux dans leur interprétation, on peut légitimement leur reprocher une si courte setlist. Quatorze chansons alors qu'ils ont maintenant deux albums et des bonus tracks, c'est un peu juste. Heureux comme ils l'étaient d'être à Paris, ils auraient pu se lâcher davantage et offrir quelques chansons de plus, comme The Price of Love, From the Stars et Taxidermy. Quant à la déception de la soirée, c'est l'absence regrettable de Turn the Bells, l'une des meilleures compositions de "Ritual".
Comme d'habitude, ils commencent par A Place to Hide et fédèrent la foule, enthousiaste dès leur arrivée. Ensuite, Holy Ghost rappelle d'entrée que White Lies a évolué vers une musique teintée de sonorités eighties. Les synthétiseurs se font entendre, mais la mélodie et le refrain efficace convainquent ; on se laisse de plus emporter par la qualité technique des trois Anglais. Inutile de cacher qu'on aimerait réentendre Harry sur toutes les parties de guitare et voir Charles alterner entre basse et synthé, mais les premiers temps sont loin. Il n'y a guère que Jack qui n'a pas changé de jeu, toujours énergique, constant et subtile derrière ses cymbales et ses fûts.
Le nouveau single, Strangers, joué entre les grandioses To Lose My Life et E.S.T. fait un peu pâle figure, mais les refrains et une belle ambiance sauvent le moment. Et même si Is Love et Streetlights ne peuvent rivaliser avec la profondeur du son et des paroles de E.S.T., on y trouve quelques riffs et mélodies réussis, qui dépassent les versions studio légèrement artificielles. Encore une fois, on est loin de l'impressionnant "To Lose My Life" (l'un des 10 meilleurs albums de 2009), en atteste la chanson qui suit : Farewell to the Fairground.
C'est malheureux à écrire, car "Ritual" n'est pas à comparer, mais on entend la différence quand ils enchaînent avec Peace & Quiet et Bad Love. La voix est puissante et touchante, il y a des choses intéressantes, mais le groupe a compris que c'était leur premier album qui ne contenait que des pépites et terminent assez logiquement par Death. Sous les acclamations, Harry, Jack, Charles et leurs deux autres musiciens quittent la scène étonnés et ravis.
Ils reviennent pour un rappel assez classique et prudent : la poignante et merveilleuse Unfinished Business, l'entêtante The Power & The Glory, et le premier single de "Ritual", Bigger Than Us, qui achève de convaincre le public que White Lies est autant un groupe de studio que de live. Ils sont objectivement excellents et on ne regrette pas d'avoir manqué les Kills à La Flèche d'Or. Sur le chemin du retour, quelques notes se jouent dans ma tête et se font la bande originale d'un spectacle désolant : un incendie a dévasté l'Élysée Montmartre ce matin, les odeurs de brûlé persistent et quelques pompiers sont toujours sur place.

En novembre 2009, White Lies se produisait à l'Élysée Montmartre ; les souvenirs remontent et se mêlent aux nouveaux. Le point commun : une sensation de soulagement à une époque où la médiocrité musicale se répand.

Never Let Me Go - Mark Romanek

2011-03-31T23:59:00.004+02:00

Auprès de moi toujours, c'est le titre du roman de Kazuo Ishiguro adapté au cinéma par Mark Romanek, réalisateur américain connu pour ses clips (Nine Inch Nails, Michael Jackson, Linkin Park, Johnny Cash, Madonna, etc.). Et ça donne Never Let Me Go, un long métrage d'une jolie tristesse, mais malheureusement creux.

L'histoire est bonne, et même si le sujet a déjà été traité dans Bienvenue à Gattaca et The Island, Never Let Me Go propose une ambiance différente, intemporelle et très anglaise. Mais Romanek se repose trop sur la poésie bucolique des lieux, une belle photo et les compétences de ses acteurs : Keira Knightley, dans un rôle opposé à celui qu'elle tient dans Last Night ; Carey Mulligan (Une Éducation, Brothers) qui confirme peu à peu son talent ; Andrew Garfield (The Social Network, L'Imaginarium du Docteur Parnassus, Boy A) tout en grâce ; et Charlotte Rampling (Swimming Pool, The Duchess) en éternelle femme rigide.

Néanmoins, on peut facilement reprocher un jeu trop excessif dans la retenue. Un paradoxe qui touche l'ensemble des comédiens, mais qui incombe à la direction d'acteurs. L'excès devient une maladie pour le film, et se répand jusque dans la musique, larmoyante à souhait et forçant l'émotion. Il y avait pourtant une certaine élégance dans la souffrance de ses enfants perdus, qui aurait pu se suffire à elle-même, mais leur résignation peu convaincante et le manque d'énergie global plombent le film.

Quant aux questions profondes et philosophiques sur la nature humaine, elles ne sont jamais exploitées. Il y a peu de réflexion, tout est assez flou. Le réalisateur s'est perdu dans l'histoire d'amour au lieu de s'attarder sur la période d'éducation (les trois enfants comédiens choisis sont doués) ; on tombe alors dans un trio amoureux plutôt classique. Serait-ce pour prouver l'humanité de ces êtres ? pour que le spectateur s'identifie à eux et prenne conscience de l'importance de l'amour et de l'imminence de la fin ? On sait qu'on est tous condamnés, merci.

L'équilibre et l'intensité n'ont pas été trouvés. Dommage.

Fighter - David O. Russell

2011-03-30T23:59:00.016+02:00

Même avec moins d'oscars, Fighter est un film qui mérite autant d'attention que les excellents Black Swan et Le Discours d'un roi. David O. Russell (J'adore Huckabees, Les Rois du désert) a parfaitement réalisé et mis en scène ce drame profond adapté d'une histoire vraie. Et, surtout, la force du film réside dans ses deux acteurs principaux, Mark Wahlberg et Christian Bale.

Fighter, c'est d'abord le combat de Mark Wahlberg (Lovely Bones, Les Infiltrés, Braquage à l'italienne), qui s'est entraîné pendant quatre ans, même quand le projet semblait avorté, afin de pouvoir interpréter le rôle de Micky Ward, et qui s'est battu pour que le film existe. Il a sacrifié l'intégralité de son salaire et investi cinq cent mille dollars et son charisme. Son jeu, tout en discrétion, dissimule une force incroyable, laquelle se démultiplie au côté de Christian Bale (The Dark Knight, I'm Not There, American Psycho).
Les autres combats se trouvent sur le ring, mais aussi dans la cellule familiale. Perdu, Micky Ward lutte contre ses envies, contre ses besoins, contre son destin, contre des adversaires bien plus lourds que lui, contre sa mère envahissante (Melissa Leo) et contre son demi-frère et entraîneur, Dick Eklund, ancienne gloire locale tombée dans le crack. Ce rôle d'épave terriblement touchante revient à Christian Bale, après les abandons de Matt Damon et Brad Pitt. Et l'oscar du second rôle masculin n'a pas été volé. Bale, qui a perdu une vingtaine de kilos, est tellement impliqué qu'il disparaît pour faire vivre Dick Eklund. Magistral.

L'ensemble des comédiens a pu s'exprimer brillamment dans ce film (même Amy Adams en petite amie déterminée), qui se révèle être un documentaire romancé mais jamais caricatural, un long métrage authentique, viscéral et intense. La violence des émotions est telle que l'on s'accroche à son siège ; même les scènes de matchs de boxe font monter les larmes aux yeux. Et tandis que Fighter se veut poignant, voire sérieux, David O. Russell et son équipe n'oublient pas la valeur de l'humour pour renforcer la tension.

Un classique.

The Black Keys @ Olympia

2011-03-29T23:59:00.002+02:00

La musique. Celle qui insuffle la vie. Celle qui réveille et qui emmène ailleurs. Celle qui déchire le cœur, qui attaque le ventre, qui noue la gorge, qui mouille les yeux. Celle qui effleure la peau mais qui marque. Celle qui électrise, qui bouleverse et qui transcende. Celle qui excite les sens. Celle qui fait inlassablement bouger, celle qui enflamme les esprits. Celle qui fait frissonner, vibrer. Celle qui parle au corps et en prend possession. Celle qui dérègle la respiration. Celle qui vient des tripes, qui transpire, qui saigne. Celle qui est sale tout en restant saine. Celle qui explose et qui dévaste. Celle qui fait presque mal tellement c'est bon. Celle qui rugit, qui vit et qui se vit. Celle qui expérimente et qui crée. Celle qui surprend. Celle qui prend tout son sens et offre toute son énergie en live. Celle qui redonne espoir. Celle qui honore ses créateurs de génie. Celle qui console de n'avoir jamais vu Led Zeppelin sur scène. Celle qui fait pleurer. Celle qui... Celle qui, tout simplement, fait vivre.

Ça s'est passé le 15 mars 2011 à l'Olympia, et ça a duré un peu plus d'une heure. C'était précédé d'une première partie assurée par Romain, homme-orchestre de Birds Are Alive, honnête joueur de blues habitué des PMU.

Les deux hommes qui donnent naissance à cette musique du diable profondément intense s'appellent Dan Auerbach et Patrick Carney, plus connus sous le nom de The Black Keys.

La setlist :
1. Thickfreakness
2. Girl is on My Mind
3. The Breaks
4. Stack Shot Billy
5. Busted
6. Act Nice and Gentle (The Kinks cover)
7. Everlasting Light
8. Next Girl
9. Chop and Change
10. Howlin' for You
11. Tighten up
12. She's Long Gone
13. Ten Cent Pistol

Encore :
14. I'll Be Your Man
15. Strange Times
16. I Got Mine

Last Night - Massy Tadjedin

2011-03-23T23:59:00.007+01:00

Last Night n'est pas une comédie romantique. Ce n'est pas drôle, et le film s'attarde sur une question socialement problématique : l'infidélité, et donc sur la tentation et le mensonge, des sujets traités ici de manière dramatique pour le premier long métrage de Massy Tadjedin, la réalisatrice, scénariste et productrice.

Dans Last Night, la scénariste de The Jacket filme trois couples : celui que forme Keira Knightley (Love Actually, Domino, The Duchess, The Jacket) et Sam Worthington (Le Choc des Titans, Avatar), celui que la première forme avec Guillaume Canet (réalisateur des Petits Mouchoirs), et celui que le second forme avec Eva Mendes (La nuit nous appartient, The Spirit). Une grande partie du film repose donc sur l'interprétation.
Keira Knightley joue joliment son rôle de femme partagée entre raison et passion, et Guillaume Canet vient parfaire ce couple adultère, en interprétant un personnage fait pour lui : le premier amour frenchy. En revanche, Sam Worthington et Eva Mendes sont prévisibles et ne s'expriment guère, limités par des dialogues vides.
Si la réalisatrice a pu compter sur Peter Deming (The Jacket, Mulholland Drive, Lost Highway) à la photographie, sur une mise en scène et un montage traduisant le terrible désenchantement, et sur une bande originale signée Clint Mansell, Explosion in the Sky, Bat for Lashes, Moby, M83, etc., son film souffre, dans le fond, de ce qu'il souhaitait exprimer : la faiblesse.

À force de vouloir travailler le suspens et les non-dits sans juger ni condamner, Last Night expose et ne dit pas grand-chose.

Sex Friends - Ivan Reitman

2011-03-22T00:09:00.003+01:00

Alors que les midinettes vont voir Sex Friends pour Ashton Kutcher, moi, c'est pour Natalie Portman (Black Swan, Brothers, New York, I Love You), seul argument pour me convaincre d'aller voir cette petite comédie romantique réalisée par Ivan Reitman (producteur de In the Air).

Tout d'abord, force est de constater que le titre est mensonger. Dès les premières minutes du film, l'amour pointe son nez, et l'installation du sexe entre amis n'est finalement que le reflet de la peur de s'engager et d'aimer. En même temps, quand on sait que le film n'est pas bon, il faut bien trouver une stratégie pour appâter les spectateurs...

Ensuite, bien que Natalie Portman soit délicieuse dans le rôle d'une doctoresse voulant contrôler tous les aspects de sa vie, Sex Friends est, dans son ensemble, très moyen. On s'ennuie certes moins que pendant Love et autres drogues, et le message est plus joli (une relation régulière basée sur le sexe et sans sentiments, ça n'existe pas), mais tout est trop léger, voire faible.

Sans Natalie, le film n'a plus aucun intérêt. Néanmoins, on constate à nouveau, après l'avoir vue dans Juno et New York, I Love You, que Olivia Thirlby devrait être beaucoup plus sollicitée. À quand un premier rôle de consécration ?

Sex Friends c'est donc : un grand travail de communication, une grande actrice et un film grandement prescriptible.

True Grit - Joel & Ethan Coen

2011-03-21T02:29:00.000+01:00

Loin d'être aussi ennuyeux que leur précédent film, A Serious Man, True Grit (qui d'ailleurs présente un plan d'ouverture faisant penser au début de A Serious Man) n'est pourtant pas le chef-d'œuvre que les critiques décrivent. Cette adaptation d'un roman déjà porté à l'écran (100 dollars pour un shérif) n'est pas mauvaise, mais on n'y croit qu'à moitié.

True Grit n'est pas vraiment drôle, ni vraiment captivant... C'est un film moyen, frères Coen ou pas. Car ce n'est pas un nom qui fait un long métrage, c'est un réalisateur (ou plusieurs), une personne, qui peut donc toujours tomber dans des failles. L'exemple le plus récent est celui de Clint Eastwood avec son Au-delà décevant. Mais même quand on n'attend rien des frères Coen, force est de constater que True Grit ne passionne pas.
On ne peut rien reprocher au travail pur de l'image ou au casting masculin solide, mais ça ne suffit pas pour donner naissance à un chef-d'œuvre. L'actrice principale (Hailee Steinfeld) n'est pas convaincante (trop lisse), et les ficelles de l'histoire sont tellement évidentes qu'elles auraient pu se passer de quelques longueurs.
Ce que l'on retiendra du film : une performance d'acteur de la part de Jeff Bridges (Tron : Legacy, Les Chèvres du Pentagone), un Matt Damon (Au-delà, Green Zone, Invictus) qui remplit son contrat avec toujours autant de talent (magistral en Texas ranger ambivalent), et de beaux paysages.

C'est propre ; peut-être trop pour se laisser emporter.

7e symphonie de Antonín Dvořák @ Salle Pleyel

2011-03-17T23:59:00.003+01:00

Après une représentation de la 9e symphonie de Dvořák à la Salle Pleyel le 14 janvier 2011, c'est au tour d'une autre de ses symphonies de se faire entendre. Le lundi 8 février 2011, la 7e symphonie était interprétée par le Gewandhausorchester Leipzig (l'un des orchestres les plus anciens du monde, en activité), dirigé par le passionné et brillantissime Riccardo Chailly. Cette soirée était dédiée au compositeur tchèque puisque Carnaval et le Concerto pour violon étaient également programmés.

Carnaval
Une ouverture dynamique, exaltée et joyeuse, procurant de nombreux frissons, de la première à la dernière note. Une petite dizaine de minutes parfaites pour réveiller ses oreilles, se replonger dans l'univers dvorakien et laisser naître un sourire de plaisir au coin des lèvres et dans les yeux. La finesse et la rigueur de l'orchestre combinées à la fièvre du chef sont incontestables. Une merveille.

Concerto pour violon
Il fallait un virtuose de l'instrument pour parvenir à bout de ce Concerto pour violon très technique. En harmonie avec l'orchestre, c'est Leonidas Kavakos, détendu mais concentré, qui a fait preuve d'une maîtrise méticuleuse, toujours en quête de la perfection. Et si l'interprétation est complexe, l'écoute aussi ; dans le sens où il faut s'ouvrir et rester attentif pour accueillir une partition si riche. En bis, le soliste grec a interprété un joli mouvement de sonate de Bach.

7e symphonie
Après l'entracte, c'est l'apothéose. Cette 7e symphonie jouée par cet orchestre dirigé par ce maître de musique, c'est une histoire traditionnelle et fougueuse que l'on pourrait écouter tous les soirs, à en devenir fou. Elle commence par un accord de violoncelles et de contrebasses annonçant un thème sévère, avant que l'orchestre ne s'embrase vivement dans une explosion saisissante. Un premier mouvement qui s'achève dans un long murmure sombre soulignant l'état de l'auditeur, figé par tant d'émotions. Ensuite, le son continue de prendre possession du corps et de frôler la peau en distillant nostalgie, angoisse, nervosité, tourment, beauté, tension et puissance grâce à des sonorités profondes. Elle se termine dans un final hallucinant.
La salle, silencieuse, manifeste alors sa joie par des applaudissements sincères et bruyants ; les mains sont rouges, les "bravo" et "merci" fusent... On voudrait que ça ne s'arrête jamais. Et Riccardo Chailly, qui a lu l'envie dans le vacarme du public, annonce très simplement à ce dernier : "Danse Slave n°2". Dans une ambiance plus joyeuse, on profite alors encore d'un moment dvorakien délicieux. L'enthousiasme est tel que le généreux chef d'orchestre souriant s'adresse une nouvelle fois à la salle : "Danse Slave n°7". Deux rappels, et de cette qualité, c'était inespéré. Tout le monde finit par se lever pour offrir à cet ensemble une ovation méritée.

Une leçon de direction. Divin.

Black Swan - Darren Aronofsky

2011-02-27T21:49:00.004+01:00

Natalie Portman n'est toujours pas remise de son rôle de jeune ballerine sombrant peu à peu dans la psychose. Et moi je ne suis toujours pas remise de ce film noir fascinant, le dernier film de Darren Aronofsky : Black Swan. Deux semaines et demie. Deux semaines et demie que les mots ne viennent pas, qu'ils se bousculent pour être choisis : perturbant, captivant, sublime, angoissant, déstabilisant, fantastique, étourdissant, brillant, fou...

Darren Aronofsky s'est penché sur les problématiques du monde de la danse classique, et plus particulièrement sur la recherche de l'excellence et les sacrifices à faire pour y parvenir. Il est alors tombé dans un monde d'obsessions, de dépassement de soi, de douleurs et de violences corporelles et mentales, qu'il a poussé jusqu'à la schizophrénie en se concentrant sur l'expérience d'une nouvelle soliste perfectionniste et fragile, privée lors des répétitions du corps de ballet. Un statut suscitant jalousie et donnant naissance à une compétition réelle mais aussi à des rivalités fantasmées.

Nina prépare les deux rôles principaux du Lac des cygnes. Pour cela, elle est obligée de passer par une métamorphose. Car, si elle est la danseuse idéale pour le rôle du cygne blanc grâce à sa technique et sa finesse d'interprétation, elle doit travailler à se libérer pour pouvoir exprimer la passion sauvage du cygne noir, un sentiment qu'elle ne connaît pas. Cette dualité se projette inévitablement sur l'autre : Lily, jolie danseuse pour qui le rôle semble naturel. Et la mise en abîme du Lac des cygnes ne se limite pas à la figure délicate et au double sombre, mais montre également le maître de ballet, Thomas Leroy, assimilé à l'inquiétant Rothbart. Progressivement, Nina est de moins en moins timide, de moins en moins rigide : elle s'affirme, et passe de l'enfance à l'âge adulte (non sans brutalité et instabilité) ; on est clairement dans le film d'apprentissage, le conte de danseuses.
Cette descente aux enfers liée à une quête de la perfection (que l'on retrouve chez le réalisateur lui-même) donne lieu à une variation de genre. On bascule du docu-fiction sur l'univers du ballet vers un film d'épouvante. Et si on ne cesse de lire que Black Swan est un thriller psychologique, c'est aussi un exercice de style. C'est un long métrage puissant, qui traite certains archétypes avec autant de réalisme que de poésie. Et tout est maîtrisé : l'intrigue, les décors, la mise en scène, la photographie, et la musique, de Clint Mansell, se mariant à merveille à celle de Tchaïkovski.
Évidemment, outre les interprétations réussies de Mila Kunis (Jackie dans That's 70's Show), Vincent Cassel et Winona Ryder, c'est Natalie Portman (New York, I Love You, Brothers, Hotel Chevalier) que l'on remarque le plus, par une performance époustouflante. Elle est sidérante. La majorité des spectateurs semblent la découvrir enfin, alors que c'est une actrice virtuose depuis Léon (Garden State, Closer, V pour Vendetta, Les Fantômes de Goya...). Elle a toujours bien choisi ses rôles et s'est préparée avant d'en accepter un aussi dangereux et viscéral que celui de Nina, danseuse étoile tourmentée du New York City Ballet.

Le seul point faible de Black Swan, c'est qu'on aurait aimé qu'il ne fasse pas partie de la culture de masse. Tant de créativité artistique gâchée par des bruits de pop-corn, des discussions bruyantes, des réactions inappropriées et autres comportements irrespectueux, c'est pitoyable. Black Swan est un long métrage tendu et rythmé, qui ne relâche jamais la pression, et dont on ressort épuisé. Alors oui, les touristes du cinéma qui viennent se divertir pour tenter de briller en société, c'est pénible.

Pour terminer sur une note positive : à un moment, le maître de ballet dit qu'un artiste n'est rien s'il n'a pas de vie en lui ; Natalie Portman déborde de vie jusqu'à nous en insuffler le temps du film.

Tron : Legacy - Joseph Kosinski

2011-02-12T23:59:00.006+01:00

Ce mercredi 9 février 2011, sortait le film que Daft Punk a mis en musique : Tron : Legacy, réalisé par Joseph Kosinski. Cette suite du Tron de 1982 (signé Steven Lisberger) a fait se déplacer les geeks dans les salles de cinéma. Et les geeks, c'est attentifs et respectueux, pas comme les nombreux touristes cinématographiques qui viennent peupler les salles obscures quand il faut voir un film...

Inutile de tirer à la ligne, il n'y a pas grand-chose à dire sur ce film. Si on voulait l'encenser ou le massacrer, on pourrait s'étendre longuement sur le sujet, mais finalement, Tron : Legacy n'est qu'un bon divertissement ayant bénéficié d'une publicité hors norme.

Donc non, Tron : Legacy n'est pas un grand film. Il ne faut pas y chercher de réflexions complexes, ni s'attendre à un scénario de qualité. L'intrigue est maigre, les dialogues très simples et les acteurs s'en tiennent au strict minimum ; et on aurait voulu voir davantage Cillian Murphy (Inception)... Mais ce long métrage a le mérite de ne pas ennuyer le spectateur.

Alors, peut-être est-ce majoritairement grâce à la remarquable bande originale de Daft Punk. Peut-être est-ce aussi un peu grâce au visuel proche de la perfection que l'on reste dans la grille. Car, vingt-neuf ans après, les studios Disney ont heureusement évolué, et proposent un remake (même cheminement, rappels de scènes et réplique identique au début) en même temps qu'une suite.

Daft Punk has ruled the grid.

Le Discours d'un roi - Tom Hooper

2011-02-11T00:09:00.002+01:00

Avec Le Discours d'un roi, Tom Hooper entre dans la cour des très grands réalisateurs. Ce Britannique ayant surtout travaillé pour la télévision pose un regard juste et respectueux sur l'histoire du père d'Elizabeth II (actuelle reine du Royaume-Uni), George VI ; et propose un long métrage aussi majestueux qu'intime.

À la première lecture, Le Discours d'un roi montre un futur monarque humain, dont le combat contre un bégaiement handicapant témoigne de son courage. Mais dans le fond, le film se penche sur une belle histoire d'amitié, entre un orthophoniste et son patient. Et l'on y voit aussi, au niveau du contexte historique, la dimension que prend la parole à l'heure des retransmissions radiophoniques des discours royaux.
Ce long métrage profond est magnifié par l'élégance de la mise en scène. Il est intelligemment écrit (dialogues nerveux, humour anglais) et interprété à la perfection. Colin Firth continue sa démonstration après un jeu déjà excellent dans A Single Man, et Geoffrey Rush est magistralement trivial et exubérant. Trois merveilleux acteurs de l'adaptation de Harry Potter sont également au générique : Helena Bonham Carter (vue l'année dernière dans Alice au pays des merveilles) en femme compréhensive, patiente mais jamais effacée ; Michael Gambon en autoritaire roi George V ; et un drôle de Timothy Spall en Winston Churchill.
Quant à la bande originale... Alexandre Desplat (The Queen, L'Étrange Histoire de Benjamin Button, Fantastic Mr. Fox, The Ghost Writer, Harry Potter 7) a composé l'une de ses plus belles œuvres. Délicate et puissante, à l'instar d'un film qui n'en met pas plein la vue mais qui marque le spectateur ; surtout en terminant sur une note forte et tendue : la scène du discours final, avec, en accompagnement, la 7e symphonie de Beethoven.

Du cinéma, du grand.

Au-delà - Clint Eastwood

2011-02-07T23:39:00.001+01:00

Clint Eastwood est-il déjà passé du côté des morts ? C'est une question légitime que l'on peut se poser après avoir vu son dernier film : Au-delà. Même s'il y a quelques bonnes idées, que certaines séquences sont bonnes et que le film n'est finalement pas mauvais, Au-delà est bien loin de ce à quoi nous avait habitué le réalisateur.

Déjà avec Invictus, Eastwood n'avait pas convaincu tout le monde. Mais l'on pouvait néanmoins le défendre corps et âme. Il n'en est pas de même pour Au-delà. Musique outrancière (signée par le réalisateur lui-même), propos plutôt vides, faute de casting et fin des plus bâclées plongent le film dans un abîme dont il ne sort pas.
Parce qu'en fait, Clint Eastwood a réalisé trois films en un, et est alors passé à côté de la profondeur. Si l'histoire du voyant maudit et celle du petit garçon en deuil proposent quelques émotions intéressantes, Cécile de France rend la sienne grotesque. Son interprétation pitoyable (a-t-elle déjà été crédible ?) fait tâche et emporte un tiers du film dans une faiblesse désarmante.
Qui pouvait sauver Au-delà ? Matt Damon (Green Zone), bien sûr. Mais ce n'est pas lui qui brille le plus. Un petit bonhomme lui vole la vedette : George McLaren. Bouleversant, ce jeune acteur (qui interprète les rôles des jumeaux) tente de porter le film à bout de bras, avec l'aide de quelques solides seconds rôles. Heureusement, donc, que Damon et McLaren sont là ; leurs histoires et leur relation aurait dû être approfondies. Clint Eastwood n'avait-il rien à dire sur le sujet ?

Quand on met en regard la scène d'ouverture (rythmée et puissante) avec le final (honteux est un faible mot), on se dit que Clint Eastwood a probablement voulu montrer les deux sens du mot "catastrophe".

Harry Brown - Daniel Barber

2011-02-02T17:29:00.001+01:00

Pour son premier film, Daniel Barber n'a pas fait les choses à moitié. Il signe avec Harry Brown un polar intense et ambitieux, sur la violence du quotidien dans un quartier difficile de Londres, sans prendre parti ni désigner de coupables. Voilà un réalisateur qui maîtrise les silences et les plans lourds de sens, et qui dénonce sans attaquer.

Comme annoncé dans le générique, Michael Caine est Harry Brown. Et Michael Caine est brillant. Récemment vu dans Inception, l'acteur de 77 ans est entouré d'un jeune casting solide : entre autres, l'excellente Emily Mortimer (Match Point, Paris, je t'aime, Shutter Island), Jake O'Connell (II) et Klariza Clayton, deux acteurs de la série Skins, et Ben Drew, le chanteur du groupe Plan B, qui devrait poursuivre sa carrière de comédien et abandonner la musique. Du côté moins jeune, on peut noter la participation réussie de David Bradley (Argus Rusard dans Harry Potter).

Sur le plan technique, le film possède deux points forts : la photographie (de Martin Ruhe, directeur de la photographie sur Control de Anton Corbijn), impressionnante de réalisme en même temps que de beauté malgré des décors sordides, et la musique (de Ruth Barrett et Martin Phipps), soulignée par des cuivres prenants, renforçant l'atmosphère plutôt glauque et participant au malaise du spectateur. Car Harry Brown est un film noir qui appuie là où ça fait mal.

Entre le film d'auteur et le film d'action, le long métrage de Daniel Barber est un tableau réaliste bouleversant, traitant les thèmes de la peur, de la justice et de la vengeance, lesquels sont de plus en plus représentatifs des sociétés d'aujourd'hui. Et si pendant la scène finale, on ne sait plus qui on soutient, c'est parce que, comme le dit si bien Caine, plus personne ne se bat pour une cause, tout le monde lutte pour le plaisir.

Un premier long métrage de qualité, qui trouve son moment le plus tendu et le plus puissant dans la séquence de l'entrepôt des junkies.

9e symphonie de Antonín Dvořák @ Salle Pleyel

2011-01-26T19:19:00.001+01:00

Vendredi 14 janvier 2011, j'aurais pu aller revoir les Chemical Brothers au Zénith de Paris, me prendre des coups et sauter sur du bon gros son électro ; j'aurais aussi pu découvrir les merveilleux Godspeed You ! Black Emperor en live à la Grande Halle de la Villette, me prendre une claque et entrer en transe post-rock. J'ai choisi d'aller écouter, entre autre, la 9e symphonie de Dvořák, dite "Symphonie du nouveau monde", à la Salle Pleyel.

Je pourrais m'arrêter là. D'abord parce que ça a son charme, le mystère... Mais surtout parce qu'il m'est difficile de mettre des mots sur la musique classique. Pour moi, c'est une histoire de ressenti, et ma connaissance de la musique, dans son sens le plus pur, est lacunaire. Je vais même jusqu'à entendre les mêmes notes dans l'œuvre Fanfare for the Common Man de Aaron Copland, magnifiquement jouée en ouverture de soirée, que dans la partition de Daft Punk pour le film Tron : Legacy. C'est dire si ma critique pourrait être de mauvaise qualité.

Alors, je pourrais écrire sur l'acoustique parfaite de la Salle Pleyel, m'énerver à propos des auditeurs irrespectueux ou m'extasier sur la technique de la violoniste Hilary Hahn, qui interprétait le concerto pour violon de Gian Carlo Menotti en première partie. Mais ça sonnerait faux. Ou plutôt, ça cacherait mes faiblesses. La vérité, c'est que je me suis sentie toute petite, que mes oreilles ont profité de cette histoire musicale en quatre mouvements, et que mes yeux n'ont cessé d'admirer la finesse du toucher et la virtuosité des musiciens de l'Orchestre philharmonique de Radio France.

La musique classique me fascine et m'emporte, et l'expérience du live est vraiment unique. Ce n'était pas ma première fois, mais c'était tout comme. La 9e symphonie de Dvořák est vraiment un chef-d'œuvre ; entre ascension vertigineuse de cordes et intervention de cors tout en puissance, de flûtes et de hautbois délicats, la contradiction des sentiments est palpable.

Cette soirée, sous la direction de l'énergique Pietari Inkinen, a été une réussite musicale et émotionnelle.

Même la pluie - Icíar Bollaín

2011-01-25T22:49:00.005+01:00

Icíar Bollaín, actrice, réalisatrice et scénariste espagnole, réalise un long-métrage maîtrisé aux sujets croisés. Même la pluie aurait pu se perdre dans l'analogie ; ce n'est pas le cas. La mise en scène équilibrée dénonce avec sensibilité la situation de l'Amérique Latine du XVIe siècle et celle du XXIe siècle.

C'est donc entre le tournage du film de Sebastian sur la colonisation de l'Amérique Latine par les Espagnols et la "guerre de l'eau" (qui a fait rage en Bolivie en 1999) menée par l'un des figurants boliviens, que la réalisatrice et son scénariste (Paul Laverty, complice de Ken Loach) emmènent le spectateur. Le parallèle entre les deux époques est évident, et s'il dénonce le contexte socio-politique de la Bolivie (et par extension, celui de l'Amérique latine), c'est l'aventure humaine qui, finement, se révèle essentielle.
En effet, les personnages principaux, celui du réalisateur (Gael García Bernal ; Amours Chiennes, La Mauvaise Éducation, Carnets de voyage) et celui du producteur (Luis Tosar, The Limits of Control) se dressent chacun à leur manière contre les injustices. L'un s'enfonce dans son obsession de dénoncer à travers l'art, l'autre se détache de ses obligations financières pour sauver un figurant du film, acteur principal de la révolution en marche : Daniel (Carlos Aduviri), et sa fille, également figurante.
Quant aux comédiens, ils sont impeccables. Même les seconds rôles, comme celui de Carlos Santos, qui campe un acteur charismatique et courageux mais terriblement seul et alcoolique, sont justes. Cela donne de la profondeur aux propos sur la colonisation et la mondialisation. Et sans s'emmêler dans ces sujets, la réalisatrice propose également une réflexion sur le processus de création (le film à l'intérieur du film) et sur la nécessité de montrer la vérité au monde (la cadreuse désirant capturer des images pour un documentaire) ; parce que, si raconter l'Histoire est important, la vivre, en être conscient et ne pas la laisser se répéter est primordial.

Un beau moment de cinéma, plein de poésie. Une leçon d'humanité.

Pianomania - Robert Cibis & Lilian Franck

2011-01-17T16:59:00.000+01:00

Le premier film intéressant, captivant et même fascinant de l'année 2011 est un documentaire : Pianomania de Robert Cibis et Lilian Franck. On y suit Stephan Knüpfer, un accordeur de pianos chez Steinway & Sons, un magicien du son, devant répondre aux moindres désirs des plus grands pianistes du monde.

Au niveau cinématographique pur, Pianomania n'a rien d'extraordinaire ; la réalisation n'est pas son point fort, et le montage souffre de plans intermédiaires inutiles sur les rues de Vienne ou des paysages quelconques. Pourquoi alors aller voir ce film ? Parce que le sujet est tellement fin et bien traité que l'on se laisse emporter par la folie de ces névrosés du son à la recherche de la perfection.
Travaillant sans relâche pour atteindre un idéal, auprès de grands pianistes comme Lang Lang ou Pierre-Laurent Aimard, Stephan Knüpfer se révèle être un personnage hors du commun mais discret, talentueux mais humble. C'est une sorte de génie humain, patient, compréhensif, réaliste, impliqué, concentré ; et surtout, c'est un homme passionné et passionnant.
En filmant ce métier exigeant précision et adaptation à n'importe quel environnement (différentes salles de concert, prise de son pour enregistrements...), Robert Cibis et Lilian Franck montrent combien les mains et les oreilles d'un accordeur sont aussi précieuses que celle d'un pianiste. Et même si l'on ne baigne pas dans cet univers singulier et plutôt fermé, il est impossible de rester insensible à cet amour pour le son, et plus particulièrement pour le piano.

Un documentaire dont l'obsession et la prise de son devraient être un exemple dans certains autres milieux musicaux.

Somewhere - Sofia Coppola

2011-01-07T20:49:00.002+01:00

Le premier film très attendu de l'année déçoit malgré quelques jolis moments. Somewhere de Sofia Coppola ne répond pas aux attentes que l'on pouvait avoir concernant la réalisatrice de Virgin Suicides, Lost in Translation et Marie-Antoinette.

D'abord, la première scène annonce le rythme du film : il sera monotone, répétitif, à la limite de l'ennui. Le sujet de Somewhere ("Quelque part"), c'est le vide de cet acteur hollywoodien réfugié dans la suite 59 de l'hôtel du Château Marmont, qui ne sait pas qui il est ni ce qu'il veut. Perdu entre filles (on ne s'attardera pas sur le fait psychologique perturbant qu'elles sont toutes blondes comme sa fille, et que l'une d'entre elles a un physique très enfantin), argent, alcool, chagrin et déprime, Johnny Marco va peu à peu reprendre goût à la vie grâce à Cléo, sa fille de onze ans.
La réalisatrice filme avec sincérité ce lieu mythique où elle a habité, et a décelé l'alchimie qui se créerait entre ses acteurs principaux : Stephen Dorff (Cecil B. Demented), à qui elle donne la possibilité de montrer l'ampleur de son talent, et Elle Fanning (L'étrange histoire de Benjamin Button, Babel), qui n'a pas encore la prestance de sa sœur mais qui choisit mieux ses rôles (Dakota a beaucoup tourné après Sam, je suis Sam pour enfin se démarquer en interprétant Cherry Currie dans The Runaways).
Mais le scénario est faible, les scènes d'ouverture et de fermeture sont une métaphore trop facile (et il n'y a pas que celle-là), les silences se font trop présents (même si Sofia Coppola travaille les non-dits, il y a des limites), et si la musique est signée Phoenix et attire nombre de fans, on retient plutôt la présence des Foo Fighters, des Strokes, de Police, de T. Rex, de Sébastien Tellier (scène également francisée par la présence de Aurélien Wiik) et de Amerie (One Thing étant sa seule chanson excellente). Les Versaillais ont fait un travail de production plus que de composition.

Somewhere est loin d'être mauvais, mais la bande-annonce montrait tout et le long métrage perd de sa fougue.

Love et autres drogues - Edward Zwick

2011-01-05T14:49:00.001+01:00

Premier film de 2011, un film de la fin 2010, et première déception de l'année : Love et autres drogues de Edward Zwick. On y allait pour les deux acteurs principaux, Jake Gyllenhaal et Anne Hathaway, on ressort ahuri par l'ennui que cette adaptation de Hard Sell : The Evolution of a Viagra Salesman (ouvrage de Jamie Reidy) peut provoquer.

Le film commence pourtant bien, tout en musique et en énergie. On s'installe volontiers dans cette histoire qui promet de dépasser le niveau des comédies romantiques habituelles. Mais cette romance fait des promesses qu'elle ne tiendra pas. Au début de la deuxième moitié, quand l'ennui commence à se faire sentir, on tombe dans les clichés qu'une morale consternante vient relever.

Ce qui est étonnant, c'est que malgré une mise en scène excessive, soumettant trop de séquences sexuelles et trop de séquences tout court, le couple Jake Gyllenhaal (craquant) et Anne Hathaway (lumineuse) demeure juste et touchant. De vrais comédiens qui réussissent à maintenir le spectateur impatient que cela se termine au fond de son siège.

Ce long métrage très moyen, mêlant amour, maladie et dénonciation des pratiques de l'industrie pharmaceutique, ne trouve aucun équilibre, même au niveau de la bande-son (médiocre). Et sans la critiquer (ou en tout cas pas assez clairement pour un public moins averti), le réalisateur montre la débilité des gens qui pensent que le bonheur passe par le sexe, qu'il est honteux d'être impuissant et qu'il existe une solution médicamenteuse. Consternant. Il est temps d'oublier et de passer à 2011.

Un film qui vise au-dessus de la moyenne du genre et qui n'y parvient pas.

Sélection des 15 meilleurs films de 2010

2011-01-02T23:59:00.001+01:00

Cette année, impossible de faire un top 10 : il y a eu trop d'excellents et de très bons films. Voilà donc les quinze meilleurs, sur une cinquantaine de longs métrages vus en 2010.
De l'émotion, de la réflexion et même de la détente intelligente ; on aimerait juste un peu moins de spectateurs irrespectueux pendant les séances.

Dog Pound – Kim Chapiron

Brothers – Jim Sheridan

Shutter Island – Martin Scorsese

Inception – Christopher Nolan

Scott Pilgrim – Edgar Wright

Dragons – Chris Sanders & Dean Deblois

The Social Network – David Fincher

Les Petits Mouchoirs – Guillaume Canet

Invictus – Clint Eastwood

Green Zone – Paul Greengrass

Elle s'appelait Sarah – Gilles Paquet-Brenner

A Single Man – Tom Ford

The Ghost Writer – Roman Polanski

Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 1) – David Yates

The Town – Ben Affleck

Bonus !

Cinq films qu'il ne faut pas manquer non plus.

Sound of Noise – Ola Simonsson & Johannes Stjärne Nilsson

Raiponce – Byron Howard & Nathan Greno

When you're strange – Tom DiCillo

In the Air – Jason Reitman

Machete – Robert Rodriguez

Après une telle année de cinéma, plus active qu'en 2009, on espère que l'an prochain réservera d'aussi bons moments, en passant davantage de temps dans les salles obscures.

Sélection des 10 meilleurs albums de 2010

2011-01-01T23:59:00.004+01:00

L'année 2010 a été plutôt bonne concernant les sorties d'albums ; entre nouveautés et confirmations, certains artistes se sont bien débrouillés, surtout quand on constate que de plus en plus de productions médiocres voient le jour.
Ces dix albums sont puissants, délicats et profonds, ce sont les meilleurs des douze derniers mois.

Go – Jónsi
Tron : Legacy – Daft Punk
The Magician's Private Library – Holly Miranda
Crystal Castles – Crystal Castles
There is Love in You – Four Tet

Contra – Vampire Weekend

Total Life Forever – Foals
Scratch My Back – Peter Gabriel
Sea of Cowards – The Dead Weather
Mines – Menomena

Bonus !
Même s'ils n'ont pas complètement rythmé 2010, ils ont une longue vie devant eux.

Brothers – The Black Keys

Innerspeaker – Tame Impala
Church with no Magic – PVT

Les oubliés de 2009 : deux chefs-d'œuvre musicaux qui méritent amplement leurs places au sommet des tops.

This is War – 30 Seconds to Mars

No More Stories Are Told Today I'm Sorry They Washed Away, No More Stories The World Is Grey I'm Tired Let's Wash Away – Mew

Il y aura très certainement des oubliés de 2010 dans la sélection de 2011, mais ceux qui représentent l'année écoulée sont là.

Sélection des 10 meilleurs concerts de 2010

2010-12-31T23:59:00.039+01:00

La fréquentation des salles de concert cette année a été moins assidue que l'an dernier, comme annoncé dans la sélection des 10 meilleurs concerts de 2009.

Si l'envie et les émotions se font plus rares, notamment à cause du public, ces dix concerts ont été de véritables moments de bonheur.

Jónsi @ Bataclan – 7 juin
Muse @ Casino de Paris – 25 mai
Vampire Weekend @ Olympia – 25 février

Holly Miranda @ Album de la Semaine - 2 février
Archive @ Printemps de Bourges – 14 avril

Foals @ Rock en Seine – 27 août
Rodrigo y Gabriela @ Printemps de Bourges – 16 avril
Massive Attack @ Rock en Seine – 28 août
Peter Gabriel @ Bercy – 22 mars
Kasabian @ Olympia – 8 février

Bonus !

Connues ou moins connues, ce sont des valeurs sûres en live.

Them Crooked Vultures @ Zénith de Paris – 8 juin

Jónsi @ Rock en Seine – 28 août
Aufgang @ La Machine – 25 mars
Rodrigo y Gabriela @ Zénith de Paris – 19 novembre
I Like Trains @ Flèche d'Or – 17 décembre

L'année 2011 ne sera pas plus dédiée aux concerts, voire moins, mais si le cru est de cette qualité, ce sera un plaisir.

Megamind - Tom McGrath

2010-12-30T23:59:00.001+01:00

Après le Raiponce de Disney, on enchaîne avec un autre dessin animé (en cette période de fin d'année, qui ne retombe pas en enfance ?) : Megamind des studios Dreamworks. Un petit moment de détente intelligente.

Megamind est né avec l'envie de faire le bien, mais Megamind ne sait bien faire que le mal. Il devient alors un superméchant et ne cesse de se battre contre le défenseur de Metrocity, Metroman, son adversaire depuis toujours. Il est accompagné de Nounou, un piranha attendrissant dans un corps robotique.
Dès le début, on sait que Megamind a un fond gentil, et qu'il a choisi la voie de la méchanceté ; on attend donc le retournement de situation, comme pour Gru dans Moi, moche et méchant. À croire qu'on ne verra jamais de méchant animé triompher.
Servi par une bande son rock'n'roll (avec AC/DC et en partie signée Hans Zimmer), le scénario est inventif et heureusement soutenu par le héros principal. Car, même si Metroman est agaçant de perfection, Titan diaboliquement bête et la journaliste Roxanne Ritchie antipathique (utilisant parfois un vocabulaire gâchant la finesse du film), c'est bien le bleu Megamind que l'on suit des yeux !

Tom McGrath réalise un film drôle, dont la 3D est efficace ; Dreamworks est cependant loin de son Dragons.

Raiponce - Byron Howard & Nathan Greno

2010-12-27T12:49:00.000+01:00

Depuis plusieurs années, le traditionnel Disney perd nombre de spectateurs, lesquels préfèrent aller voir les productions en images de synthèse de Pixar, Dreamworks et autres. Pourtant, la relecture moins sombre du conte des frères Grimm, Raiponce, c'est l'œuvre des studios Disney. La renaissance des pionniers viendrait-elle avec ce très bon film ?

En début d'année, sortait La Princesse et la Grenouille, un dessin animé signé Disney qui renouait avec le charme d'antan tout en modernité, mais qui manquait cruellement de cette magie subtile faisant la gloire des studios. Ce mois-ci, Raiponce, une jolie jeune fille à la longue chevelure magique, illumine les salles obscures accompagnée de son fidèle caméléon, Pascal, l'un des plus attachants personnages secondaires de toute l'histoire de Disney.
Malgré des chansons moyennes qui n'entreront pas dans la légende, et une scène d'exposition trop longue, Raiponce est un conte de fées classique mais percutant ; une romance solide, drôle et rythmée, qui ne tombe jamais dans la niaiserie. Et en compilant les références (une princesse qui ne sais pas qu'elle en est une, comme dans La Belle au bois dormant ; un prince des voleurs qui rêve d'une vie de château, comme dans Aladdin ; ou encore la scène de la barque, qui ressemble à celle de La Petite Sirène), force est de constater que Disney veut revenir au sommet.

Néanmoins, cette volonté de bien faire tombe dans l'excès avec le choix de la 3D. En effet, Byron Howard et Nathan Greno ont tout fait pour que Raiponce soit un chef-d'œuvre, mais cette technique, qui dans certains films pallie une insuffisance de travail sur le fond, était inutile, voire même de trop.

Disney est sur le bon chemin !

White Lies, I Like Trains & The Vaccines @ La Flèche d'Or, Inrocks Indie Club

2010-12-22T18:39:00.005+01:00

Le 17 décembre 2010 à La Flèche d'Or, c'était une soirée de premières fois pour les trois groupes de rock anglais qui jouaient lors de la dernière soirée Inrocks Indie Club de l'année. The Vaccines donnait son premier concert en France, I Like Trains remontait pour la première fois sur scène depuis la guérison de son batteur, et White Lies, trio devenu quintette en live, interprétait ses morceaux dans cette configuration pour la première fois en France.

The Vaccines

Reviendrait-on au rock anglais efficace et sale ? Le groupe inconnu pour la grande majorité du public propose des chansons courtes et immédiates, sans prise de tête ni accoutrements fashion. The Vaccines, c'est un chanteur volontaire, un bassiste amorphe, un guitariste lobotomisé qui scrute le fond de la salle, et un batteur complètement investi, transcendé dès la première chanson comme si c'était la fin du concert, et ce malgré (ou peut-être est-ce la cause d'un tel déchaînement) un état de sobriété douteux. Tout n'est pas excellent, mais c'est une jeune formation à suivre de près, avec, pour commencer, la sortie de leur premier album en mars prochain.

I Like Trains
On reste dans le rock, mais on change radicalement d'ambiance avec I Like Trains. Et hormis quelques quarantenaires (cinquantenaires ?) qui pensent retrouver leur jeunesse dans la bière, et qu'il faut faire taire pour profiter de la musique car ils n'y comprennent rien, une partie de l'audience est polie, l'autre absorbée. Il faut dire que ce groupe post-rock originaire de Leeds impose le respect. Ils transpirent le professionnalisme, ont une attitude posée mais savent se lâcher quand c'est nécessaire. En live, leur musique prend une dimension plus intense, profonde et puissante que sur album, même si la voix reste discrète. Le groupe offre un final impressionnant, progressif et apocalyptique avec un morceau de dix minutes : Spencer Perceval. À revoir sans hésiter pour un concert plus long !

White Lies

En attendant White Lies, on peut se demander pourquoi l'individu qui accorde la guitare de Harry s'y attarde à plusieurs reprises, et surtout, on peut râler sur le changement de setlist effectué à la dernière minute : ils suppriment l'excellente From the Stars pour ajouter une chanson de leur deuxième album prévu pour janvier, Streetlights. Ils auraient franchement pu ajouter la nouvelle sans supprimer l'ancienne...
Quatuor lors de leur prestation en première partie de Muse le 12 juin au Stade de France, WL s'agrandit encore pour former un quintette. Il y a donc certes plus de musiciens, mais ils n'ajoutent rien de plus intéressant que ce que faisait le trio à ses débuts (en 2009 à Montréal, par exemple...). D'ailleurs, même si le groupe est là pour commencer la promotion de Ritual, il s'assure que le public trouve ses repères en ouvrant le concert sur A Place to Hide et en le clôturant sur Death, chansons de leur premier album To Lose My Life. Entre-temps, on chante et on saute sur To Lose My Life, Bigger than Us (le nouveau single), E.S.T. et Unfinished Business, et on découvre Holy Ghost, Peace & Quiet, Strangers et Streetlights. Ces dernières sont malheureusement trop soulignées par des synthétiseurs superflus. Un peu, c'est agréable (notamment sur Bigger than Us), mais la présence des synthés sur toutes les nouvelles chansons, c'est décevant : on tombe dans des répétitions d'ambiances, même si cela reste de bonne qualité.
L'ensemble de la prestation se révèle donc tout de même plus sérieux que leur passage à l'Élysée Montmartre le 28 octobre 2009, l'interprétation des compositions étant plus travaillée, plus sombre, plus juste, comme la voix de Harry. De plus, Charles, le bassiste et compositeur, vit pour sa musique et transmet au public son amour pour elle, et Jack, le batteur, est tout simplement parfait. WL gâche son entrée de rappel avec le son synthétique ruinant la mélodie d'introduction de Farewell to the Fairground, qui se termine toutefois parfaitement. Puis, les Anglais proposent un nouveau morceau prometteur, Power & Glory, avant d'offrir Death à une Flèche d'Or comblée. White Lies est un très grand groupe qui doit confirmer son statut avec son deuxième album prévu pour le 17 janvier. On a hâte d'entendre l'intégralité de Ritual en studio !

La dernière soirée Inrocks Indie Club de l'année était aussi le dernier concert de 2010 pour CotNS. Une soirée bien plus équilibrée que celle des Inrocks Indie Club du 23 juin dernier à La Maroquinerie, avec des performances qui prouvent que l'on peut encore être surpris et touché en live.

Sound of Noise - Ola Simonsson & Johannes Stjärne Nilsson

2010-12-20T17:59:00.000+01:00

Sound of Noise, c'est la version longue de Music for one appartment and six drummers, court métrage époustouflant de 2001 mettant en images un concert de percussionnistes en quatre mouvements : Cuisine, Chambre, Salle de bains et Salon. Avec leur premier long métrage, les réalisateurs suédois Ola Simonsson et Johannes Stjärne Nilsson imposent un style déjanté, original, décalé, libre, déconcertant, fou, délirant, frappé, dément... Bref, complètement "barré".

Amadeus Warnebring (Bengt Nilsson) est né dans une illustre famille de musiciens. Son prénom le prédestinait à une grande carrière musicale, comme son petit frère devenu célèbre chef d'orchestre, mais Amadeus est allergique à la musique. Il la déteste. Pourtant, celle-ci va la rattraper jusque dans son métier, policier. Car Amadeus doit se lancer à la poursuite de terroristes musicaux qui sévissent dans la ville : six percussionnistes souhaitent réaliser un concert en quatre mouvements ; d'abord dans un hôpital, puis dans une banque, devant un auditorium ensuite et finalement dans une centrale électrique.

Rythmé par un métronome jouant avec les nerfs de l'inspecteur Warnebring, Sound of Noise est un film sérieux mais plein d'humour, qui véhicule des idées anarchistes en présentant un travail expérimental sur les sons. La recherche sonore est impressionnante et les Six Drummers font preuve d'une rare ouverture d'esprit en détournant avec talent des objets du quotidien. On pourrait cependant reprocher à ces chirurgiens du son de faire la guerre à la musique classique, laquelle endosse injustement le mauvais rôle.

Au-delà de la prédominance des bruits musicaux, et même des silences, l'image est éclatante. Le travail de la directrice de la photo, Charlotta Tengroth, est remarquable, et la réalisation est proprement travaillée. Sound of Noise, c'est plus qu'un film, c'est un concept artistique génial, une œuvre musicale visible, un OFNI (objet filmé non identifié). Ce n'est pas une comédie musicale, c'est un drôle de film sur la musique, à voir en version originale pour profiter de la musicalité de la langue suédoise, ajoutant un peu plus d'absurdité à la chose.

La seule fausse note : une fin un peu faible...

Scott Pilgrim - Edgar Wright

2010-12-17T23:59:00.003+01:00

Un phénomène pour fêter la première année de Curse of the Ninth Symphony.

Scott Pilgrim, c'est le héros éponyme d'un excellent comic book canadien, né du brillant esprit de Bryan Lee O'Malley. Les six volumes, un concentré de culture pop et geek, ont été adaptés par Edgar Wright. Le réalisateur signe un très bon film culte, visuellement maîtrisé, et écrit ainsi que monté sur le modèle de la bande dessinée : dialogues vifs, transitions brutales et, détail propre à Scott Pilgrim, incorporation des éléments du jeu vidéo (aussi bien visuels qu'auditifs).

Scott doit affronter et vaincre les sept ex-petits amis maléfiques de Ramona pour être avec elle. Dit comme ça, ce n'est pas très palpitant. Mais passer à côté du comic book comme du film serait une grosse erreur ! Car Scott Pilgrim, c'est drôle, rythmé et générationnel. Et dès la première seconde de la bobine du film (légèrement abîmée, à croire que Scott Pilgrim est décidément maltraité en France : sortie tardive au cinéma, à l'affiche dans soixante-quatre salles en France, quatre à Paris, et durée ultra-limitée), on entre dans l'univers Scott Pilgrim. Le ton est donné par un logo Universal pixelisé accompagné du célèbre thème en version 8-bit ; on ne peut s'empêcher d'esquisser un sourire.
Pour filmer Toronto (les lieux du comic book existent vraiment), les Sex Bob-omb (groupe de rock dans lequel joue Scott) et les combats de superpouvoirs à la fin desquels le perdant se désagrège en pièces de monnaie, Edgar Wright s'est entouré, entre autres, de Bill Pope (directeur photo de la trilogie Matrix) à l'image et de Nigel Godrich (producteur de Radiohead) pour la musique originale ; pas n'importe qui, donc. Côté casting, Michael Cera (Juno, Une Nuit à New York) interprète brillamment Scott ; Mary Elizabeth Winstead (Boulevard de la mort) est juste, mais a parfois le regard vide comparé à la magique Ramona fictive ; Alison Pill (Milk) est étonnante en batteuse, même si on ne la voit que peu ; Jason Schwartzman (voix dans Fantastic Mr. Fox cette année) est parfait en Gideon ; mais Anna Kendricks (In the Air), qui joue Stacey, la sœur de Scott, est censée avoir moins de 20 ans et ses 25 la trahissent. Certains visages connus de séries sont présents, comme Brandon Routh (Chuck) et Brie Larson (United States of Tara), laquelle avait le potentiel d'être bien plus belle dans son rôle de Envy. Pourquoi n'a-t-il pas été exploité ?
Au-delà de minimes erreurs dans le choix des acteurs (on se fait toujours sa propre idée des personnages, même quand ils sont dessinés), la seule chose que l'on peut regretter, c'est que les six volumes sont condensés en un film. Car, malgré la réussite, certains détails ont été évincés ou modifiés, et le plaisir demeure trop court ! La clé du plaisir est donnée par une réplique apparemment anodine, entendue au détour d'une conversation... Dans le comic book, les personnages s'adressent parfois au lecteur et prennent conscience qu'ils font partie d'une histoire découpée en volumes. Cette capacité autoréflexive trouble le lecteur qui peut se laisser aller à imaginer une réalité Scott Pilgrim. Ce rapport à la réalité existe aussi dans le film : l'un des personnages dit rapidement, en plein milieu d'une séquence d'action, que les BD sont mieux que le film. Une réplique qui passe presque inaperçue, mais que l'on peut aussi appliquer à la réalité. Et le film est "awesome", alors comment peuvent être définis les livres ?!

Name : Scott Pilgrim ; Age : a few years (it's a comic book and a movie, dude !) ; Rated : an epic of epic epicness

Machete - Robert Rodriguez

2010-12-08T22:59:00.001+01:00

À peine sorti en salle, Machete était déjà culte grâce au teaser. Confirmation avec ce long métrage aussi drôle que violent, digne du réalisateur, scénariste, monteur et producteur Robert Rodriguez (Sin City, Planète Terreur). Machete, à l'origine, c'était une fausse bande-annonce qui ouvrait Planète Terreur. Rodriguez en a fait un film Grindhouse.

Machete, c'est l'histoire d'un homme qui se bat. Mais contrairement à celle de Biutiful, elle est extravagante et filmée sous un angle vintage et parodique. Et si Danny Trejo porte le film, les seconds rôles n'en sont pas moins délectables, avec les bombes Jessica Alba (The Killer Inside Me), Michelle Rodriguez et Lindsay Lohan, et un Robert De Niro en politicien raciste et conservateur.
Machete, c'est cinq tonnes d'action et d'explosion, quelques scènes ultrasexy, beaucoup de sang et d'images gores, une réalisation, un montage et une photo travaillés, sublimés par une bande-son énergique, et des dizaines de répliques aussi ridicules que cultes ("Machete don't text.", "I thought Machete don't text !/Machete improvise.", "Machete sent me a text./What did it say ?/'You just fucked with the wrong Mexican.'").
Machete, c'est simplement un excellent Robert Rodriguez. Un film hommage aux séries B qui explose tout sur son passage, en puisant sa puissance dans la médiocrité.

Machete, c'est bientôt Machete Kills et Machete Kills Again. Mythique.

Biutiful - Alejandro González Iñárritu

2010-12-07T22:29:00.007+01:00

Biutiful n'est pas un mauvais film, mais le réalisateur, scénariste et producteur, Alejandro González Iñárritu, aurait pu mieux faire. Iñárritu, qui a aussi produit Mother and Child cette année, c'est celui qui a offert au cinéma Amours Chiennes, 21 Grammes et Babel. Mais avec ce long métrage, qu'il a coproduit avec les réalisateurs Alfonso Cuarón et Guillermo del Toro, il signe un drame intimiste bien trop misérabiliste.

C'est l'histoire d'un homme, de sa vie, de ses angoisses... Et c'est déjà perturbant quand on a l'habitude des destins croisés scénarisés par Guillermo Arriaga. Mais Iñárritu s'est séparé de ce dernier, et livre une succession étouffante de malheurs liés à la mort, dans une ville sordide habituellement représentée comme festive : Barcelone.
Hormis une scène bouleversante entre un père et sa fille réaliste, et une autre touchante et étrange entre un fils et le cadavre plutôt bien conservé de son père (mort plus jeune que lui), le film, porté par Javier Bardem (prix d'interprétation masculine au festival de Cannes), en fait trop.
L'ensemble aurait mérité des coupes, pour ne pas emprisonner le spectateur dans une triste et lourde fièvre approchant les deux heures et demie. On finirait presque par ne plus être touché, insensible à cette montagne de séquences funestes.

Biutiful conserve une certaine saveur grâce à la langue espagnole qui réchauffe ce film dénué d'espoir.

Red - Robert Schwentke

2010-12-06T16:59:00.003+01:00

Red, de Robert Schwentke, est un film sans prétention qui donne ce qu'il promettait : de l'humour, de la détente et de la qualité. Drôle, délirant et récréatif, tant pour les acteurs que pour les spectateurs, ce long métrage est efficace si l'envie prend certains de s'amuser un peu dans une salle obscure.

D'abord, Red est un exercice de style maîtrisé. On plonge dans une ambiance d'entre-deux mêlant action et comédie. On a sa dose de cascades et d'effets spéciaux, très justement mesurée pour être bluffé et rire en même temps. Le réalisateur ne dépasse jamais la limite qui le ferait tomber dans le kitsch pathétique.
Le choix des acteurs est aussi pour beaucoup dans cette simple réussite. Bruce Willis, Morgan Freeman, John Malkovich et Helen Mirren, ces grands du cinéma à la filmographie bien remplie sont humbles et toujours aussi talentueux, tout en ayant l'air de prendre du plaisir à jouer les "retraités extrêmement dangereux" de la CIA. John Malkovich tout particulièrement, et Morgan Freeman (Invictus), qui en impose toujours autant.
Enfin, dans ce film jamais trop sérieux mais pas dénué de sens pour autant, Karl Urban endosse très bien le costume de l'ambitieux agent de la CIA. On ne réfléchit pas et on se laisse aller...

"I'm getting the pig !"

Harry Potter et les Reliques de la Mort (Partie 1) - David Yates

2010-11-30T23:09:00.005+01:00

Quels sont les films qui vous donnent le sourire dès les premières secondes ? Ceux qui vous font entrer dans leur univers avant même qu'ils ne commencent, juste grâce à quelques notes de musiques familières et le logo revisité de l'une des plus grosses sociétés de production et de distribution ? Les films de la saga Harry Potter.

Et peu importe la qualité cinématographique quand on retrouve les personnages de ce monde imaginaire dans lequel on voudrait vivre depuis une dizaine d'année. Mais avec cette première partie du septième volet, Harry Potter et les Reliques de la Mort, David Yates offre un film travaillé, sombre, tendu et passionnant, loin du précédent : Harry Potter et le Prince de Sang-Mêlé. Fini le montage brouillon et les scènes mielleuses d'adolescents : le réalisateur s'est enfin replongé dans le monde magique mais aussi réaliste du sorcier.

Confronté à de multiples drames qui l'éloignent de l'enfance, Harry (Daniel Radcliffe) évolue en dehors de l'enceinte de Poudlard, en compagnie d'Hermione (Emma Watson) et de Ron (Rupert Grint, vu cette année dans Petits meurtres à l'anglaise de Jonathan Lynn). Sans protection, ils se retrouvent face à eux-mêmes et à leurs doutes ; Hermione a lancé un sortilège à ses parents pour qu'ils l'effacent de leur mémoire (la brièveté de la scène n'a d'égal que son intensité), Ron est séparé de sa famille, et Harry a bien du mal à se remettre de la mort de Dumbledore. Yates a donc choisi de ne pas aborder les révoltes des élèves à Poudlard, sans doute pour laisser exploser l'action générale dans la deuxième partie, annoncée par un terrible "Losers !" lancé par Neville aux Rafleurs dans le Poudlard Express. Le réalisateur peut ainsi s'attarder sur des séquences importantes et creuser au plus profond des personnages ; ce que permet la scission de ce dernier volet en deux parties. Il peut prendre le temps de préparer la fin, et, en même temps, de préparer le fan à la bataille ultime qui symbolise la fin de la saga.

Avec cette première partie, le spectateur se détache progressivement de l'univers enchanteur et merveilleux des couloirs de Poudlard. Et si à la lecture du livre on regrettait l'absence des trois amis à l'école (surtout parce qu'on ne voulait pas sortir de cette bulle ensorcelée), on réalisait également combien la décision de Harry était mature, responsable et nécessaire. D'autre part, le climat de guerre et de chasse aux sorciers nés de parents Moldus renvoie le spectateur à une époque pas si lointaine, quand Hitler imposait à l'Europe sa volonté d'exterminer les individus au sang impur selon lui (l'insulte "Sang-de-Bourbe" est cruellement gravée par Bellatrix sur l'avant-bras d'Hermione). On pourrait même étendre la comparaison à aujourd'hui, mais cela entraînerait une trop longue digression socio-politique qui n'a pas sa place dans une critique de cinéma. La suggestion est assez claire, retour au film !

Mélancolique, captivant, ténébreux, lent, surprenant, grave... On est en droit de se poser cette question : Harry Potter et les Reliques de la Mort, Partie 1 est-il filmé par le même réalisateur que celui de l'épisode six ? Certes, Yates est aidé par un livre écrit presque comme un scénario, par des décors noirs, par des paysages aussi vastes qu'inquiétants, par des seconds rôles (Helena Bonham Carter (Alice au pays des merveilles), Alan Rickman, Ralph Fiennes, Dobby...) tous plus brillants les uns que les autres et par une partition signée du très bon français Alexandre Desplat (récemment entendu dans Fantastic Mr Fox de Wes Anderson), mais le réalisateur dévoile une facette plus intelligente dans le traitement soigné du rythme, du ton et de l'émotion plus que de l'action.

Voldemort a fragmenté son âme pour être immortel. Harry, Ron et Hermione sont donc à la recherche des Horcruxes pour les détruire. Mais dans cette quête, les trois jeunes adultes découvrent l'existence des Reliques de la Mort : la Baguette de Sureau, la Pierre de Résurrection et la Cape d'Invisibilité. Et cette sérendipité donne lieu à une séquence d'animation elliptique et audacieuse pour illustrer Le Conte des trois frères. Une idée originale.

La menace va se transformer en apocalypse, et on a hâte de voir ça !

Mother and Child - Rodrigo García

2010-11-29T23:59:00.006+01:00

Destins croisés pour ce film de Rodrigo García produit par Alejandro González Iñárritu. Malheureusement, dix ans après Ce que je sais d'elle... d'un simple regard, le réalisateur, fils de l'écrivain Gabriel García Márquez, n'apporte rien de nouveau à sa façon de filmer les femmes. Encore un long métrage aux histoires entremêlées, mais celui-ci sent le réchauffé.

En effet, malgré un montage correct, la mise en scène est moyenne et le scénario attendu. Rien ne surprend le spectateur : on attend simplement que les scènes arrivent, avec leur lot de clichés sentimentalo-familiaux. Et pour ne rien arranger, la musique trop présente est vraiment médiocre.
Heureusement, Samuel L. Jackson fait bien son travail, et les trois portraits de femmes sont relativement bien joués. Trois femmes pour trois performances différentes. D'abord, la moins bonne : Annette Bening. Elle a pris un sacré coup de vieux, mais celui-ci lui sert finalement pour son interprétation de femme détruite dans son adolescence et jamais remise de ses blessures. Ensuite, si la merveilleuse Naomi Watts (récemment vue dans Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu de Woody Allen) joue habilement son rôle, il faut avouer que c'est Kerry Washington qui crève l'écran en proposant un jeu aussi puissant que touchant. Elle est sublime.
Mais Mother and Child reste un film sur la maternité manquant de profondeur, et tombant dans la mièvrerie et le pathétique avec certaines répliques lourdement répétées telles que : "C'est le temps passé ensemble qui compte et non le sang." Qui a dit "moralisme" ?

Un film convenu qui ravira les moins exigeants.

Les Petits Mouchoirs - Guillaume Canet

2010-11-24T22:59:00.002+01:00

Les petits mouchoirs, ces voiles que l'on pose sur certains défauts ou sur des vérités difficiles à entendre pour ne pas faire de mal à autrui ou à soi-même, ces mensonges blancs, Guillaume Canet les filme avec authenticité et justesse. Après Mon Idole et la confirmation de son statut de très bon réalisateur avec Ne le dis à personne (l'adaptation du livre de Harlan Coben), son troisième long métrage prouve qu'en changeant de style, il ne perd pas de son talent.

Les Petits Mouchoirs, c'est un film sur les ambiguïtés et les compromis d'une bande de copains ; sur l'amitié, tout simplement. C'est un film empreint de mélancolie, un tourbillon d'émotions dont on sort lessivé. C'est un film générationnel, ponctué de phrases cultes. On pleure beaucoup, de rire, parfois jusqu'à se faire mal aux muscles abdominaux (la scène de Marion Cotillard dans l'eau est mémorable), et de tristesse, jusqu'aux sanglots.
Les deux heures et demi, qui pourraient en rebuter plus d'un, passent aisément grâce à la sensibilité cinématographique de Canet et à son regard acéré et profond sur les personnages. Il ne leur trouve jamais d'excuses, et n'en épargne pas un seul. Cela permet aux acteurs de s'exprimer, de prendre vie sans se faire d'ombre. Évidemment, même si le casting presque parfait montre un groupe soudé, certains se démarquent. Benoît Magimel (Vincent) n'a pas été aussi bon depuis longtemps, Marion Cotillard (Marie), récemment vue dans Inception, est définitivement l'une des meilleures actrices de sa génération, François Cluzet (Max) est magistral, comme d'habitude, et le couple qu'il forme (comme à la ville) avec Valérie Bonnetton (Véronique) est d'une justesse rarement filmée. Enfin, Joël Dupuch (Jean-Louis) hérite judicieusement du plus beau rôle.
Un seul regret : le matraquage promotionnel qui ouvre grand la porte aux critiques voulant cracher leur venin sur le réalisateur comme sur son film. L'un des arguments qui reviennent souvent, c'est l'absence d'un scénario pointu. Mais pourquoi toujours encenser les films à scénarios complexes et déprécier les autres ? Il faut savoir apprécier les films simples et très bien réalisés, qui ne sont pas forcément des leçons de cinéma. Les Petits Mouchoirs, c'est le récit d'un moment de vie, sur une bande originale réunissant quelques pépites (Jet, Bowie, Band of Horses...). Une réussite.

Guillaume Canet, le Ben Affleck français.

Rodrigo y Gabriela @ Zénith de Paris

2010-11-22T21:49:00.001+01:00

Cela fait plusieurs mois que la date de Rodrigo y Gabriela au Zénith de Paris est annoncée et attendue : le 19 novembre 2010. Mais c'est seulement cinq jours avant le concert que j'ai été invitée à y assister par une amie que je remercie encore. Parce qu'après les quelques minutes d'attente pour s'installer au premier rang des gradins, et l'impression d'avoir entendue la première partie pendant des heures, il ne faut qu'une ou deux petites secondes pour entrer dans l'univers de Rodrigo Sánchez et Gabriela Quintero.

Wallis Bird est une jeune irlandaise qui a la particularité de jouer, en tant que gauchère, sur une guitare de droitier dont les cordes n'ont pas été inversées. Passé ce détail finalement inintéressant, on peut s'attarder sur sa prestation. C'est très simple, cette fille est une catastrophe ambulante. Malgré sa voix parfois atypique sur quelques notes poussées et rugueuses, Wallis Bird est aussi mauvaise que la réaction enthousiaste du public est incompréhensible. Comment une personne aussi dénuée de sensibilité artistique peut se retrouver en première partie de virtuoses comme Rodrigo y Gabriela ? Pourquoi maltraite-t-elle ses guitares ? Oui, "ses", parce qu'elle a quand même réussi en une demi-heure à casser les cordes de deux guitares, avant d'en demander une troisième qu'elle désaccorde tant son jeu est brutal et maladroit, pour finalement ne pas terminer sa dernière chanson. Une performance brouillon pour une gamine amatrice qui a l'insolence de présenter ses compositions comme étant "amazing". Humour ? Moi, une fille aussi irrespectueuse envers la musique, ça ne me fait pas rire. Elle lit sur un papier qu'elle parle français comme une vache espagnole, elle joue surtout comme un pied. Affligeante.

L'amertume s'envole lorsque le duo mexicain entre sur scène pour interpréter la délicate 11:11, leur chanson hommage à Pink Floyd, après avoir eu la classe d'attendre la fin d'un morceau de metal qui passait en musique d'attente. Ils enchaînent avec Hanuman, l'hommage à Carlos Santana, qui terminent de convaincre les plus sceptiques, s'il y en avait. Après ça, ce n'est que du plus, de la gourmandise, du bonheur à l'état pur. Il n'y a pas une seconde, une note de trop. Aujourd'hui, on parle souvent de talent pour n'importe quel groupe, à tort. Pour Rodrigo y Gabriela, on ne peut pas se tromper. Et en plus d'avoir du talent, ils ont la technique. Ils ont même la sérénité et la générosité. Que demander de plus ?

Peut-être que tout le public se taise. Car même si la majorité exprime sa joie de manière convenable (et sait taper en rythme dans ses mains), il en reste toujours certains qui font preuve d'impolitesse et gâchent le concert des autres. Pourquoi les gens parlent-ils pendant les chansons ? Pourquoi ? Et pourquoi un homme derrière moi appelle un copain pour lui rappeler son absence en riant ? Et pourquoi un autre ne cessait-il pas d'avancer vers la scène avec son sac à dos porté au-dessus de la fosse, gênant ainsi la visibilité d'un bon nombre de personnes derrière lui ? Et pourquoi y en a-t-il toujours un, très éméché, pour se croire à la Techno Parade ou à un match de tennis en sifflant des hymnes fédérateurs ou en criant des encouragements inutiles ? Autant de questions qui restent sans réponses.

Du côté des musiciens, si leurs compositions sont instrumentales, cela ne les empêche pas de prendre la parole en anglais, en français et en espagnol (quel plaisir !), quand ils en terminent une. En revanche, si la communication avec le public se transforme en véritable cohésion, le visuel n'apporte pas grand-chose, hormis les images des mains de Rod y Gab sur leurs guitares ou les jeux d'ombre sur la toile blanche installée derrière eux. Mais encore une fois, tant qu'il y a la musique... Dans ce flamenco rock ressortent clairement leurs influences venues du metal (ils ont joué dans un groupe de heavy metal appelé Tierra Acida, anciennement Castflow). D'ailleurs, alors qu'ils avaient livré un concentré de leur don au Printemps de Bourges 2010, ils ont le temps au Zénith d'annoncer la présence d'un invité surprise, un guitariste métalleux : Alex Skolnick, connu pour avoir joué dans le groupe de thrash metal Testament. Ils s'amusent lors d'un petit jeu à trois, se parlant par riffs interposés, puis font une démonstration de leurs capacités, sans prétention aucune.
Enfin, force est de constater que l'harmonie de Rodrigo y Gabriela en duo vient de deux talents incroyables et uniques, qui s'expriment pendant deux moments où chacun offre un solo, seul sur scène. Mais la plus belle magie vient du mariage de la guitare rythmique de Gabriela (a-t-elle une main bionique ?) à la guitare solo de Rodrigo.

Et parce qu'il faut faire le silence en soi pour recevoir une telle musique : comme Rod y Gab, on reste sans voix.

Vampire Weekend @ Zénith de Paris

2010-11-18T15:29:00.016+01:00

"Alors, c'était comment Vampire Weekend ?" Euh... C'est loin ça, il y a eu une nuit de sommeil entre la soirée et ce matin ! Mon sixième concert de VW... Mon sixième concert de VW ?! Serait-ce une coïncidence ? Suis-je maudite par le chiffre 6 ? Un neuf à l'envers... C'est l'enfer ! Muse, Misteur Valaire, et maintenant Vampire Weekend, le sixième concert n'est pas digne du talent du groupe. Tandis que pour MV à La Maroquinerie, la faute revenait surtout à leur dernier album, le concert de VW a subi les mêmes gênes que le deuxième concert de Muse au Stade de France : le public.

Tout d'abord, le show s'annonçait moins bon que les autres, tout simplement parce que le dernier concert parisien de VW avait été une apothéose : leur passage à l'Olympia. Pour assurer la première partie des quatre New-Yorkais dans le vent : Jenny and Johnny, des Américains de la côte Pacifique, qui ont commencé à 20 heures ; on les entendait déjà depuis l'allée menant au Zénith de Paris. En entrant dans la salle, il n'y a pas d'autre choix que de se diriger en gradins : la fosse est pleine à craquer. Le son est moyen, comme toujours dans cette salle ; les aigus sont insupportables et la voix féminine, aussi claire soit elle, fait très mal aux oreilles. Le groupe de Los Angeles joue une espèce de rock alternatif country. Il n'y a rien d'intéressant, rien de nouveau, rien qui mérite une attention particulière. C'est plat, mais ça a l'air de fonctionner, pendant quarante-cinq minutes, sur un Zénith bondé et réceptif.

Après une demi-heure d'attente, les vampires font leur entrée sur un beat de rap américain moins old school que le Jump Jump de Kris Kross à l'Olympia. Ils entament Holiday avec un son très moyen. La fosse semble amorphe. Ah ! Non ! Les gens sont tout simplement trop occupés à filmer les bras en l'air... Sur White Sky, le public se réveille, mais seulement sur le refrain. En revanche, le "merci" d'Ezra déclenche des cris hystériques, qui continuent sur les minibreaks de Chris, le batteur, pendant Cape Cod Kwassa Kwassa. Ce dernier est indiscutablement impressionnant de constance, et ce depuis leur premier passage à l'Album de la Semaine, en 2008. Pour le reste, la prestation est propre.
Avec l'enchaînement I Stand Corrected/M79, on comprend que la majorité du public ce soir ne réagit que sur les tubes : l'ambiance est morne sur la première, excessivement enthousiaste sur la seconde. Les gens ne savent même pas quand reprendre les chœurs, et ça les fait rire. Moi, ce qui me plaît, c'est plutôt de m'extasier (intérieurement) à l'écoute de la partie batterie sur Bryn (que le groupe n'avait pas joué à l'Olympia, mais ils avaient alors interprété Boston (Ladies of Cambridge)). Les essais d'Ezra pour modifier sa voix ne mettent même pas la puce aux milliers d'oreilles du Zénith... La version de California English sans les violons mimés au clavier vers la fin, c'est une idée ! VW délivre encore trois chansons de Contra, son deuxième album : Cousins, toujours efficace, Taxi Cab, lourde et hors tempo (Rostam, le claviériste, tente désespérément de suivre la lenteur des autres), et Run, égale à elle-même.

"Merci Paris. La prochaine chanson est très facile pour danser !" A-Punk résonne dans la salle, les gradins se lèvent enfin (pour se rasseoir à la fin du morceau). "Do you remember this one ?" One (Blake's got a new face). Le public a enfin compris, au bout de deux albums, comment répéter la phrase de ce titre de Vampire Weekend ! On revient à Contra avec Diplomat's Son, morceau sur lequel Chris, le bassiste, effectue quelques petits pas de danse, et Chris, le batteur, réalise une bonne performance. Le jeu de ce dernier est vraiment mis en avant ce soir, et c'est justifié ! Il donne une énergie incroyable, qui explose sur Giving up the gun. Le single bénéficie alors d'une belle intensité inattendue.
Vampire Weekend termine avec Campus et Oxford Comma sans interruption, pendant lesquels une seule silhouette saute, juste devant Ezra. Il y a bien évidemment toujours quelques crétins pour se plaindre de la durée du concert (une heure et quart), alors que VW a un répertoire de deux albums comportant des chansons relativement courtes. Bref.
Le rappel est annoncé par Rostam, disant en français que la mélodie de Horchata est simple et qu'on peut la reprendre ; le public des gradins se relève. Ensuite, Ezra, l'époustouflant chanteur-guitariste qui ne semble pas savoir faire de fausses notes, introduit Mansard Roof, leur "shortest song", en demandant au public de réaliser une chorégraphie très simple avec les doigts (un langage universel). Enfin, avant de clore presque traditionnellement sur Walcott, les quatre New-Yorkais déclarent que ce soir était leur dernier concert français de la tournée de Contra, et que la prochaine fois qu'ils reviendront, dans un ou deux ans, ils apporteront un troisième album. On peut donc conclure que la setlist de ce 17 novembre 2010, identique à celle de l'Olympia (à deux détails près), changera.

Je n'ai pas eu droit à I Think ur a Contra, et j'espère que cette malédiction du sixième concert ne s'applique qu'au sixième et à l'année 2010...

Moi, moche et méchant - Pierre Coffin & Chris Renaud

2010-11-17T16:39:00.003+01:00

Après avoir basé son teasing sur des minions hilarants, Universal Pictures présente Moi, Moche et Méchant, un film dans lequel l'armée des petites bêtes jaunes se révèle décevante. Mais hormis quelques petites faiblesses, ce dessin animé demeure efficace.

Le premier bon point revient au personnage principal, Gru, moche et méchant, dont le nom est emprunté aux services de renseignements militaires soviétiques, d'où son accent des pays de l'Est. Un méchant en héros, qu'est-ce que ça fait du bien !

Mais, dans le fond, il ne l'est pas. Son armée est constituée de "minions", il a peur de son petit chien monstrueux, et son cœur ne met pas longtemps à craquer pour les trois petites orphelines : Margo, la responsable, Edith, la rebelle, et l'attendrissante Agnes (la présence de cette dernière faisant beaucoup pour le film). D'autre part, avec les flashbacks, on comprend très vite que Gru n'est qu'un grand enfant cherchant sans cesse la reconnaissance de sa mère.

L'histoire (Gru entreprend de voler la Lune pour redevenir le plus méchant des méchants) est bien menée, grâce à un scénario original. Il y a quelques scènes aux gags moins drôles, mais rien ne traîne jamais en longueur. L'ensemble est vif et attachant, surtout à partir de la séquence du parc d'attraction ; et une pointe d'émotion bien dosée, sans mièvrerie donc, vient clore le film.

Un dessin animé sympathique, travaillé jusqu'au générique de fin !

Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu - Woody Allen

2010-11-12T21:59:00.001+01:00

Voilà un réalisateur dont on attend toujours les films : Woody Allen. Dans Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu, les histoires de plusieurs personnages plus ou moins liés sont racontées dans un Londres peu filmé. Le travail est concentré sur la direction d'acteurs et les situations plus que sur la ville.

Avec une belle brochette de comédiens, Allen réussit à exprimer ce qu'il a à dire, traitant des thèmes récurrents de sa filmographie : apparences et réalité, illusion et raison. L'un des personnages a terriblement peur de la mort, un autre comble son vide intérieur par la matérialité des choses, tandis qu'un troisième se terre lâchement dans le mensonge en reprochant à autrui la création d'une vie pour échapper au concret... En bref, les faiblesses humaines sont mises en exergue, révélant même une certaine médiocrité.
Pour en revenir au casting, malgré la présence de Anthony Hopkins, Antonio Banderas et Josh Brolin au casting, on retient plutôt les prestations féminines. L'Américaine Naomi Watts pour son interprétation plus que convaincante, avec son accent anglais parfait ; et Genna Jones dans le rôle de sa mère, aussi pathétique que tête à claques. Car, alors qu'on se prend de tendresse pour le personnage de Naomi, on ne ressent pas une once de sympathie pour celui de Genna.
Finalement, le réalisateur fait danser ses personnages névrosés sur une bande originale toujours efficace sans trop en faire, et sur la musique de la vie, tout simplement. C'est un film léger aux profondeurs noires, servi par un humour grinçant et des dialogues affutés. C'est drôle en même temps qu'énervant et déprimant. Woody Allen ne surprend plus, mais on a l'assurance de passer un bon moment.

Du Woody Allen.

Trentemøller @ Bataclan

2010-10-31T23:59:00.001+01:00

Le soir du lundi 18 octobre 2010 était un moment que j'attendais avec une impatience particulière : Trentemøller, prodigieux DJ et compositeur danois, prévoyait un concert au Bataclan. Un rêve. Après être tombée sous le charme de son premier album, The Last Resort (2006), et la sortie de Into the Great Wide Yonder cette année, son live s'annonçait comme une confirmation ultime. Alors, pourquoi ne suis-je pas ressortie comblée par ce show, un sourire persistant sur le visage ? Tentative d'explication.

À 19 h 45, il y a une file d'attente interminable sur le trottoir du boulevard Voltaire. Les portes du Bataclan ne sont-elles pas encore ouvertes ? En fait, l'organisation est simplement mauvaise : c'est seulement en arrivant à dix mètres de l'entrée qu'un vigile annonce que ceux qui n'ont pas besoin de passer par le vestiaire peuvent entrer... L'attente est insupportable, principalement à cause d'un groupe de banlieusards (ils se sont eux-mêmes nommés ainsi) gênant tout le monde avec des discussions inintéressantes et des mouvements brusques ; des intrus qui ne savent pas vraiment ce qu'ils vont voir, et qui se créeront un souvenir puisqu'ils ne pourront se rappeler du concert tant l'alcool coule dans leurs veines. Premiers signes ? Ce temps passé dehors fait manquer la première partie à la moitié du public. Un public majoritairement composé de Parisiens branchés et underground, mêlés à quelques Danois venus pour l'occasion.

Le premier rang m'appelle, mais, ce soir, ce sera celui du balcon. Le devant de la fosse étant déjà bien compact, et la fatigue ayant raison de moi, je décide de profiter depuis un siège. Première erreur ? Derrière le mur de rubans qui laisse entrevoir la scène, le DJ et ses musiciens arrivent, éclairés pas une faible lumière. Ils ouvrent sur The Mash and The Fury ; on retrouve alors la sensation vécue au concert de Fever Ray à l'Olympia en septembre dernier : une plongée dans un univers magique empreint d'une atmosphère sombre. La qualité musicale est là, servie par un son clair et bien réparti dans le Bataclan. Que pouvait venir perturber cette progressive entrée en matière ?
Après quelques chansons, d'autres rideaux de rubans s'abaissent, laissant apparaître deux jeunes femmes, qui chanteront entre autres Sycamore Feeling et Even Though You're With Another Girl. Pendant ces moments, le processus d'enchantement disparaît. Bien que la musique soit parfaite, les chanteuses "overlookées" brisent le sort en apportant mollesse et superficialité au show intimiste. Ces instants viennent par vagues, laissant donc parfois la scène aux seuls musiciens (un DJ, un batteur, un guitariste, et une guitariste). Mais à peine a-t-on le temps de se replonger dans un rêve avec Vamp ou de participer en tapant rapidement des mains sur Silver Surfer Ghost Rider Go que les sirènes maléfiques reviennent. Difficile de rester dans l'ambiance.
Être en hauteur rend la tâche d'autant plus difficile. La distance est bien présente, et l'on assiste au concert plus qu'on ne le vit. Heureusement, le batteur fabuleux, l'enchaînement absolument parfait Take Me into Your Skin/Miss You et le rappel prévisible mais efficace sur Moan viennent sauver l'ensemble mitigé. Attention, l'impression est mitigée car le niveau d'exigence était très élevé ; l'électro minimale puissante que livre Trentemøller, mêlée à du rock progressif et parfois mâtinée d'ambient, demeure excellente.

Sans les deux inutiles à voix, la formation est talentueuse, avec de vrais musiciens, qui prennent du plaisir et ne se regardent pas évoluer. Il ne reste donc qu'une seule question : suis-je blasée ?

The Town - Ben Affleck

2010-10-26T14:59:00.007+02:00

En 2007 sortait le très bon Gone Baby Gone, premier long métrage de Ben Affleck, dans lequel il donnait le premier rôle à son frère, Casey Affleck. Depuis, Casey se distingue devant la caméra, notamment dans The Killer Inside Me ; ce que Ben n'a jamais vraiment réussi à accomplir, faisant très souvent les mauvais choix de films. On attendait donc son deuxième travail derrière la caméra avec une certaine impatience. Coup double, il confirme ses talents de réalisateur et interprète parfaitement le personnage principal.

Adapté de Prince of Thieves, roman de Chuck Hogan, The Town se déroule à Boston, la ville natale de Ben Affleck. Une ville qu'il filme décidément très bien, dans ses moindres recoins. Après l'enlèvement d'une petite fille dans les quartiers plutôt bourgeois (Gone Baby Gone), il s'attaque au quotidien impitoyable de Charlestown, le quartier pauvre ; un microcosme où se côtoient prostituées, flics, assassins, employés de banque, voyous...
Et si ce film traite évidemment des nombreux braquages commis à Boston, remarquablement mis en scène (sans jamais en faire trop dans l'action), il s'attarde aussi sur les personnages et leur psychologie, servis par des acteurs authentiques comme le fougueux mais fidèle Jeremy Renner (Démineurs) ou la fragile mais battante Rebecca Hall (Le Prestige ; Vicky, Cristina, Barcelona). Dans l'histoire, il ne sont pas seulement acteurs : ils ont une véritable épaisseur qui permet de travailler des sujets tels que la difficulté d'appartenir à une communauté, l'amitié jusqu'à la mort et la rédemption.
Cette sensibilité donne notamment naissance à des scènes à deux très profondes (Doug MacRay et son père, Doug et l'agent du FBI, Doug et James...). Des scènes disséminées dans un film au scénario solide, toujours tendu, qui commence in medias res mais qui ne se presse jamais, révélant un vrai sens du suspens. Un film dans lequel les méchants révèlent une facette émouvante de leur personnalité, et inversement.

Ben Affleck, le Guillaume Canet américain.

The Social Network - David Fincher

2010-10-22T16:59:00.001+02:00

F5. Que celui qui n'a jamais appuyé sur cette touche du clavier pour actualiser sa "home" Facebook me jette la première pierre. Alors qu'on est en plein dans l'ère facebookienne, David Fincher, maître dans l'art de filmer intelligemment, réalise The Social Network ; un long métrage captivant sur la genèse et l'ascension du réseau social le plus addictif jamais créé, initialement appelé "The Facebook".

Mais plus qu'un film sur Facebook, c'est un film sur Mark Zuckerberg. Et plus qu'un portrait tragique sur le fondateur de Facebook, c'est une réflexion sur la solitude et l'emprisonnement du génie, le succès, la gloire et le pouvoir du système. Enfin, malgré la fortune de ce jeune homme odieux en même temps que touchant, c'est une histoire dans laquelle le plus important ne se trouve pas dans les chiffres mais dans les lignes de code.

The Social Network profite d'une mise en scène carrée, d'une structure astucieuse mêlant procès et flashbacks, d'une photo de caractère, et de dialogues travaillés et cinglants joués par d'excellents acteurs. Il y a d'abord les très bonnes performances de Justin Timberlake en Sean Parker, Andrew Garfield (Boy A, L'Imaginarium du Docteur Parnassus) dans la peau de Eduardo Saverin, et Armie Hammer (vu dans la série Reaper) qui joue le rôle des jumeaux Winklevoss. Mais il y a surtout Jeisse Eisenberg, aussi fascinant que déstabilisant. Son interprétation est d'autant plus réussie quand on connaît la personnalité complexe du plus jeune milliardaire du monde. Issu de Harvard, Mark Zuckerberg est asocial mais passionné, égoïste mais terriblement seul, inquiétant mais brillant, suffisant mais incompris.

Le réalisateur de Seven, Fight Club, Zodiac ou encore L'étrange histoire de Benjamin Button, signe un film composé de nombreuses séquences prodigieuses à montrer dans les écoles de cinéma, comme la scène d'introduction (l'échange entre Zuckerberg et sa petite amie dans un bar), la séquence du premier piratage (passionnante, même pour les non-geeks), celle de la compétition d'aviron (chiadée alors que relativement utile), et la dernière, tout en justesse et en sensibilité. Aussi, comment ne pas mentionner la perfection de la bande-son ? Trent Reznor sublime l'univers que crée Fincher ; une association qui avait déjà donné le clip de Only, une remarquable chanson de Nine Inch Nails.

I like.

Elle s'appelait Sarah - Gilles Paquet-Brenner

2010-10-17T23:29:00.003+02:00

Tatiana de Rosnay a écrit Elle s'appelait Sarah. Gilles Paquet-Brenner a réalisé l'histoire qu'elle raconte. Loin d'être aguicheur, le film mêle enquête historique et drame intimiste. C'est un long métrage fort et sensible qui travaille sur le temps, passé, présent, mais aussi futur, et qui donne à penser. Julia, une journaliste américaine installée à Paris depuis vingt ans, cherche à percer le secret que cache l'appartement de sa belle famille, dans lequel son mari souhaite habiter. Situé dans le Marais, il mène Julia dans les profondeurs de l'histoire de Sarah. Mais la vérité à un prix.

Quand La Rafle fait inéluctablement pleurer le spectateur, Elle s'appelait Sarah lui comprime la poitrine d'une douleur libératrice avant de le laisser verser une larme dans la dernière minute. Attention, il ne faut surtout pas s'embarquer dans une comparaison, car celle-ci n'a pas lieu d'être. Le film de Gilles Paquet-Brenner évoque bien évidemment la Shoah, mais ce n'est pas l'histoire, c'est le déclencheur de l'histoire. Elle s'appelait Sarah ne raconte pas un épisode de l'Histoire comme l'a fait Roselyne Bosch dans son film. Et le point de vue maîtrisé que le réalisateur propose vient surtout de Tatiana de Rosnay qui ne cesse de répéter que son livre a été parfaitement mis en images.
La réussite de cette adaptation vient aussi indéniablement du casting. Est-il nécessaire de dire que Kristin Scott Thomas est magistrale ? Personne d'autre n'aurait mieux joué le rôle de Julia. Et si on ne peut pas encore parler de classe en ce qui concerne la jeune Mélusine Mayance (dont le papa est directeur d'acteurs), on peut dire que c'est une véritable actrice, touchante, talentueuse et impressionnante de justesse. Côté masculin, Michel Duchaussoy et Niels Arestrup obtiennent la distinction magna cum laude ! Deux très grands. Bouleversants.

Avec eux, la volonté première du réalisateur (ne pas tomber dans le pathos) est noblement respectée. Gilles Paquet-Brenner a travaillé tout en finesse pour rester sobre, sans perdre la puissance de son film. Seule la fin trop riche en rebondissements aurait pu être évitée. Soutenu par une musique éloignée de toute obscénité (signée Max Richter), une photo délicate (de Pascal Ridao), et un montage intelligent (effectué par Hervé Schneid) mêlant deux histoires à des époques différentes (des histoires qui vont se rejoindre progressivement), Elle s'appelait Sarah possède une subtilité poignante trop rare dans la production cinématographique française d'aujourd'hui.

Un film beau, tout simplement.